Crítica de 'Melancolía'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Cuando hablamos de ‘Melancolía’ seguramente estamos hablando de la película más espectacular de Lars von Trier en lo que a efectos especiales y fotografía se refiere. El prólogo con el que se nos presenta la película es de una belleza y de una calidad cinematográfica increíble, con planos realmente impresionantes que a priori asumimos como una licencia artística del autor y no como algo que tenga relación con la historia. Más adelante descubrimos que estábamos totalmente equivocados.

‘Melancolía’ es una película dividida en dos partes muy claras y que terminan siendo muy diferentes. Por un lado tenemos una primera parte centrada en Justine (Kirsten Dunst). En este fragmento de la historia asistimos a la fiesta posterior a la boda entre Justine y Michael. En un principio todo parece normal pero poco a poco vamos viendo como el comportamiento de Justine empieza a resultar algo extraño. Lo que en un principio parecía una celebración normal y corriente termina siendo una perfecta y detallada radiografía de lo que significa padecer una depresión. Vemos a una joven incapaz de contener la tristeza que lleva en su interior, que se esfuerza en vano por mostrarse sociable y alegre ante sus allegados y que termina prefiriendo quedarse a solas donde nadie pueda verla. Esta primera parte de la película creo que son los mejores minutos interpretativos de toda la carrera de Kirsten Dunst.

Durante estos minutos hay dos cosas que quisiera destacar. Por un lado el papel que juegan Claire y John, como esos familiares preocupados por el comportamiento de Justine y que, aunque ponen todo de su parte (especialmente Claire), no consiguen averiguar la manera de ayudarla. Y por otro lado el papel de Gaby, la madre de Justine y Claire. Un personaje realmente oscuro y que a todas luces parece ser la rama de la familia por la que le ha llegado a Justine esa personalidad depresiva.

Pasamos ahora a la segunda parte de la película, la cual está centrada en Claire. En un principio parece que la historia va a continuar narrando los esfuerzos de Claire por ayudar a su hermana a superar la depresión, pero poco a poco la trama va tomando un camino muy diferente.

A medida que pasan los minutos vamos descubriendo en Claire un terrible y primitivo miedo hacia el planeta “Melancolía”, el cual puede verse en el cielo. Comenzamos a ver su obsesión con dicho planeta y cómo le aterra la posibilidad de que impacte contra la Tierra. No puede parar de mirarlo cada día y de buscar información con conclusiones catastrofistas, mientras que su marido trata de tranquilizarla y eliminar esas ideas de su cabeza. Hay que hacer una especial mención a Charlotte Gainsbourg y a su trabajo en esta parte del film, donde logra transmitir toda esa angustia y todo ese miedo que atormentan a su personaje.

Y llegamos a la tan inesperada recta final, donde la peor pesadilla de Claire se vuelve realidad y poco a poco el planeta “Melancolía” se va viendo más y más grande en el firmamento. En este trozo de la historia hay dos aspectos que llamaron mucho mi atención. Por un lado está el sorprendente suicidio de John, el cual decide quitarse la vida sin avisar a su familia de lo que iba a suceder, dejándolos solos ante el desastre que se avecinaba. Una decisión que no deja en muy buen lugar la naturaleza humana.
El otro aspecto que me resultó bastante interesante fue la sensación de aislamiento y soledad que se transmite durante los minutos finales. La familia se ha quedado sola e incomunicada en la mansión y el espectador no recibe ningún tipo de información de lo que está sucediendo en el exterior ni de cómo se está viviendo en la ciudad el inminente apocalipsis. Únicamente nos queda esperar a que llegue ese fatal desenlace. Un desenlace que deja al espectador desolado y que requiere de varios minutos para terminar de digerirlo.

Hay que reconocer que si algo no se le puede echar en cara a ‘Melancolía’ es que sea previsible. Y es que me atrevería a decir que muy pocos entre el público fueron capaces de imaginar cómo terminaría la historia tras ver los primeros minutos. Pero ‘Melancolía’ no es sólo una película con un guión sorprendente, es mucho más. Visualmente es una maravilla, y además cuenta con dos actrices especialmente inspiradas como son Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. La verdad es que espero y deseo que von Trier mantenga este buen nivel en sus próximos trabajos.

Lo mejor: Las dos interpretaciones principales y el apartado visual.
Lo peor: --

Nota: 8/10

Hardy

Hablando de... Paul Thomas Anderson

Con Paul Thomas Anderson estamos ante un director con un ritmo de producción bajo (en la última década únicamente ha estrenado dos largometrajes), pero que siempre se asegura de que lo poco que va sacando tenga unos mínimos de calidad realmente altos. Un director de grandes historias y al que le gusta dar una especial relevancia al trabajo interpretativo en sus películas.

