Hablando de... la saga 'Alien'

Hoy voy a variar un poco y en lugar de hablar de un director o de un actor voy a hablar de una saga. Y me ha parecido una buena manera de estrenarse comenzar por una saga muy conocida por el público como es la de ‘Alien’ (Aclarar que me refiero a la saga que llega hasta ‘Alien: Resurrección’. No voy a incluir nada sobre ‘Prometheus’ ni sobre el spin-off de ‘Alien vs Predator’.).

Empezamos con ‘Alien, el octavo pasajero’. El punto álgido de la saga y todo un icono dentro del cine de ciencia-ficción, con algunas escenas que han marcado una época. Una película que sin lugar a dudas ha pasado a formar parte de la historia del cine. Con una atmósfera claustrofóbica y angustiosa la película logra cautivar al espectador, el cual se debate continuamente entre el miedo y la curiosidad. A pesar de los años que han pasado desde su estreno, hay que decir que sus efectos especiales no han envejecido nada mal y siguen causando un impacto bastante notable.

A continuación James Cameron nos trajo ‘Aliens, el regreso’. Una película con una mayor dosis de acción y con una ambientación mucho menos opresiva que la que vimos en su predecesora. Se pierde un poco ese componente de suspense para darle a la película un ritmo mucho más elevado. En cierto modo es de agradecer que Cameron no se limite a repetir lo ya visto y busque darle a la película una identidad propia.

Llegamos ahora a uno de los puntos más conflictivos de la saga: ‘Alien 3‘. La tercera parte llevada a cabo por David Fincher, la cual se ha llevado innumerables críticas (incluido algún que otro comentario del propio Fincher). Tengo que decir que a mí personalmente me dejó bastante satisfecho. Es cierto que tiene un punto de partida bastante cuestionable (eso de cargarse de un plumazo el final de ‘Aliens, el regreso’ no fue una decisión demasiado inteligente). pero quitando ese punto negro lo que nos queda es una película con una carga de tensión y suspense más que válida.

La ambientación en la prisión me parece realmente buena, y a Fincher se le ve bastante acertado a la hora de recrear esa atmósfera claustrofóbica que por momentos puede recordar a la vista en la primera película (y las imágenes desde el punto de vista del alien me parecieron una novedad bastante llamativa). Por ello, a pesar las críticas desfavorables me parece que fue un debut muy respetable por parte de Fincher.

Y por último tenemos ‘Alien: Resurrección’. Personalmente me parece una película que, aunque entretenida, es la más floja de la saga. Y es una lástima porque se le podría haber sacado mucho más partido a esos efectos especiales y a la ambientación tan oscura que tiene. Pero por desgracia el guión que acompaña a la película es demasiado rocambolesco. Teniendo en cuenta lo cerrada que quedó la historia al final de ‘Alien 3’, me parece increíble que consideraran viable la opción de que Ripley volviera a la vida en esta nueva entrega. Además, por sí la trama no fuera ya lo suficientemente extraña con esta resurrección, en la recta final se vuelve aún más surrealista con la aparición del alien que considera a Ripley su auténtica madre. Pero bueno, en realidad el problema de esta película es bastante sencillo: Sigourney Weaver no debería haber aparecido en ella.

En resumen, la saga de ‘Alien’ creo que tiene unas tres primeras películas realmente buenas y que podrían haberla dejado como una trilogía sin ningún problema. ‘Alien: Resurrección’ me parece un añadido innecesario que, aunque no es una mala película, únicamente buscaba estirar el chicle un poco más.

Hardy

Crítica de 'Amor'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Tengo que reconocer que antes de ver ‘Amor’, las películas de Haneke que había visto me habían dejado un sabor de boca un tanto agridulce. Tanto ‘Funny Games’ como ‘La cinta blanca’, aunque impactantes cada una a su manera, me parecieron historias que por una u otra razón no estaban a la altura de las críticas tan positivas que había leído. El caso de ‘La pianista’ fue quizás el más contundente de todos. Una historia que en conjunto me resultó excesivamente retorcida, en la que se buscó crear una atmósfera tan enfermiza que al final terminó pareciendo todo un tanto artificial.

Pero con ‘Amor’ Haneke ha dado en el clavo. Una durísima y la vez hermosa historia de amor que se percibe real como la vida misma. Una película en la que se nos muestra sin tapujos lo dramático que puede llegar a ser el deterioro de una persona en su vejez y lo difícil que puede resultar para su pareja lidiar con los innumerables problemas que se presentan cada día. Sin embargo, el amor tan puro que los une es lo que hará que permanezcan uno al lado del otro hasta el final.

