Crítica de 'The Gunman'

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'The Gunman' podría resumirse como el fallido intento de Sean Penn de iniciarse en un género que Liam Neeson tiene más que cubierto. Esta película no es más que otra de esas historias de acción protagonizadas por un actor veterano que a pesar de su edad logra enfrentarse él solo a una infinidad de inexpertos enemigos. Una historia ya vista hasta la saciedad y que rara vez depara algún tipo de sorpresa.

La película nos cuenta la historia de Jim Terrier (Sean Penn), un asesino a sueldo que trabaja para una misteriosa compañía (de la cual tampoco vamos a saber mucho más a lo largo de la trama) que acepta contratos para eliminar objetivos de alto valor.

En los primeros minutos de metraje la película ya hace gala de una falta de sutileza absoluta para mostrarnos de golpe y corriendo la situación sentimental del trío protagonista. Felix (Javier Bardem) habla tranquilamente con Annie cuando de repente llega Jim para hacerle un "quítate tú pa' ponerme yo". Mientras Jim y Annie (que dada la diferencia de edad casi podrían ser padre e hija) comienzan a besarse a la vista de todos, Felix dedica la mirada de odio y de envidia menos disimulada que haya visto en mucho tiempo. A partir de ese momento no nos resultará difícil imaginarnos lo que va a suceder en al menos los próximos 30 minutos de película. Como cabría esperar, Felix no tarda mucho en buscar la manera de quitarse de en medio a un ingenuo Jim (que por algún motivo debe ser la única persona del universo que no ve las intenciones de Felix) para así quedarse con la chica.

Tras un salto temporal de 8 años nos encontramos a Jim de vuelta en el Congo (cosa que me resulta difícil entender teniendo en cuenta que dejó en una habitación el rifle con el que cometió el asesinato lleno de huellas dactilares pero bueno...), donde tres hombres intentan asesinarle.

Una de las cosas que más me ha enervado de esta película es la pereza del director a la hora de explicar claramente aspectos relevantes de la trama. En ningún momento nos va a quedar del todo claro por qué después de tanto tiempo la compañía está intentando eliminar Jim, ya que únicamente vamos a recibir motivos vagos y poco precisos. No vamos a entender las tendencias suicidas de Felix. No nos va a quedar muy claro el proceso que está atravesando la compañía ni las investigaciones que están siendo realizadas. Y tampoco nos va a quedar muy claro que pinta Idris Elba en esta película (bueno sí, rellenar cartel), ya que su personaje no tiene ningún impacto en la historia salvo aparecer cuando la policía está arrestando a Jim para que no sean muy duros con él. Y por todo esto es por lo que al final el mensaje que transmite el director al espectador es: "lo importante son los tiros, olvídate del resto". Ahora depende de cada uno valorar si esto es algo bueno o algo malo.

La recta final de la película no me voy a molestar en comentarla porque directamente he dado por sentado que el director en ese punto ha dejado de tomarse en serio la historia y ha pensado que estaba rodando una especie de 'Noche y Día' (sí, aquel chiste que protagonizaron Tom Cruise y Cameron Díaz).

Pero no todo ha sido malo. A pesar de sus abundantes defectos la película tiene buen ritmo y en ningún momento me he aburrido viéndola. Teniendo en cuenta el tipo de película que es y el género al que pertenece, podría decirse que con eso le vale para llegar al suficiente.

Lo mejor: El ritmo.
Lo peor: El guión.

Nota: 5/10

Hardy

Crítica de 'Begin Again'

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'Begin Again' es el trabajo más reciente del director irlandés John Carney, quien ya se diera a conocer gracias al enorme éxito que obtuvo con 'Once' (película ganadora del Óscar a la mejor canción original en el año 2007). Como ya pasara con 'Once', en esta ocasión la historia vuelve a girar en torno al mundo de la música.

Tengo la sensación de que esta película gustará más a aquellas personas que todavía no hayan visto 'Once'. A los que la hayan visto seguramente les resultará inevitable sentir que están ante una versión de 'Once' un poco más descafeinada.

Uno puede llegar a pensar que quizás no sea lo correcto comparar ambas películas de manera tan directa. Al final y al cabo son películas independientes cuyas historias no están relacionadas, ¿no?. Es cierto, pero el problema es que el propio director parece empeñado en que 'Begin Again' termine pareciendo un intento de remake de 'Once'.

Para empezar la historia sentimental que se nos presenta, exceptuando pequeños matices, parece un calco de lo que ya viéramos en 'Once'. Tenemos a dos protagonistas apasionados por la música, que han sido heridos por sus ex-parejas pero que no logran pasar página. Pasan tiempo juntos, se gustan, pero no se termina de materializar nada entre ellos para que finalmente terminen volviendo a sus relaciones pasadas. Al acabar la película es imposible no pensar que Carney ha tratado de servirnos dos veces el mismo plato, solo que en esta ocasión le ha echado una salsa diferente por encima para ver si no nos dábamos cuenta.

Pero aunque parezca que únicamente veo cosas negativas en la película, lo cierto es que 'Begin Again' también tiene sus virtudes. En primer lugar y de manera destacada: Keira Knightley. Siempre he sentido debilidad por esta actriz y en esta ocasión vuelve a lograr que uno se termine enamorando de su personaje con una tremenda facilidad. A esto también hay que añadir que logra cumplir bastante bien en la faceta de cantante, lo cual no era una tarea sencilla cuando la otra voz musical de la película es la de Adam Levine.

Las canciones también merecen ser destacadas. Aunque no haya ninguna canción que a priori vaya a ser tan emblemática como lo fuera en su momento el "Falling Slowly" de 'Once', lo cierto es que tiene temas fantásticos. Personalmente me quedaría con "A step you can't take back" y "Tell me If you wanna go home".

Una última cosa que quiero comentar y que no quiero pasar por alto es la manera en la que Carney consigue reflejar el amor y cariño que siente por la música. La manera en la que ensalza la figura de esos músicos "de calle" que componen sus propias canciones y que lo único que quieren es tocar su música en cualquier lugar donde haya alguien dispuesto a escucharla es realmente admirable.

Lo mejor: Keira Knightley.
Lo peor: La constante sensación de estar ante un remake "encubierto".

Nota: 6/10

Hardy

Crítica de 'New World'

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Creo que una manera bastante acertada de describir esta película sería decir que se trata de un híbrido entre 'The Departed' de Martin Scorsese y 'Outrage' de Takeshi Kitano. Una película donde se entremezclan agentes de policía trabajando infiltrados con las luchas de poder dentro de una organización criminal.

Un pequeño apunte que hay que hacer es que la película (al igual que la mayoría de películas que nos llegan desde Asia) requiere un pequeño esfuerzo por parte del espectador para "aclimatarse" al contexto de la historia. Es sencillo saber quién es quién cuando en tu película los personajes se llaman Frank, Michael o Vincent. Sin embargo cuando los personajes se llaman Lee Ja-sung, Jeong Cheong o Lee Jung-gu el espectador tiene que poner un poco más de su parte para no perderse en el baile de nombres.

Empezando por las virtudes de esta película hay que hablar de la fuerza de la misma. La frescura y vitalidad con la que se rueden las escenas clave es realmente estimulante. Logran contagiarte toda esa energía y eso permite que uno esté completamente enganchado a lo que está viendo en la pantalla. Este efecto se logra en parte gracias a una fotografía muy bien escogida y que busca siempre lograr el mayor impacto visual posible, y una banda sonora de mucha calidad.

Otro detalle que hay que agradecer es que no hayan pecado de lo mismo que muchas veces he criticado en el cine de Takeshi: El exceso de violencia explícita e innecesaria. 'New World' tiene momentos duros y de una violencia considerable, si, pero la diferencia es que lo realmente desagradable sucede siempre de manera implícita y sin mostrárselo directamente y en primer plano al espectador.

En lo que a las interpretaciones se refiere, a pesar de que ningún actor llega a destacar de manera especial por encima del resto, hay que reconocer que el nivel general es bastante elevado. Actuaciones sobrias y elegantes que se encargan de encarnar a personajes de una frialdad más que notable (tanto policías como miembros de 'Goldmoon').