Comenzaré hablando de ‘Boogie Nights’, el trabajo con el que el nombre de Paul Thomas Anderson comenzaba a sonar. Una película de historias cruzadas ambientada en el mundo del cine porno durante los años 70 y 80. No hay duda de que tocaba una temática arriesgada y delicada, pero el resultado obtenido fue realmente bueno. Un gran reparto y una historia llevada con buen pulso fueron los puntos fuertes de ‘Boogie Nights’. Tengo que decir que siempre he sentido especial predilección por las películas de historias cruzadas, lo cual fue un punto a su favor también.

Dos años más tarde, Anderson repitió fórmula con el que es en mi opinión su mejor trabajo hasta la fecha: ‘Magnolia’. Un nuevo drama de historias cruzadas protagonizado por un reparto aún más amplio e impresionante que el de ‘Boogie Nights’ y en el que Tom Cruise estuvo especialmente brillante. En esta ocasión la película no se ambientaba en un entorno en particular, sino que nos narraba la vida de un variado grupo de personas y las conexiones que se producían entre ellos. Un trabajo realmente brillante que, a pesar de su duración de 3 horas, se me terminó haciendo corto dado el ritmo tan alto que se mantiene durante toda la película.

Avanzamos ahora casi 10 años para llegar a la siguiente película con la que Anderson se ganó la admiración del público y la crítica: ‘Pozos de Ambición’. Una película que se apoya fundamentalmente en la colosal interpretación de Daniel Day-Lewis (interpretación que posteriormente le valdría un Óscar al mejor actor principal). Sólo por ver la evolución de su personaje y la magistral recta final del mismo, ya merece la pena ver esta película. Personalmente tengo que decir que el ritmo de la historia me pareció excesivamente lento lo que, dada su duración, podría provocar que en conjunto pudiera resultar una película algo pesada de ver.

Y finalmente llegamos a ‘The Master’, una película que pasó extrañamente desapercibida por los Óscars de 2012. Me sorprendió tanto el no verla entre las nominadas a mejor película como el no ver a Paul Thomas Anderson entre los nominados a mejor director. Sin embargo, la Academia sí que reconoció el excepcional trabajo llevado a cabo por el trío protagonista (Phoenix-Hoffman-Adams) y premió a cada uno de ellos con una nominación al Óscar.
La película, al igual que pasara con ‘Pozos de Ambición’, gira alrededor de las interpretaciones. Más allá de la trama, la cual también es interesante por la temática que toca, lo que realmente da a la película el valor que tiene son sus actores. En especial quisiera destacar el papel de Joaquin Phoenix, quien se confirma como uno de los actores de nuestra generación. Escenas como la tanda de preguntas que Lancaster realiza a Freddie demuestran todo el talento que atesora este actor. La verdad es que me extrañó que su nombre no sonara con más fuerza en la pugna por el Óscar a mejor actor principal.

¿Y qué es lo siguiente que tiene para ofrecer Paul Thomas Anderson’. Pues de momento para 2014 tenemos anunciada ‘Inherent Vice’. Un thriller que de momento tiene confirmados a Joaquin Phoenix y Charlize Theron. La sola presencia de Joaquin Phoenix en el reparto ya es motivo suficiente para creer que nos encontraremos ante otra película de altos vuelos.

Hardy

Crítica de 'El Hobbit'

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Al igual que mucha gente, yo también esperaba ‘El Hobbit’ con gran impaciencia. Lo cierto es que tenía unas ganas increíbles de volver a ver una historia ambientada en la Tierra Media, con toda la épica y la magia que ello conlleva. Tras haberla visto tengo que decir que me he quedado satisfecho pero sólo a medias.

La ambientación sigue siendo majestuosa y los paisajes de Nueva Zelanda continúan siendo todo un deleite para el espectador. La historia, aunque más floja que la de la saga de ‘El Señor de los Anillos’, te engancha y te mantiene entretenido durante las casi tres horas de duración. Pero aún con todo esto, la sensación que te deja la película es que podría haber dado algo más. Igual es que ‘El Señor de los Anillos’ dejó el listón demasiado alto, pero lo cierto es que ‘El Hobbit’ te deja con la sensación de que algo no terminaba de estar del todo afinado.

El principal problema que tiene ‘El Hobbit’ es el carácter infantil tan marcado que tiene. Tengo entendido que eso es algo que le viene impuesto por el libro, pero a la hora de hacer una adaptación tú puedes jugar un poco con el tono que le das a la misma. Puedes optar por mantenerte rigurosamente fiel al libro, pero deberías ser consciente de que una película ambientada en el mismo universo que ‘El Señor de los Anillos’ va a atraer a un público muy amplio, y no únicamente a los más pequeños de la casa.