‘Amor’ es una película que se toma su tiempo para narrarnos con calma y detalle el día a día de dos personas mayores, parándose y recreándose en lo cotidiano. Se preocupa en mostrarnos sus tareas diarias, sus conversaciones y sus rutinas, para poco a poco ir cambiando el escenario e ir llevándonos hacia toda la crudeza que nos espera a medida que vaya avanzando la enfermedad de Anne (la cual culmina con un desenlace marca de la casa).

Por supuesto no se puede hablar de ‘Amor’ sin subrayar el excelente trabajo que hacen sus actores. Ya no hablo únicamente de Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant, los cuales ofrecen unas interpretaciones impresionantes, sino también de Isabelle Huppert. Huppert muestra un nivel más que notable en su papel, interpretando a la preocupada hija de Anne y Georges. Una mujer angustiada por la situación de sus padres y por la responsabilidad que la abruma al sentir que podría estar haciendo más por ellos. Un personaje que sorprende por lo tremendamente cercano que resulta.

Por su parte, el trabajo de Emmanuelle Riva es con diferencia lo mejor de la película. Una interpretación estremecedora de una mujer que poco a poco va perdiendo todas sus facultades hasta convertirse en una persona totalmente dependiente e incapaz de hacer nada por sí misma. Muy merecida su nominación al Óscar, e incluso me hubiera parecido una ganadora más que justa. Lo que sí me sorprendió en su momento fue la ausencia de nominación para Jean-Louis Trintignant, ya que considero que hizo méritos suficientes para ir por delante de algunos de los que fueron nominados finalmente.

Para terminar solo queda decir que ‘Amor’ es sin duda una de las películas del año, aunque eso sí, es posible que nos deje un cierto desasosiego al ofrecer una visión tan clara, realista e impactante del deterioro que puede acompañar a la vejez.

Lo mejor: La interpretación de Emmanuelle Riva.
Lo peor: --

Nota: 8/10

Hardy

Hablando de... Jessica Chastain

Jessica Chastain es sin lugar a dudas una de las actrices que más ha despuntado en los últimos años. Su buen ojo a la hora de escoger sus trabajos la ha situado de manera fulminante en lo más alto del panorama cinematográfico. Con muchos años de carrera aún por delante, Jessica Chastain es una de las actrices actuales con mayor proyección y con un futuro más que prometedor. Personalmente, verla en el reparto de una película automáticamente me transmite cierta tranquilidad respecto a los mínimos de calidad que me voy a encontrar.

Empecemos hablando de ‘Take Shelter’. Una película de un nivel realmente bueno que ha pasado relativamente desapercibida por nuestras pantallas. Una historia en la que, a pesar de quedar un poco a la sombra de un Michael Shannon brillante, interpreta un personaje realmente interesante. A medida que el desequilibrio de Curtis se va haciendo más evidente, el personaje de Chastain va ganando enteros y llega a transmitir toda la preocupación e incluso el miedo de una esposa que ve cómo su marido empieza a comportarse de manera irracional.

De todas las películas que he visto suyas, ‘Coriolanus’ es en mi opinión en la que Chastain menos brilla y donde desempeña un rol más secundario. Su papel de esposa de Caius Martius Coriolanus no tiene un peso demasiado significativo en la película.

A continuación nos encontramos con ‘La deuda’. Probablemente la película en la que el gran público empezó a familiarizarse con su cara. Un thriller de bastante calidad y con un guión muy llamativo. Con un personaje correcto y bien llevado, pero en el que todavía no había podido desplegar todo su potencial.

Y llegamos a la que personalmente creo que fue la película que dio a la carrera de Chastain el empujón que la ha llevado hasta donde está hoy: ‘El árbol de la vida’. A pesar de ser una película tan peculiar como es (y que genera opiniones tan divididas), me parece que el papel de Chastain despierta una cercanía y una calidez realmente fantástica. Una madre dulce y cariñosa que ejerce de contrapunto a la severa disciplina impuesta por Mr. O’Brien. Creo que es, junto con ‘La noche más oscura’, la película en la que Chastain mejor puede demostrar todo el talento que lleva dentro.

La siguiente película es ‘Criadas y señoras’. Un papel por el que logró una nominación al Óscar a mejor actriz de reparto. Sin embargo a mí esta es una película que no me pareció tan llamativa como para llevarse cuatro nominaciones al Óscar. Y su personaje, aunque diferente y colorido, tampoco me pareció que estuviera a la altura de sus mejores trabajos.