Sin embargo, algo que no me ha gustado de la película es la inclusión de demasiados momentos que podrían considerarse de tinte cómico. Entiendo que quisieran mostrar al personaje de Jung Chung como alguien chistoso y de personalidad completamente opuesta a la de su rival Lee Joong-gu, pero ese humor surcoreano que nunca ha logrado enamorarme no encaja demasiado bien con el tono general de la película.

En líneas generales 'New World' es un thriller por encima de la media en lo que a calidad se refiere. Una película que, a pesar de los detalles que podrían mejorarse, sigue siendo una experiencia cinematográfica que merece bastante la pena. Una historia que resulta tan compleja como interesante y que logra mantener la atención del espectador durante las más de horas de duración.

Lo mejor: La fuerza y vitalidad de la película.
Lo peor: El "peculiar" humor surcoreano.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Disconnect'

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Hacía mucho tiempo que no escribía nada por aquí así que me ha parecido apropiado dedicar esta entrada a la mejor película que he visto durante estos meses de ausencia. Hablo de 'Disconnect', una película de Henry Alex Rubin que me ha convencido como no lo ha hecho ninguna otra película en una larga temporada.

La película consiste en una serie de historias que se van entrelazando según avanza la trama. Además todas estas historias comparten algo en común y es que tienen como trasfondo la tecnología y su influencia sobre nuestra vida diaria. Tengo que reconocer que siempre he sentido especial predilección por las películas de historias cruzadas, ya que me parece un género con mucho juego y muchísimas posibilidades.

Si una palabra sirve para definir a la película es "mimo". Se nota que está hecha con cariño, que está cuidada en cada detalle, en cada escena, en cada plano. Una película rodada con dedicación, confianza, pulso firme y con un trabajo de fotografía impecable. Este es el tipo de esfuerzo que todo director debería mostrar en su primer largometraje.

'Disconnect' es una película con escenas muy intensas, repletas de carga emocional, pero también es una película llena de pequeños momentos cargados de muchísimo significado. Cuando Cindy cambia el mensaje que iba a enviar por el chat o cuando Derek lee las conversaciones que su mujer ha tenido a través de internet son perfectos ejemplos de esto que comento. Momentos sencillos detrás de los cuales se esconde todo un torrente de sentimientos.

En lo que a interpretaciones se refiere poco hay que objetar. El nivel general de todos los actores es realmente alto. Incluso Jason Bateman (el cual nunca consideré que pudiera funcionar fuera de una comedia) está sorprendentemente bien en su papel. Un padre tratando de encontrarle sentido al intento de suicidio de su hijo mientras va creciendo en él un sentimiento de culpabilidad al darse cuenta de que no le ha prestado toda la atención que necesitaba. Sin olvidarnos también de la conexión tan peculiar que se forma entre él y el joven Jason Dixon.

Y siguiendo con las interpretaciones me gustaría también resaltar el interesante trasfondo del personaje de Derek (interpretado por Alexander Skarsgärd). Un hombre destruido por la pérdida de su hijo que además tiene que ver cómo pierde absolutamente todos sus ahorros por culpa de una estafa online que no termina de comprender. Un hombre que una vez fue un marine, que en la actualidad se siente inútil, impotente, carente de toda hombría, y que ve en la búsqueda del hombre que les ha estafado la oportunidad perfecta para demostrarse a si mismo que sigue siendo el hombre capaz que una vez fue.

Los matices de cada personaje y de las conexiones que se crean entre ellos son tan amplios que me daría para varios artículos, así que voy a contenerme y no me extenderé mucho más al respecto.

Y para finalizar me gustaría hacer especial mención al momento cumbre de la película. Ese momento en que las tres historias se quedan suspendidas en el aire, moviéndose a cámara lenta. Por un momento nos tememos lo peor en cada una de ellas (Rich hiriendo gravemente al niño, Derek recibiendo un disparo y Nina siendo golpeada) para finalmente respirar aliviados. Todo ello acompañado del magistral tema de Max Richter, quien hace un trabajo espléndido con la banda sonora.

Lo mejor: Dirección, interpretaciones, banda sonora y fotografía.
Lo peor: La historia de Kyle no llega al mismo nivel de intensidad que el resto.

Nota: 9/10

Hardy

Crítica de 'Trance'

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Llevaba mucho tiempo queriendo ver el último trabajo de Danny Boyle. La estética de la película y así como su reparto hacían presagiar que sería un título como mínimo de notable. Sin embargo tras haberla visto la sensación que queda en mi es de ligera decepción, similar a la que tuve tras terminar de ver ‘Sunshine’. Nuevamente estamos ante una gran cantidad de recursos que no terminan de brillar como debieran por culpa de una historia que no logra mantener el ritmo de una manera medianamente constante.

Los primeros compases de la película son frenéticos, con un ritmo altísimo. Ante nuestros ojos vemos cómo se suceden escenas dinámicas, frescas y con mucha energía, las cuales nos hacen pensar que nuestras expectativas iban a cumplirse sin problemas. Lamentablemente, tras este portentoso prólogo la historia pierde algo de fuelle.

Hay que decir que la estética de la película, su música, la originalidad de sus planos y la impresionante fotografía son una constante a lo largo de la cinta, y sin duda son su mejor activo. En todo momento la película mantiene un nivel extremadamente alto en el aspecto técnico. El problema es que el guión no logra mantiene esa misma regularidad y fiabilidad.

Notamos ese primer “frenazo” en el ritmo de la historia con la aparición de Elizabeth. Escenas un tanto forzadas en las que un grupo de criminales se prestan sin demasiado problemas a participar en todos los experimentos propuestos por la terapeuta (deben ser los criminales más abiertos de mente de toda la historia del cine). Algo que termina por resultar hasta cómico y muy alejado de la realidad.

La historia de amor entre Elizabeth y Franck no deja de ser curiosa también. Metida con calzador y muy poco coherente en su desarrollo. No hay que olvidar que hay un momento en el que Franck no tiene ningún problema en dejar a Elizabeth sola con el resto de su banda, sabiendo que acabará siendo violada casi con total seguridad (de hecho tiene que ser Simon quien entre a salvarla). Una manera un tanto extraña de mostrar afecto por parte de Franck.

Pero aparte de todo esto Danny Boyle vuelve a pecar del mismo defecto que en ‘Sunshine’ y termina estropeando la historia con un exceso de truculencia que no venía demasiado a cuento. Cabezas seccionadas que hablan o disparos a los genitales en primer plano son algunas de las lindezas con las que nos deleita el director británico.

Con el desenlace algunas cosas que hasta el momento nos parecían absurdas (como la facilidad con la que Elizabeth decide involucrarse con una banda de criminales) cobran sentido. Y lo cierto es que el desenlace no está nada mal y tiene además un grado de sorpresa considerable. Finalmente vemos como los diferentes elementos de la historia terminan cuadrando (de un modo un poco rebuscado, sí, pero al menos todo parece estar en su sitio). Sin embargo, cerrar correctamente la historia y encajar todas las piezas del puzzle no es suficiente como para olvidar los defectos comentados en los párrafos anteriores.

Un punto que me gustaría comentar para acabar es que si el espectador es una persona que no cree demasiado en temas de hipnosis, sugestión, etc. difícilmente va a tragar la historia de ‘Trance’ y es muy probable que toda la película en su conjunto le parezca completamente ridícula.

Lo mejor: Técnicamente es una película excelente.
Lo peor: Algunas partes del guión y el exceso de violencia.

Nota: 6/10

Hardy

Crítica de 'Sin nombre'

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Siempre es de agradecer encontrarse con una película que desprenda autenticidad y realismo por los cuatro costados. ‘Sin Nombre’, el primer largometraje de Cary Joji Fukunaga, nos ofrece exactamente eso y en grandes cantidades. Un debut muy prometedor de Fukunaga, quien posteriormente confirmaría su buen hacer tras la cámara con el estreno de ‘Jane Eyre’.