Con esto no digo que ‘El Señor de los Anillos’ no tuviera esos momentos más “ligeros”, que los tiene, pero es que en ‘El Hobbit’ son demasiado abundantes y demasiado largos. Como ejemplos de esto que digo tenemos: la escena de los trolls preparando la cena, la aparición del Gran Trasgo y el juego de las adivinanzas entre Bilbo y Gollum. Escenas que tienen una duración excesiva y que te recuerdan con insistencia que estás viendo una película orientada a un público infantil.
A todo esto hay que sumar, además, el personaje de Radagast el Pardo. Él seguramente sea el mayor exponente de los defectos de esta película. Un personaje al que resulta imposible tomarse en serio, que va por ahí en un trineo tirado por conejos y dejando claro en cada escena que está ahí para acentuar el carácter cómico de la película.

En líneas generales podría decir que ‘El Hobbit’ es una película que va dando una de cal y una de arena. Te da una escena emocionante, cargada de acción trepidante y con unos planos espectaculares para a continuación pasar a una escena de las que podríamos considerar “chistosas” que se encarga de eliminar todo el subidón.

Pero bueno, aún con todo esto ‘El Hobbit’ sigue siendo un espectáculo cinematográfico que se disfruta bastante y que sin duda merece la pena ver. A pesar de sus defectos, veo difícil que resulte aburrida para todo aquel que disfrutara con la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’. Yo personalmente tengo bastantes ganas de ver todo lo que nos va a traer esta saga en sus dos próximas películas. Eso sí, espero que en ellas podamos ver una puesta en escena algo más adulta.

Lo mejor: La ambientación y los efectos especiales.
Lo peor: El tono infantil de la historia.

Nota: 7/10

Hardy

Peticiones de un nostálgico

Este artículo lo voy a dedicar a un tema muy particular. Hay directores que por una u otra razón en un determinado momento han cambiado el rumbo de sus carreras y se han lanzado a hacer un tipo de cine diferente al que nos tenían acostumbrados. Independientemente de si las nuevas películas son buenas o no tan buenas, me es imposible no sentir algo de nostalgia al recordar los antiguos trabajos de estos directores. Puede que con la explicación no haya quedado del todo claro la temática que voy a tratar, pero con los nombres que voy a poner creo que se entenderá por dónde van los tiros.

Empezaré hablando del primer nombre que se me vino a la cabeza cuando pensé en este artículo: Guy Ritchie. El director británico comenzó su carrera de manera realmente brillante. ‘Lock & Stock’ y ‘Snatch, cerdos y diamantes’ son dos películas con un estilo único e inconfundible. Películas con un guión, un ritmo y unos diálogos que le aseguraron a Ritchie el éxito más rotundo.

En 2008 Ritchie siguió con la temática que tan buenos resultados le había dado y sacó ‘RocknRolla’. Una película que sin ser tan sorprendente ni tan redonda como las otras dos, seguía teniendo un nivel realmente bueno. Además, el final de la película nos daba a entender que podríamos disfrutar de una secuela (el propio Ritchie afirmó que su intención era hacer una trilogía).

Pero en 2009 Ritchie comenzó a trabajar en las películas de ‘Sherlock Holmes’. Películas con las que ha estado ocupado hasta el día de hoy. Antes que nada quiero dejar claro que me gustan las dos películas de ‘Sherlock Holmes’. Son muy entretenidas, con una estética muy llamativa y con un Robert Downey Jr. soberbio. Aún así, sería de agradecer que en un futuro próximo Ritchie se decidiera a sacar una de esas comedias negras sobre criminales a las que tan bien les tiene cogido el punto. Continuar con la saga ‘RocknRolla’ no sería una mala idea.

Otro caso similar al de Ritchie es el de Michael Bay. Es cierto que no estamos hablando de un director que ofrezca películas de altísimo nivel, pero hay que reconocer que Bay sí que garantizaba un cine de acción trepidante y de calidad. Películas como ‘Dos policías rebeldes’ (I y II), ‘Armageddon’, ‘La isla’ y sobre todo ‘La Roca’ son películas que ofrecen el mejor de los entretenimientos para el espectador que busca un rato de distracción.

Sin embargo, Bay decidió dejar de lado ese cine tan agradecido por parte del público para enfrascarse en una interminable saga de ‘Transformers’. Una saga que, dicho sea de paso, considero muy pero que muy prescindible. Sí, son películas con muy buenos efectos especiales pero argumentalmente son un completo desastre. Menos mal que ahora con ‘Pain & Gain’ por lo menos vamos a ver algo diferente por parte de Bay.

También me parece adecuado hacer una breve mención en este artículo a James Cameron. El director de cintas como ‘Terminator’, ‘Aliens: el regreso’, ‘Terminator 2’ o ‘Mentiras arriesgadas’ y que en el nuevo milenio únicamente nos ha ofrecido ‘Avatar’. Aunque en este caso no es pedirle tanto que vuelva de vez en cuando a sus orígenes sino que no pase una cantidad tan exagerada de tiempo entre un proyecto suyo y el siguiente.