A continuación podemos encontrarla en dos películas de menos renombre: ‘Texas Killing Fields’ y ‘Lawless’. La primera es un thriller bastante normalito, sin nada que la haga remotamente diferente y en la que los actores van con el piloto automático en todo momento. En la segunda me sorprendió bastante el papel tan secundario desempeñó. A estas alturas Jessica Chastain ya tenía cierto renombre y me resultó extraño que su personaje no tuviera una mayor presencia en la película.

Y por último llegamos a la película que supuso la confirmación de Jessica Chastain como una de las actrices del momento: ‘La noche más oscura’. Una película por la que se llevó una merecida nominación al Óscar a mejor actriz y que perfectamente podría haber ganado por delante de Jennifer Lawrence. Una película en la que prácticamente todo el peso de la trama recae sobre sus hombros, algo que le permite lucirse y ofrecer todo un recital interpretativo.

Para finalizar solo queda hacer hincapié en el gran recorrido que tiene aún por delante. Una actriz que a sus 35 años y con un carrera relativamente corta, atesora ya dos nominaciones al Óscar. Si sigue manteniendo su buen nivel interpretativo y continúa acertando a la hora de elegir los proyectos en los que se embarca, no tengo ninguna duda de que tarde o temprano terminará por llevarse esa estatuilla.

Hardy

Crítica de 'En la casa'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

‘En la casa’ nos cuenta la historia de un adolescente con un especial talento para la escritura, el cual comienza a compartir todo lo que escribe con su profesor de literatura. Unos escritos que llegados a cierto punto resulta difícil distinguir si son reales o imaginarios.

Se trata de una película que desde un primer momento logra seducir al espectador con la forma tan original y dinámica que tiene de contar los hechos. Además la excepcional banda sonora que acompaña a la película le da una vida y una energía a cada escena muy notable. Sin duda el trabajo de Philippe Rombi le da a la película un salto de calidad más que considerable.

En lo que a la trama se refiere es innegable que consigue mantener el interés del espectador, aunque más o menos se pueda intuir desde un principio el motivo que ha llevado a Claude a la casa. Aún así resulta bastante llamativo ir viendo la manera tan fría y calculadora en la que el joven poco a poco va ganándose la confianza de la familia hasta prácticamente convertirse en uno más.

Sin embargo algo que no me ha terminado de convencer es la manera tan rápida y sencilla en la que el profesor se deja atrapar por las historias de Claude. Una cosa es que el talento del joven le lleve a darle tutorías particulares y una muy diferente que tras haber leído tan sólo tres o cuatro escritos decida robar un examen de matemáticas para que Claude pueda seguir accediendo a la casa. Me ha parecido algo desproporcionado, o por lo menos algo que sucede demasiado pronto en la historia.

Algo que sí me ha encantado son las escenas en las que Germain se “cuela” en las narraciones de Claude, llegando ambos a dialogar durante las mismas. Me ha parecido un recurso muy llamativo que da como resultado unas escenas con mucha fuerza.

Respecto a Claude, tengo la sensación de que la película no profundiza en él tanto como debería. No llegamos a recibir una explicación clara de lo que ha llevado al joven a comportarse de una manera tan inquietante. El hecho de tener un padre minusválido y una madre ausente no me parece causa suficiente como para mostrar un comportamiento tan desequilibrado. Creo que haber incluido algunas escenas más sobre la vida hogareña de Claude habría permitido al espectador entender mejor los motivos que le llevan a actuar de esa manera.

El final por su parte no he terminado de verlo del todo claro. La marcha de la mujer de Germain me parece demasiado repentina y un tanto injustificada. ¿Debemos suponer que el detonante es la frase de Claude sobre su esterilidad?, ¿la frase de un joven que ella sabe que es un perfecto manipulador?. Si previamente hubiéramos visto algunos síntomas más claros de que la relación no funcionaba no habría quedado todo tan forzado, porque tampoco es que los escritos de Claude generaran un excesivo conflicto en la pareja. Pero bueno, entiendo que para dar el final que deseaban a la película era necesario forzar la ruptura del matrimonio.

A pesar de los detalles que podría mejorar, ‘En la casa’ es una cinta que sin duda merece la pena ver. Siempre es de agradecer encontrarse con una película a la que le gusta contar los hechos de un modo diferente. Y si encima le añades una banda sonora deliciosa pues mejor que mejor.