Lo primero que llama la atención nada más empezar a ver la película es su excelente ambientación. La manera tan genuina con la que se nos muestra la vida en los barrios bajos de una localidad de México hace que por momentos casi pudiéramos pensar que estamos viendo un documental de investigación en lugar de una historia de ficción.
Personalmente me ha parecido fascinante el nivel de detalle con el que se muestran las costumbres y la cultura de los miembros de la Mara Salvatrucha. Su manera de hablar, sus gestos, sus rituales, sus creencias,... todo está plasmado con un cuidado realmente excepcional. Tengo que reconocer que me he quedado con ganas de descubrir más películas que toquen esta misma temática.

Pero la película no se centra únicamente en hablarnos de toda la violencia que se genera alrededor de la Mara Salvatrucha. Paralelamente a esta historia vemos también cómo se desarrolla otra trama en la que se nos muestra el drama de la inmigración y los sacrificios que tiene que realizar una familia que persigue su sueño de tener una vida mejor. Asistimos a este drama de una manera muy cercana, sin prisas, viendo con calma cada una de las etapas de su viaje.

A nivel argumental, el único “pero” que le pongo a la película es lo poco convincente que resulta la historia de amor entre los dos jóvenes. Un amor difícil de explicar que surge de una manera un tanto apresurada y forzada. Me resulta bastante complicado digerir que de buenas a primeras Sayra deje atrás a su familia para marcharse con un ex-miembro de la mara al que ha conocido hace un par de días. No estoy seguro de que el hecho de que Willy matara al hombre que intentaba violar a Sayra sea suficiente como para que la joven quede tan perdidamente enamorada de él.

En lo que al apartado técnico se refiere hay que hacer una especial mención a la fotografía de la película (la cual por cierto le valió un premio en el Festival de Sundance). Planos trabajados con mucho mimo y cargados de talento hacen que el visionado de la película sea una experiencia realmente agradable.

Para terminar sólo queda recomendar el visionado de ‘Sin Nombre’, una película que parece arrancada de la vida real y que sin duda merece la pena ver. Eso sí, para el espectador de España puede resultar algo difícil de entender debido a la manera de hablar y al vocabulario tan autóctono que se utiliza. En mi caso que la película tuviera subtítulos en inglés incrustados fue de bastante ayuda.

Lo mejor: La manera tan detallada de mostrar a la Mara Salvatrucha.
Lo peor: La poco convincente historia de amor.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Frankenweenie'

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‘Frankenweenie’ es un film de Tim Burton basado en el cortometraje del mismo nombre realizado por el propio Burton en 1984. La película nos cuenta la historia del experimento científico que lleva a cabo el joven Victor para hacer resucitar a su adorado perro Sparky. A diferencia de la película original, que era un proyecto live-action, Burton decidió utilizar para esta nueva versión animación stop motion.

El principal problema que le encuentro a este película es que tiene una historia que cuadraba perfecta en la duración del cortometraje. Sin embargo, a la hora de alargar su duración hasta las 90 minutos ha sido necesario incluir demasiado relleno en la historia. Relleno que por otra parte no me parece muy acertado todo sea dicho de paso.

Mientras que la historia original giraba únicamente en torno a Victor y su proceso para devolver la vida a Sparky, en este largometraje Burton decidió dar especial protagonismo a los compañeros de clase de Victor. Se dedican muchos minutos a la competición entre los alumnos por ganar el concurso de ciencias, y en mi opinión se desvirtúa un poco el espíritu de la película cuando todos los jóvenes comienzan a resucitar a sus respectivas mascotas.

Todo el fragmento de la película en el que las criaturas resucitadas atacan la feria me ha parecido innecesario. No creo que a una historia como la de ‘Frankenweenie’ le hiciera falta ese tipo de acción fantástica. Pero bueno, puedo entender que Burton considerara que la película debía un tener un trozo así para entretener a los más pequeños.

En lo que a la historia entre Victor y Sparky se refiere sigue resultando bastante emotiva, pero al estar más diluida entre tramas de poco interés pierde la fuerza que tenía en el corto, donde se encontraba todo mucho más concentrado.

Por su parte, la estética de la película sigue siendo excelente y es sin duda lo más interesante de la película. Tiene un look muy llamativo y cuidado, y cuenta con un diseño de personajes que lleva el sello de Tim Burton grabado en la frente.

En resumen, ‘Frankenweenie’ es una historia que en mi opinión encajaba perfectamente en la duración de un cortometraje y que al dar el salto al largometraje no ha sabido cómo rellenar esos minutos extras. Esto provoca que el resultado final no vaya más allá de una simple película de entretenimiento más.

Lo mejor: La estética de la película.
Lo peor: Los nuevos añadidos a la historia.

Nota: 6/10

Hardy

Crítica de 'Golpe de efecto'

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El pensamiento con el que uno se queda tras terminar de ver ‘Golpe de efecto’ es que resulta extraño encontrarse una historia tan del montón en una película protagonizada por Clint Eastwood. Pero esto tiene una explicación bastante sencilla y es que, a diferencia de las últimas películas protagonizadas por Eastwood, ‘Golpe de efecto’ no está dirigida por él. No quiere decir que el director haga un mal trabajo, pero el resultado obtenido es muchísimo más convencional que el que habríamos visto si el propio Eastwood se hubiera puesto tras la cámara.

Lo primero que me ha llamado poderosamente la atención en esta película es lo terriblemente evidentes que resultan determinados personajes. Esto provoca que la historia sea excesivamente previsible y resulte demasiado fácil ir telegrafiando todo lo que va a ir sucediendo.

Por un lado tenemos a Phillip, el desalmado empleado que desprecia y ridiculiza la manera tradicional de ojear jugadores y que desea automatizar todo el proceso. Un personaje sin escrúpulos que recuerda en todo momento que no tiene ningún problema en pisar a quien haga falta para llegar a donde quiere. No es muy difícil imaginar que el personaje de Phillip no va a terminar bien esta historia.

Aún más evidente es el caso de Bo Gendry. La futura estrella que todos los equipos están siguiendo y que ya en la primera escena demuestra, del modo más obvio posible, que es un arrogante y un cretino. Lo primero que escuchamos de este chico es una conversación hablando de cuánto dinero va a ganar y con cuántas señoritas se va a acostar, para luego pedir una bolsa al chico de los cacahuetes y dejársela sin pagar (por si no había quedado claro que era el “malo”). Uno de los mejores ejemplos de que el trabajo que han hecho en esta película a la hora de construir algunos secundarios es realmente mediocre.

Y por supuesto está Rigo, el chico de los cacahuetes. Un chaval de familia humilde, educado, que usa frases tan encantadoras como “solo es un juego” y que resulta ser un lanzador excelente. Evidentemente podemos ver a un kilómetro de distancia que este chico es quien va a llevarse el contrato millonario (humillando de paso a Gendry ante la prensa).

Hasta con un personaje como el de Amy Adams (la cual en mi opinión es de lo mejor que tiene la película todo sea dicho de paso) podemos más o menos intuir cómo va a acabar. Una abogada que apenas tiene tiempo para vivir, con un trabajo muy poco agradecido y que en todo momento deja ver que su auténtica pasión es el baseball. Pues como era de esperar renuncia a su puesto en el buffet de abogados y se deja entrever que va a tener un trabajo ligado al baseball.

Podría seguir hablando de los defectos de los personajes secundarios, pero creo que con esta muestra es más que suficiente. Dejando esto a un lado tampoco hay mucho más que decir de la película. Una historia que gira en torno a la vejez de Gus y su lucha por demostrar que su experiencia y su sabiduría aún pueden ser de mucha utilidad. Tiene uno de esos finales tan propios de las comedias, donde en un par de escenas los “malos” reciben su merecido mientras que para los protagonistas todo termina saliendo a pedir de boca. Es una película que resulta agradable de ver, sí, pero que está plagada de demasiados tópicos cinematográficos.

Lo mejor: El trabajo de Amy Adams.
Lo peor: Lo obvios que son algunos personajes secundarios.