El último caso que voy a comentar es el menos preocupante de todos, ya que adoro las películas que este director ha hecho recientemente. Hablo de Christopher Nolan. Es todo un espectáculo para la vista ver el despliegue técnico que hace Nolan en películas como ‘Origen’ o la saga de ‘Batman’. Pero me es imposible no sentir una especie de nostalgia al recordar historias como la de ‘Memento’ o ‘El truco final’. En este caso me gustaría que por supuesto Nolan continuara haciendo esas superproducciones tan espectaculares, pero sería de agradecer que intercalara cada cierto tiempo algún proyecto más “sencillo” donde todo girara alrededor del guión.

En resumen, está claro que para un director es bueno reinventarse y aventurarse en nuevos géneros cinematográficos. Pero cuando en tus inicios has tenido un estilo muy marcado que te ha llevado a lo más alto es un detalle que de vez en cuando des a tu público una pequeña ración de aquello que les hizo interesarse por ti en un primer momento.

Hardy

Crítica de 'The Hunt (La caza)'

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Cuando uno empieza a ver ‘The Hunt’ sabe que va a encontrarse con un producto de calidad. Una película de Thomas Vinterberg, protagonizada por Mads Mikkelsen y premiada en diferentes certámenes (Cannes, Premios del Cine Europeo) es prácticamente sinónimo de éxito.

Otra de las cosas que podemos esperar al tratarse de un film de Vinterbeg es una historia dura e impactante, que toque algún tema delicado y no se corte a la hora de mostrar momentos incómodos para el espectador. Y así es, aunque en esta cinta Vinterberg no llega al nivel de crudeza mostrado por ejemplo en ‘Submarino’.

‘The Hunt’ es una película que ya desde los primeros minutos te hace sentir que algo realmente desagradable va a pasar, aunque no terminas de saber el qué. Vemos a un hombre que trabaja con niños, que juega y comparte tiempo con ellos. Desde ese momento podemos intuir que se avecina algo terrible. Sin embargo la trama avanza de un modo diferente al que podríamos esperar en un principio. No es el personaje de Mikkelsen el que desencadena el desastre, sino una niña que debido a su enfado con Lucas termina contando una mentira más grave de lo que su edad puede permitirle entender. Es a partir de este instante cuando empezaremos a notar la sensación más predominante de la película: la impotencia.

Uno de los motivos que nos hace sentir esa impotencia no es únicamente la injusta situación que Lucas se ve obligado a vivir, sino que en realidad no hay nadie a quien podamos culpar de ello. Por un lado tenemos a una niña que a pesar de actuar mal en un principio luego trata de arreglar la situación y contar la verdad, pero una vez sembrada la semilla de la duda resulta muy difícil hacer creer a su familia que todo había sido un invento. Y luego está la familia de Klara, la cual actúa como cualquier persona normal haría. Nosotros en nuestra condición de espectadores sabemos que Lucas es inocente pero desde el punto de vista de la familia es imposible llegar a saber la verdad sobre lo sucedido, por lo que la duda siempre quedará ahí.

A partir de ahí asistimos al paulatino rechazo que Lucas va experimentando por parte de todos sus allegados. Un proceso que, aunque es algo que hemos visto muchas veces, Vinterberg describe con ese realismo desgarrador que le caracteriza. En estos minutos donde vemos al mejor Mads Mikkelsen mostrando a un hombre cuya vida se va desmoronando poco a poco.

También habría que destacar el papel de Marcus, el hijo de Lucas. Un joven que a pesar de todo lo que se cuenta sigue creyendo en su padre y manteniéndose fiel a él. Su visita a la casa de la familia de Klara es sin ninguna duda su mejor momento interpretativamente hablando.

En la recta final asistimos a un salto temporal de un año, en el que todo ha vuelto a la normalidad y la inocencia de Lucas ha sido demostrada. Sin embargo vemos como las miradas furtivas de los asistentes a la celebración indican que eso no es del todo cierto. Lucas habrá podido demostrar su inocencia, pero para sus conocidos siempre quedará esa sombra de duda a su alrededor. Me parece una manera de cerrar la historia bastante correcta y sobre todo muy cercana a la realidad.

Por todo esto considero ‘The Hunt’ el mejor trabajo de Vinterberg desde ‘Celebración’. De hecho, personalmente ha sido la película del director danés que mejor sabor de boca me ha dejado. Esto no se debe únicamente a la fuerza que tiene la historia sino también a ese aspecto visual tan cuidado y al buen trabajo de fotografía. Una película que merece la pena ver sin duda alguna.

Lo mejor: La interpretación de Mads Mikkelsen.
Lo peor: Lo poco innovador del argumento.

Nota: 7,5/10

Hardy