Nota: 6/10

Hardy

Crítica de 'Spring Breakers'

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Como nueve de cada diez médicos recomiendan cada cierto tiempo despellejar una película en un artículo para descargar tensiones, voy a aprovechar lo fácil que me lo ha puesto ‘Spring Breakers’ y no voy a dejar pasar esta oportunidad. Si eres una persona a la que esta película le agradó lo más mínimo te recomiendo encarecidamente dejar de leer a partir de aquí, porque tengo la sensación de que no te va a gustar demasiado lo que viene a continuación.

Pero antes de empezar a “triturar” la película hablemos de lo bueno que tiene (que no es mucho, pero siempre hay algo).

En lo que al apartado técnico se refiere la película está bastante bien trabajada. Tiene una fotografía bastante personal y llamativa que le da una estética muy interesante al film. La banda sonora también está bien escogida y transmite mucha fuerza y mucho ritmo (es una pena que esté malgastada en escenas tan poco acertadas). Y por qué no decirlo, James Franco está a un nivel muy bueno en su papel. Da vida a un personaje que rebosa personalidad y carisma, dando un toque de color que es muy de agradecer entre tanto personaje mediocre.

Y dicho esto, ahora sí podemos pasar a comentar todo lo que no me ha gustado de ‘Spring Breakers’.

Empecemos por las protagonistas: cuatro petardas a cada cual más detestable. Personajes simples y vacíos que por mucha reflexión filosófica que les hagan recitar no llegan a resultar ni remotamente creíbles. Hay que reconocerle cierto mérito a esta película, porque no es fácil que el espectador acabe deseando de una manera tan ferviente un final lo más desagradable posible para sus protagonistas.

Nos encontramos con un grupo de crías consentidas, cuya mayor preocupación es conseguir dinero para poder ir a las vacaciones de primavera. Podría parecer algo tremendamente banal, pero para ellas por lo visto no lo es. De hecho para ponerle remedio deciden robar una cafetería. Si, se ve que al director le parece algo normal que tres universitarias decidan de buenas a primeras cometer un delito para poder irse de vacaciones.

Una vez llegan a Florida asistimos a una sucesión de interminables escenas de música, sexo, drogas, alcohol y desfase. Un cóctel bastante cutre que se nos intenta vender como algo con un cierto significado trascendental en la vida de las jóvenes. En especial el personaje interpretado por Selena Gómez resulta muy muy gracioso. Cada dos por tres con sus reflexiones baratas, como si lo que estuviera viviendo fuera una experiencia trascendental y no una fiesta plagada de gente con más hormonas que sentido común. También es gracioso que intenten pintarla como una joven cándida e inocente cuando en la mayoría de escenas no demuestra ser muy diferente de las otras tres insensatas que la acompañan.

Luego aparece James Franco, quien hace más llevadero el visionado de la película ya que así el peso de la trama no recae exclusivamente en las cuatro jóvenes. Sin embargo, en esta fase vemos otra vuelta de tuerca que el director ve como normal. Tres de las cuatro universitarias se ven instantáneamente atraídas por un delincuente y por todo el mundillo que le rodea, y no dudan un instante en dejar atrás sus vidas para ser las “compinches” de este macarra interpretado por James Franco. Pero bueno, a estas alturas de película ya habremos llegado a un punto en el que nos esperamos cualquier cosa.

Pero aún quedaba el cierre a tan desafortunado ejercicio cinematográfico. Franco y las dos chicas que quedaban aún con él deciden ir a la mansión de Archie para acabar con él. En esta escena me parece acertado el final para el personaje interpretado por Franco. Rápido, inesperado y que no parece muy alejado de lo que podría suceder en la realidad. Sin embargo, las dos universitarias de repente se convierten en Butch Cassidy y Sundance Kid y empiezan a eliminar a todos los que hay en la mansión con una puntería y una precisión digna del mejor asesino profesional. Completamente ridículo y un broche digno de este despropósito llamado “Spring Breakers”.

Podría entrar mucho más detalle sobre los defectos de esta película, pero me quedaría un artículo excesivamente largo y tampoco es cuestión. Por ello, voy a terminarlo recomendado simplemente no ver este película a no ser que no tengamos absolutamente nada mejor que hacer con nuestro tiempo. Porque una cosa es querer hacer una crítica sobre la juventud actual y su falta de valores, y otra muy diferente montar este exagerado festival bizarro que no tiene ni pies ni cabeza.

Lo mejor: La fotografía.
Lo peor: Las protagonistas y el guión.

Nota: 3/10

Hardy

Crítica de 'Buscando un amigo para el fin del mundo'

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Tengo que reconocer que en un primer momento la fórmula de ‘Buscando un amigo para el fin del mundo’ no me convencía demasiado. Ambientar una comedia romántica en una historia sobre el fin del mundo me parecía una mezcla de géneros no muy acertada. Por suerte, el paso de los minutos terminó por demostrarme que estaba equivocado.

Los primeros minutos de la película sin embargo no hicieron más que incrementar mis sospechas de que me encontraba ante un posible experimento fallido. No dejaba de ver escenas cómicas que no terminaban de cuajar, como si se encontraran fuera de lugar. No es un género sencillo el de la comedia dramática y más aún con el trasfondo tan extremo en el que se desenvuelve la historia.

Durante esos minutos había una idea que se repetía constantemente en mi cabeza: “Es una pena que no hayan decidido hacer un drama con esta temática”. Y eso es algo que mantengo aún habiéndome quedado bastante satisfecho con el resultado final de esta película. Hay bastantes aspectos de esta historia que serían muy interesantes de desarrollar en profundidad en un drama donde se pueda mostrar toda la angustia desde un punto de vista más global. Explorando con más detalle esos últimos días en los que no existen barreras morales, en los que muchas personas deciden hacer cosas que nunca se habían atrevido a hacer por miedo a las consecuencias que les pudieran acarrear en un futuro que ahora es inexistente.

Volviendo a la película en sí, tengo que decir que tras esos minutos iniciales de duda por mi parte apareció en pantalla el factor que iba a demostrarme lo equivocado que estaba: Keira Knightley. No sé si es que siento especial debilidad por ella, pero siempre la he considerado una actriz como la copa de un pino. Siempre encuentra la manera de destacar por encima del conjunto sin importar cuál sea la temática, y por supuesto esta película no iba a ser una excepción. Keira encarna a un personaje tierno, vulnerable y al que resulta muy difícil no terminar adorando. Un personaje que va mejorando según avanza la historia de amor entre Penny y Dodge.

La trama va ganando en seriedad y emotividad conforme va pasando el tiempo, algo que es muy de agradecer. Momentos de comedia no muy afortunados como la parada en “Friendly’s” van dejando lugar a escenas más intensas, que es lo que en realidad esperamos dada la magnitud del desastre que se avecina. Es en esos momentos en los que podemos disfrutar de la mejor Keira Knightley.

Y para terminar voy a hablar del que es en mi opinión el tema más delicado de la película: el final. Es cierto que es un final que deja muy desinflado al espectador, pero no se puede decir que la directora haya hecho trampas en ese aspecto. Durante toda la película se nos va dejando claro que el meteorito va a impactar contra la Tierra y que la última esperanza de salvación ha fracasado. En todo momento somos conscientes de que la forma en la que acaba la película es la más probable de todas, pero aún así seguimos manteniendo la esperanza de que pase algo que permita a los dos protagonistas prolongar su historia de amor. Ese es el motivo por el que el desenlace termina golpeando tan duramente, porque nos resistimos a creer que no vaya a haber un final feliz. Pero bueno, la triste realidad es que no siempre va a estar el Bruce Willis de turno para salvar la situación en el último momento.

Lo mejor: El trabajo de Keira Knightley.
Lo peor: Los toques de comedia en la historia.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Lars y una chica de verdad'

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Cuando uno lee la sinopsis de ‘Lars y una chica de verdad’ lo primero que se le viene a la cabeza es que se encuentra ante una comedia con un punto de partida algo cuestionable. ¿Un chico que comienza una relación con una muñeca de plástico mientras todo el mundo le sigue la corriente?. Parece a priori una idea un tanto extravagante. Pero en esta ocasión, y como suele pasar muchas otras veces, las apariencias engañan.

Tras su fachada de comedia con un personaje tan “peculiar” como el de Lars, se esconde un drama muy bien trabajado. En un primer momento pensamos que Lars es simplemente un hombre algo antisocial y extremadamente tímido, pero nada más lejos de la realidad. Poco a poco vamos descubriendo como en realidad es un hombre que ha tenido una infancia realmente complicada. Su madre murió al darle a la luz y él se quedó a vivir con su padre, el cual estaba sumido en una profunda tristeza (y tampoco sería de extrañar que el padre en cierto modo culpara al hijo de lo sucedido, como pasa por ejemplo con Tywin y Tyrion en ‘Game of Thrones’). Vemos pues que el camino que ha llevado a Lars a ser como es no ha sido precisamente agradable.

Las escenas más interesantes de la película en mi opinión son sin duda las que comparten Lars y la doctora Dagmar. Es en estas escenas donde descubrimos cosas importantísimas sobre Lars. Vemos como en su interior esconde un miedo atroz ante el embarazo de Karin, el cual le recuerda cómo perdió a su madre. A Lars le resulta imposible no pensar en que quizás el desenlace podría ser el mismo, y eso le aterra. También vemos como tiene una especie de temor al contacto físico, el cual llega a causarle dolor (en realidad el motivo de este trastorno nunca queda demasiado claro). Cuando llegamos a este punto de la película nos queda bastante claro que lo que estamos viendo no tiene mucho de comedia.

Me gustaría destacar el que considero el punto fuerte de esta película: la interpretación llevada a cabo por Ryan Gosling. Sus gestos, sus movimientos, sus tics... absolutamente todo encaja a la perfección con lo que se busca transmitir con el personaje de Lars. Empieza a ser algo bastante común el ver a Gosling luciendo de manera especial en una película.

Por ponerle algún “pero” a la película podemos hablar de algunos de esos momentos excesivamente idílicos que tiene. Entiendo que el círculo más cercano a Lars ponga todo de su parte para seguirle la corriente, pero eso de que todo el pueblo se esfuerce por ayudar en la recuperación de Lars es algo que por desgracia únicamente puede pasar en una película.

Respecto a la historia de amor entre Lars y Margo poco se puede decir. Es realmente bonita, de eso no hay duda, pero también es rematadamente previsible. El espectador puede ir anticipando sin demasiada dificultad todo lo que va a ir sucediendo entre la pareja. Aunque bueno, entiendo que dado el tono general de la película el desenlace no podía ser muy diferente.

Personalmente ‘Lars y una chica de verdad’ ha sido una grata sorpresa. Me esperaba una comedia romántica algo por encima de la media y finalmente me he encontrado con una historia llena de contenido y con una carga dramática considerable. Sin llegar a ser una joya, es una película que sin duda merece la pena ver.

Lo mejor: La interpretación de Ryan Gosling.
Lo peor: Algunos momentos resultan un tanto previsibles.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook)'

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Antes de ver ‘El lado bueno de las cosas’ había leído cosas realmente prometedoras sobre ella. La cantidad de buenas referencias así como el número de nominaciones y premios que iba acumulando hacía presagiar que estaba ante una nueva vuelta tuerca y algo completamente novedoso dentro del género de la comedia romántica. Pero tras haberla visto no puedo quitarme de encima la sensación de “pues no me parece tan diferente de otras películas del género”.

Y es que si eliminas a Jennifer Lawrence de la película (que es quien creo que le aporta algo diferente a la historia), lo que queda son elementos que hemos visto decenas de veces en otras comedias románticas. Con esto no digo que no me parezca una buena película, ya que la considero una película bastante notable dentro de su género. Pero sí que creo que es una película un tanto “sobrenominada”, y que con las nominaciones a sus dos protagonistas principales habría tenido suficiente.

Pero empecemos por los aspectos positivos, y creo que en primer lugar habría que hablar como es obvio de Jennifer Lawrence. Una actriz que a pesar de su juventud ya atesora buenos papeles a sus espaldas (como ‘Winter’s Bone’ o ‘Lejos de la tierra quemada’) y que ha encontrado en ‘El lado bueno de las cosas’ el que quizás haya sido su papel más intenso y expresivo hasta la fecha. Respecto a su nominación al Óscar a mejor actriz la considero más que justa, aunque no tanto su victoria ya que creo que hubieron actrices que ofrecieron actuaciones con mucho más peso en sus respectivas películas.

Por otra parte creo que merece la pena destacar también el papel de Bradley Cooper. Un personaje realmente interesante al que creo que le ha sacado mucho jugo y que le ha permitido lucir lo suficiente como para llevarse la nominación al Óscar a mejor actor.

Respecto a los aspectos que no me han apasionado tanto de la película, empezaré hablando del papel que juega la familia de Pat en la película. Todo lo relacionado con las supersticiones en los partidos de los Eagles y las apuestas no me ha terminado de convencer. Me ha parecido un tanto artificial y alejado de la realidad.

El desenlace es algo que tampoco me ha agradado demasiado. Es la parte de la película donde quizás he visto salir más a flote una gran cantidad de clichés repetidos hasta la saciedad en este tipo de películas. Todo lo que va a suceder desde que comienza el certamen de baile es rematadamente previsible.

En resumen, ‘El lado bueno de las cosas’ es una comedia romántica bastante buena, muy bien interpretada, pero que no se diferencia tanto de otras películas del género como podríamos pensar en un principio.

Lo mejor: La interpretación de Jennifer Lawrence.
Lo peor: Una recta final muy típica y previsible.

Nota: 6/10

Hardy

Crítica de 'To the Wonder'

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Llevaba ya tiempo con ganas de ver el nuevo trabajo de Terrence Malick. A diferencia de lo que me pasó con ‘El árbol de la vida’, en esta ocasión sabía exactamente lo que me iba a encontrar y qué tipo de película iba a ver. Tengo que decir que a pesar de todas las críticas que ha recibido ‘El árbol de la vida’ a mi me dejó bastante satisfecho, por lo que mis expectativas con ‘to the Wonder’ eran relativamente altas.

La película en sí es increíblemente similar a ‘El árbol de la vida’, con una excepción: la historia de ‘To the Wonder’ no tiene ni la misma fuerza ni nos transmite en ningún momento esa sensación de estar viendo algo profundo y trascendental. Lo único que nos queda una vez terminada la película es el pensamiento de que tan sólo hemos visto una historia de amor algo pomposa y pretenciosa.

Una de las cosas que menos me ha gustado de ‘To the Wonder’ es la falta de coherencia entre sus escenas. Sé que es un poco aventurado decir esto en una película de Malick, pero por ejemplo en ‘El árbol de la vida’ se mantenía una línea mucho más clara en las relaciones de la familia O’Brien. Por su parte, en ‘To the Wonder’, se salta alegremente de los momentos más edulcorados a las discusiones frías y distantes sin que lleguemos a percibir qué es lo que ha sucedido entre medias. Por momentos casi parece que estemos ante una película protagonizada por dos personas con un trastorno bipolar bastante serio.

En lo que al reparto se refiere únicamente voy a destacar el trabajo de Olga Kurylenko. Al igual que le sucediera a Jessica Chastain, Kurylenko ha sabido aprovechar el mimo con el que Malick construye a sus personajes femeninos para dar lo mejor de sí misma. Tanto en las escenas más dramáticas como en las escenas más alegres y juguetonas ha logrado destacar y brillar con luz propia.

La elección de Ben Affleck para esta película no me convencía demasiado desde un principio, y tras haber visto la película me reafirmo en esta opinión. No sé si quizás era la intención de Malick que su personaje resultara tan soso y anodino, pero lo cierto es que en ningún momento llega a conectar con el espectador.

En lo que a Rachel McAdams se refiere creo que cumple bastante bien en su papel, ya que el principal problema con su personaje en realidad no es culpa suya. Cuando se nos presenta la historia de amor entre Neil y Jane a modo de flashback una de las primeras cosas que podemos pensar es que esa trama tendrá alguna relevancia en el presente. Sin embargo esto no es así, ya que el personaje de Jane no vuelve a aparecer en toda la película ni se le vuelve a nombrar. Únicamente se le dedican esos minutos, los cuales si lo pensamos fríamente no aportan demasiado a la trama principal.

Aunque sin duda el caso más grave creo que es el de Javier Bardem. Tras acabar de ver la película se me quedó la siguiente pregunta en la cabeza: “¿Qué pintaba su personaje en esta película?”. Y la única respuesta que encuentro es que simplemente está ahí para aportar esa connotación religiosa tan propia de Malick. Su interacción con el resto de personajes es mínima y la mayoría de sus intervenciones son simplemente para recitar frases relacionadas con la fe y la religión.

Pero no se puede terminar un artículo sobre ‘To the Wonder’ sin hablar de su mayor virtud. La fotografía de la película es simplemente magnífica y llena de imágenes realmente hermosas (aunque en algunos planos nos recuerde demasiado a ‘El árbol de la vida’). No cabe duda de que Malick tiene un talento especial para convertir una película en toda una poesía audiovisual cargada de ternura y belleza.

Lo mejor: La fotografía.
Lo peor: El desarrollo tan irregular de la historia.

Nota: 6/10

Hardy

Crítica de 'Ruby Sparks'

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‘Ruby Sparks’ es una de esas películas que para poder disfrutarlas como es debido es necesario que nos olvidemos del realismo durante un par de horas y dejemos volar nuestra imaginación. Debemos ser conscientes en todo momento de que estamos ante una película en la que cosas imposibles pueden suceder sin que se nos dé ninguna explicación aparente. Es un caso similar al de ‘The Jacket’ por ejemplo, en donde veíamos a un Adrien Brody que de buenas a primeras podía viajar en el tiempo y en ningún momento se nos daba un por qué.

A la hora de hablar de la historia podríamos decir que estamos ante una de esas comedias románticas que busca ser algo más y añadir algo nuevo al género. Nos encontramos con un componente dramático superior a lo que solemos encontrarnos en películas de este estilo. Además, tanto la banda sonora como el trabajo de fotografía hacen que el conjunto de la película suba varios niveles.

Respecto a la idea de traer a la vida un personaje salido de la mente del protagonista me parece bastante original y acertada. Dejando a un lado la inverosimilitud del hecho en sí (como recomendaba en el primer párrafo), lo cierto es que es un concepto tremendamente romántico. Materializar en el mundo real una chica que hemos concebido en nuestra imaginación, con toda la perfección (a priori) que ello conlleva es un punto de partida la mar de interesante.

En lo que a Calvin se refiere no resulta muy complicado empatizar con él dada su forma de ser, aunque tengo la sensación de que hubiera sido mejor si hubiera omitido la parte de ser un escritor de éxito. No me parece demasiado convincente ver a un hombre que se siente solo e incapaz de relacionarse con nadie mientras tiene multitud de mujeres que van detrás de él debido a su fama. Un escritor con talento pero desconocido hubiera sido en mi opinión más apropiado para esta película.

Me gustaría también destacar el trabajo de Zoe Kazan, quien personalmente tengo que decir que ha sido todo un descubrimiento. Una chica que encaja perfectamente en el papel, que transmite muchísima dulzura y que saca un gran partido a esa belleza tan natural que posee. Para mí ella es sin lugar a dudas el punto fuerte de esta película.

También quisiera hacer una mención al tono tan oscuro que va cogiendo la trama en la recta final, algo que tengo que decir que me sorprendió bastante (para bien). En especial la escena en la que Calvin revela a Ruby su origen y la va forzando a hacer movimientos contra su voluntad me resultó bastante intensa e inquietante. Muy buen trabajo a la hora de plasmar una situación que poco a poco ha ido llegando al límite y ha terminado por explotar.

Por todo esto ‘Ruby Sparks’ me parece una película altamente recomendable. No tengo ninguna duda de que todo aquel se deje llevar por la magia de la historia sin hacer preguntas va a disfrutar bastante viéndola.

Lo mejor: Zoe Kazan.
Lo peor: Algunos momentos no resultan todo lo emotivos que podrían ser.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Melancolía'

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Cuando hablamos de ‘Melancolía’ seguramente estamos hablando de la película más espectacular de Lars von Trier en lo que a efectos especiales y fotografía se refiere. El prólogo con el que se nos presenta la película es de una belleza y de una calidad cinematográfica increíble, con planos realmente impresionantes que a priori asumimos como una licencia artística del autor y no como algo que tenga relación con la historia. Más adelante descubrimos que estábamos totalmente equivocados.

‘Melancolía’ es una película dividida en dos partes muy claras y que terminan siendo muy diferentes. Por un lado tenemos una primera parte centrada en Justine (Kirsten Dunst). En este fragmento de la historia asistimos a la fiesta posterior a la boda entre Justine y Michael. En un principio todo parece normal pero poco a poco vamos viendo como el comportamiento de Justine empieza a resultar algo extraño. Lo que en un principio parecía una celebración normal y corriente termina siendo una perfecta y detallada radiografía de lo que significa padecer una depresión. Vemos a una joven incapaz de contener la tristeza que lleva en su interior, que se esfuerza en vano por mostrarse sociable y alegre ante sus allegados y que termina prefiriendo quedarse a solas donde nadie pueda verla. Esta primera parte de la película creo que son los mejores minutos interpretativos de toda la carrera de Kirsten Dunst.

Durante estos minutos hay dos cosas que quisiera destacar. Por un lado el papel que juegan Claire y John, como esos familiares preocupados por el comportamiento de Justine y que, aunque ponen todo de su parte (especialmente Claire), no consiguen averiguar la manera de ayudarla. Y por otro lado el papel de Gaby, la madre de Justine y Claire. Un personaje realmente oscuro y que a todas luces parece ser la rama de la familia por la que le ha llegado a Justine esa personalidad depresiva.

Pasamos ahora a la segunda parte de la película, la cual está centrada en Claire. En un principio parece que la historia va a continuar narrando los esfuerzos de Claire por ayudar a su hermana a superar la depresión, pero poco a poco la trama va tomando un camino muy diferente.

A medida que pasan los minutos vamos descubriendo en Claire un terrible y primitivo miedo hacia el planeta “Melancolía”, el cual puede verse en el cielo. Comenzamos a ver su obsesión con dicho planeta y cómo le aterra la posibilidad de que impacte contra la Tierra. No puede parar de mirarlo cada día y de buscar información con conclusiones catastrofistas, mientras que su marido trata de tranquilizarla y eliminar esas ideas de su cabeza. Hay que hacer una especial mención a Charlotte Gainsbourg y a su trabajo en esta parte del film, donde logra transmitir toda esa angustia y todo ese miedo que atormentan a su personaje.

Y llegamos a la tan inesperada recta final, donde la peor pesadilla de Claire se vuelve realidad y poco a poco el planeta “Melancolía” se va viendo más y más grande en el firmamento. En este trozo de la historia hay dos aspectos que llamaron mucho mi atención. Por un lado está el sorprendente suicidio de John, el cual decide quitarse la vida sin avisar a su familia de lo que iba a suceder, dejándolos solos ante el desastre que se avecinaba. Una decisión que no deja en muy buen lugar la naturaleza humana.
El otro aspecto que me resultó bastante interesante fue la sensación de aislamiento y soledad que se transmite durante los minutos finales. La familia se ha quedado sola e incomunicada en la mansión y el espectador no recibe ningún tipo de información de lo que está sucediendo en el exterior ni de cómo se está viviendo en la ciudad el inminente apocalipsis. Únicamente nos queda esperar a que llegue ese fatal desenlace. Un desenlace que deja al espectador desolado y que requiere de varios minutos para terminar de digerirlo.

Hay que reconocer que si algo no se le puede echar en cara a ‘Melancolía’ es que sea previsible. Y es que me atrevería a decir que muy pocos entre el público fueron capaces de imaginar cómo terminaría la historia tras ver los primeros minutos. Pero ‘Melancolía’ no es sólo una película con un guión sorprendente, es mucho más. Visualmente es una maravilla, y además cuenta con dos actrices especialmente inspiradas como son Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. La verdad es que espero y deseo que von Trier mantenga este buen nivel en sus próximos trabajos.

Lo mejor: Las dos interpretaciones principales y el apartado visual.
Lo peor: --

Nota: 8/10

Hardy

Crítica de 'El Hobbit'

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Al igual que mucha gente, yo también esperaba ‘El Hobbit’ con gran impaciencia. Lo cierto es que tenía unas ganas increíbles de volver a ver una historia ambientada en la Tierra Media, con toda la épica y la magia que ello conlleva. Tras haberla visto tengo que decir que me he quedado satisfecho pero sólo a medias.

La ambientación sigue siendo majestuosa y los paisajes de Nueva Zelanda continúan siendo todo un deleite para el espectador. La historia, aunque más floja que la de la saga de ‘El Señor de los Anillos’, te engancha y te mantiene entretenido durante las casi tres horas de duración. Pero aún con todo esto, la sensación que te deja la película es que podría haber dado algo más. Igual es que ‘El Señor de los Anillos’ dejó el listón demasiado alto, pero lo cierto es que ‘El Hobbit’ te deja con la sensación de que algo no terminaba de estar del todo afinado.

El principal problema que tiene ‘El Hobbit’ es el carácter infantil tan marcado que tiene. Tengo entendido que eso es algo que le viene impuesto por el libro, pero a la hora de hacer una adaptación tú puedes jugar un poco con el tono que le das a la misma. Puedes optar por mantenerte rigurosamente fiel al libro, pero deberías ser consciente de que una película ambientada en el mismo universo que ‘El Señor de los Anillos’ va a atraer a un público muy amplio, y no únicamente a los más pequeños de la casa.

Con esto no digo que ‘El Señor de los Anillos’ no tuviera esos momentos más “ligeros”, que los tiene, pero es que en ‘El Hobbit’ son demasiado abundantes y demasiado largos. Como ejemplos de esto que digo tenemos: la escena de los trolls preparando la cena, la aparición del Gran Trasgo y el juego de las adivinanzas entre Bilbo y Gollum. Escenas que tienen una duración excesiva y que te recuerdan con insistencia que estás viendo una película orientada a un público infantil.
A todo esto hay que sumar, además, el personaje de Radagast el Pardo. Él seguramente sea el mayor exponente de los defectos de esta película. Un personaje al que resulta imposible tomarse en serio, que va por ahí en un trineo tirado por conejos y dejando claro en cada escena que está ahí para acentuar el carácter cómico de la película.

En líneas generales podría decir que ‘El Hobbit’ es una película que va dando una de cal y una de arena. Te da una escena emocionante, cargada de acción trepidante y con unos planos espectaculares para a continuación pasar a una escena de las que podríamos considerar “chistosas” que se encarga de eliminar todo el subidón.

Pero bueno, aún con todo esto ‘El Hobbit’ sigue siendo un espectáculo cinematográfico que se disfruta bastante y que sin duda merece la pena ver. A pesar de sus defectos, veo difícil que resulte aburrida para todo aquel que disfrutara con la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’. Yo personalmente tengo bastantes ganas de ver todo lo que nos va a traer esta saga en sus dos próximas películas. Eso sí, espero que en ellas podamos ver una puesta en escena algo más adulta.

Lo mejor: La ambientación y los efectos especiales.
Lo peor: El tono infantil de la historia.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'The Hunt (La caza)'

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Cuando uno empieza a ver ‘The Hunt’ sabe que va a encontrarse con un producto de calidad. Una película de Thomas Vinterberg, protagonizada por Mads Mikkelsen y premiada en diferentes certámenes (Cannes, Premios del Cine Europeo) es prácticamente sinónimo de éxito.

Otra de las cosas que podemos esperar al tratarse de un film de Vinterbeg es una historia dura e impactante, que toque algún tema delicado y no se corte a la hora de mostrar momentos incómodos para el espectador. Y así es, aunque en esta cinta Vinterberg no llega al nivel de crudeza mostrado por ejemplo en ‘Submarino’.

‘The Hunt’ es una película que ya desde los primeros minutos te hace sentir que algo realmente desagradable va a pasar, aunque no terminas de saber el qué. Vemos a un hombre que trabaja con niños, que juega y comparte tiempo con ellos. Desde ese momento podemos intuir que se avecina algo terrible. Sin embargo la trama avanza de un modo diferente al que podríamos esperar en un principio. No es el personaje de Mikkelsen el que desencadena el desastre, sino una niña que debido a su enfado con Lucas termina contando una mentira más grave de lo que su edad puede permitirle entender. Es a partir de este instante cuando empezaremos a notar la sensación más predominante de la película: la impotencia.

Uno de los motivos que nos hace sentir esa impotencia no es únicamente la injusta situación que Lucas se ve obligado a vivir, sino que en realidad no hay nadie a quien podamos culpar de ello. Por un lado tenemos a una niña que a pesar de actuar mal en un principio luego trata de arreglar la situación y contar la verdad, pero una vez sembrada la semilla de la duda resulta muy difícil hacer creer a su familia que todo había sido un invento. Y luego está la familia de Klara, la cual actúa como cualquier persona normal haría. Nosotros en nuestra condición de espectadores sabemos que Lucas es inocente pero desde el punto de vista de la familia es imposible llegar a saber la verdad sobre lo sucedido, por lo que la duda siempre quedará ahí.

A partir de ahí asistimos al paulatino rechazo que Lucas va experimentando por parte de todos sus allegados. Un proceso que, aunque es algo que hemos visto muchas veces, Vinterberg describe con ese realismo desgarrador que le caracteriza. En estos minutos donde vemos al mejor Mads Mikkelsen mostrando a un hombre cuya vida se va desmoronando poco a poco.

También habría que destacar el papel de Marcus, el hijo de Lucas. Un joven que a pesar de todo lo que se cuenta sigue creyendo en su padre y manteniéndose fiel a él. Su visita a la casa de la familia de Klara es sin ninguna duda su mejor momento interpretativamente hablando.

En la recta final asistimos a un salto temporal de un año, en el que todo ha vuelto a la normalidad y la inocencia de Lucas ha sido demostrada. Sin embargo vemos como las miradas furtivas de los asistentes a la celebración indican que eso no es del todo cierto. Lucas habrá podido demostrar su inocencia, pero para sus conocidos siempre quedará esa sombra de duda a su alrededor. Me parece una manera de cerrar la historia bastante correcta y sobre todo muy cercana a la realidad.

Por todo esto considero ‘The Hunt’ el mejor trabajo de Vinterberg desde ‘Celebración’. De hecho, personalmente ha sido la película del director danés que mejor sabor de boca me ha dejado. Esto no se debe únicamente a la fuerza que tiene la historia sino también a ese aspecto visual tan cuidado y al buen trabajo de fotografía. Una película que merece la pena ver sin duda alguna.

Lo mejor: La interpretación de Mads Mikkelsen.
Lo peor: Lo poco innovador del argumento.

Nota: 7,5/10

Hardy

Crítica de 'Amor'

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Tengo que reconocer que antes de ver ‘Amor’, las películas de Haneke que había visto me habían dejado un sabor de boca un tanto agridulce. Tanto ‘Funny Games’ como ‘La cinta blanca’, aunque impactantes cada una a su manera, me parecieron historias que por una u otra razón no estaban a la altura de las críticas tan positivas que había leído. El caso de ‘La pianista’ fue quizás el más contundente de todos. Una historia que en conjunto me resultó excesivamente retorcida, en la que se buscó crear una atmósfera tan enfermiza que al final terminó pareciendo todo un tanto artificial.

Pero con ‘Amor’ Haneke ha dado en el clavo. Una durísima y la vez hermosa historia de amor que se percibe real como la vida misma. Una película en la que se nos muestra sin tapujos lo dramático que puede llegar a ser el deterioro de una persona en su vejez y lo difícil que puede resultar para su pareja lidiar con los innumerables problemas que se presentan cada día. Sin embargo, el amor tan puro que los une es lo que hará que permanezcan uno al lado del otro hasta el final.

‘Amor’ es una película que se toma su tiempo para narrarnos con calma y detalle el día a día de dos personas mayores, parándose y recreándose en lo cotidiano. Se preocupa en mostrarnos sus tareas diarias, sus conversaciones y sus rutinas, para poco a poco ir cambiando el escenario e ir llevándonos hacia toda la crudeza que nos espera a medida que vaya avanzando la enfermedad de Anne (la cual culmina con un desenlace marca de la casa).

Por supuesto no se puede hablar de ‘Amor’ sin subrayar el excelente trabajo que hacen sus actores. Ya no hablo únicamente de Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant, los cuales ofrecen unas interpretaciones impresionantes, sino también de Isabelle Huppert. Huppert muestra un nivel más que notable en su papel, interpretando a la preocupada hija de Anne y Georges. Una mujer angustiada por la situación de sus padres y por la responsabilidad que la abruma al sentir que podría estar haciendo más por ellos. Un personaje que sorprende por lo tremendamente cercano que resulta.

Por su parte, el trabajo de Emmanuelle Riva es con diferencia lo mejor de la película. Una interpretación estremecedora de una mujer que poco a poco va perdiendo todas sus facultades hasta convertirse en una persona totalmente dependiente e incapaz de hacer nada por sí misma. Muy merecida su nominación al Óscar, e incluso me hubiera parecido una ganadora más que justa. Lo que sí me sorprendió en su momento fue la ausencia de nominación para Jean-Louis Trintignant, ya que considero que hizo méritos suficientes para ir por delante de algunos de los que fueron nominados finalmente.

Para terminar solo queda decir que ‘Amor’ es sin duda una de las películas del año, aunque eso sí, es posible que nos deje un cierto desasosiego al ofrecer una visión tan clara, realista e impactante del deterioro que puede acompañar a la vejez.

Lo mejor: La interpretación de Emmanuelle Riva.
Lo peor: --

Nota: 8/10

Hardy

Crítica de 'En la casa'

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‘En la casa’ nos cuenta la historia de un adolescente con un especial talento para la escritura, el cual comienza a compartir todo lo que escribe con su profesor de literatura. Unos escritos que llegados a cierto punto resulta difícil distinguir si son reales o imaginarios.

Se trata de una película que desde un primer momento logra seducir al espectador con la forma tan original y dinámica que tiene de contar los hechos. Además la excepcional banda sonora que acompaña a la película le da una vida y una energía a cada escena muy notable. Sin duda el trabajo de Philippe Rombi le da a la película un salto de calidad más que considerable.

En lo que a la trama se refiere es innegable que consigue mantener el interés del espectador, aunque más o menos se pueda intuir desde un principio el motivo que ha llevado a Claude a la casa. Aún así resulta bastante llamativo ir viendo la manera tan fría y calculadora en la que el joven poco a poco va ganándose la confianza de la familia hasta prácticamente convertirse en uno más.

Sin embargo algo que no me ha terminado de convencer es la manera tan rápida y sencilla en la que el profesor se deja atrapar por las historias de Claude. Una cosa es que el talento del joven le lleve a darle tutorías particulares y una muy diferente que tras haber leído tan sólo tres o cuatro escritos decida robar un examen de matemáticas para que Claude pueda seguir accediendo a la casa. Me ha parecido algo desproporcionado, o por lo menos algo que sucede demasiado pronto en la historia.

Algo que sí me ha encantado son las escenas en las que Germain se “cuela” en las narraciones de Claude, llegando ambos a dialogar durante las mismas. Me ha parecido un recurso muy llamativo que da como resultado unas escenas con mucha fuerza.

Respecto a Claude, tengo la sensación de que la película no profundiza en él tanto como debería. No llegamos a recibir una explicación clara de lo que ha llevado al joven a comportarse de una manera tan inquietante. El hecho de tener un padre minusválido y una madre ausente no me parece causa suficiente como para mostrar un comportamiento tan desequilibrado. Creo que haber incluido algunas escenas más sobre la vida hogareña de Claude habría permitido al espectador entender mejor los motivos que le llevan a actuar de esa manera.

El final por su parte no he terminado de verlo del todo claro. La marcha de la mujer de Germain me parece demasiado repentina y un tanto injustificada. ¿Debemos suponer que el detonante es la frase de Claude sobre su esterilidad?, ¿la frase de un joven que ella sabe que es un perfecto manipulador?. Si previamente hubiéramos visto algunos síntomas más claros de que la relación no funcionaba no habría quedado todo tan forzado, porque tampoco es que los escritos de Claude generaran un excesivo conflicto en la pareja. Pero bueno, entiendo que para dar el final que deseaban a la película era necesario forzar la ruptura del matrimonio.

A pesar de los detalles que podría mejorar, ‘En la casa’ es una cinta que sin duda merece la pena ver. Siempre es de agradecer encontrarse con una película a la que le gusta contar los hechos de un modo diferente. Y si encima le añades una banda sonora deliciosa pues mejor que mejor.

Lo mejor: La banda sonora y la originalidad de algunas escenas.
Lo peor: Determinados aspectos de la historia podrían estar mejor trabajados.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Hitchcock'

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Antes de empezar a ver ‘Hitchcock’ hay varios factores que nos llevan a pensar que seguramente no estemos ante la película biográfica sobre Alfred Hitchcock definitiva. En primer lugar tenemos la elección de un director novel para llevarla a la gran pantalla, lo cual siembra una cierta incertidumbre sobre el resultado final. Y por otra parte nos encontramos con una duración de 98 minutos, lo cual nos lleva a pensar que la película no va a profundizar en la vida de Hitchcock tanto como nos gustaría. Y pensando esto no nos alejaríamos mucho de la realidad, ya que la película se termina quedando algo corta de contenido.

Si hubiera que escoger una palabra para definir la película sería “correcto”. Y lo cierto es que eso es bastante poco teniendo en el reparto nombres tan notables como el de Anthony Hopkins o Helen Mirren. Esta era una película que en buenas manos seguramente hubiera sido capaz de rascar alguna nominación importante en los Óscar, y no únicamente una nominación al mejor maquillaje.

Personalmente creo que el principal problema de la película ha sido la manera de enfocarla. Se ha centrado excesivamente en la vida matrimonial de Alfred Hitchcock y Alma Reville (en su relación, sus celos, cómo compaginaban vida personal y trabajo) y han terminado dejando el apartado profesional como algo secundario. Cuando uno va a ver una película sobre Alfred Hitchcock y el proceso de creación de ‘Psicosis’ lo que espera es ver una detallada recreación de su forma de trabajar, su manera de tratar con los actores, etc. Aspectos en los que la película no hace suficiente hincapié y en ocasiones toca de manera muy superficial.

Esto no implica que lo que cuenta la película no lo cuente bien. La película entretiene y resulta interesante de ver, pero al terminarla te deja con ganas de mucho más y con la sensación de haber aprendido más sobre Alfred Hitchcock “el marido” que sobre Alfred Hitchcock “el director de cine”.

Como aspecto positivo hay que destacar evidentemente tanto a Anthony Hopkins como a Helen Mirren. Son dos actores de un gran nivel que siempre te garantizan unas interpretaciones dignas de ver. El resto del reparto, pese a contar con nombres bastante conocidos, pasa muy desapercibido y apenas influye en el transcurso de la película. Esto es debido a que como se ha dicho anteriormente toda la película gira en torno a la dupla Hitchcock-Reville, mientras que el rodaje de ‘Psicosis’ termina quedando en un segundo plano.

En definitiva, ‘Hitchcock’ es una película que podría haber dado mucho más de lo que finalmente da. Una película que podía haber sacado mucho más partido a un material tan valioso como es la vida y obra de Alfred Hitchcock, y que se limita a contar una historia sencilla que resulte amena de ver para el espectador.

Lo mejor: Las interpretaciones de Anthony Hopkins y Helen Mirren
Lo peor: La poca profundidad de la historia

Nota: 6/10

Hardy