Lo mejor: La banda sonora y la originalidad de algunas escenas.
Lo peor: Determinados aspectos de la historia podrían estar mejor trabajados.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Hitchcock'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Antes de empezar a ver ‘Hitchcock’ hay varios factores que nos llevan a pensar que seguramente no estemos ante la película biográfica sobre Alfred Hitchcock definitiva. En primer lugar tenemos la elección de un director novel para llevarla a la gran pantalla, lo cual siembra una cierta incertidumbre sobre el resultado final. Y por otra parte nos encontramos con una duración de 98 minutos, lo cual nos lleva a pensar que la película no va a profundizar en la vida de Hitchcock tanto como nos gustaría. Y pensando esto no nos alejaríamos mucho de la realidad, ya que la película se termina quedando algo corta de contenido.

Si hubiera que escoger una palabra para definir la película sería “correcto”. Y lo cierto es que eso es bastante poco teniendo en el reparto nombres tan notables como el de Anthony Hopkins o Helen Mirren. Esta era una película que en buenas manos seguramente hubiera sido capaz de rascar alguna nominación importante en los Óscar, y no únicamente una nominación al mejor maquillaje.

Personalmente creo que el principal problema de la película ha sido la manera de enfocarla. Se ha centrado excesivamente en la vida matrimonial de Alfred Hitchcock y Alma Reville (en su relación, sus celos, cómo compaginaban vida personal y trabajo) y han terminado dejando el apartado profesional como algo secundario. Cuando uno va a ver una película sobre Alfred Hitchcock y el proceso de creación de ‘Psicosis’ lo que espera es ver una detallada recreación de su forma de trabajar, su manera de tratar con los actores, etc. Aspectos en los que la película no hace suficiente hincapié y en ocasiones toca de manera muy superficial.

Esto no implica que lo que cuenta la película no lo cuente bien. La película entretiene y resulta interesante de ver, pero al terminarla te deja con ganas de mucho más y con la sensación de haber aprendido más sobre Alfred Hitchcock “el marido” que sobre Alfred Hitchcock “el director de cine”.

Como aspecto positivo hay que destacar evidentemente tanto a Anthony Hopkins como a Helen Mirren. Son dos actores de un gran nivel que siempre te garantizan unas interpretaciones dignas de ver. El resto del reparto, pese a contar con nombres bastante conocidos, pasa muy desapercibido y apenas influye en el transcurso de la película. Esto es debido a que como se ha dicho anteriormente toda la película gira en torno a la dupla Hitchcock-Reville, mientras que el rodaje de ‘Psicosis’ termina quedando en un segundo plano.

En definitiva, ‘Hitchcock’ es una película que podría haber dado mucho más de lo que finalmente da. Una película que podía haber sacado mucho más partido a un material tan valioso como es la vida y obra de Alfred Hitchcock, y que se limita a contar una historia sencilla que resulte amena de ver para el espectador.

Lo mejor: Las interpretaciones de Anthony Hopkins y Helen Mirren
Lo peor: La poca profundidad de la historia

Nota: 6/10

Hardy

Hablando de... Lars von Trier

No hay duda de que Lars von Trier es uno de los directores más polémicos y transgresores del panorama actual. En su filmografía cuenta con algunas de las películas más provocativas e impactantes de los últimos años. En líneas generales es un director que suele dejarme muy satisfecho con sus trabajos, aunque en mi opinión tiene alguna mancha en su carrera de la que más adelante hablaremos.

Comencemos hablando de ‘Europa’, una película con la que von Trier empezó a darse a conocer. Una historia con cierto aire onírico ambientada durante la II Guerra Mundial. Una película con una fotografía muy cuidada y realmente vistosa. Sin embargo la película se vuelve excesivamente confusa en los minutos finales y, en mi opinión, von Trier no consigue darle un cierre adecuado.

Pasemos ahora a ‘Rompiendo las olas’, uno de los mejores trabajos de von Trier y la película que le consagró como uno de los directores de cine más importantes de Europa. La principal causa del gran resultado obtenido en esta película es sin ninguna duda el colosal trabajo interpretativo llevado a cabo por Emily Watson. Una interpretación absolutamente desgarradora e impactante, totalmente merecedora de la nominación al Óscar a mejor actriz (un Óscar que en mi opinión le podía haber arrebatado a Frances McDormand perfectamente).

Y ahora llegamos a la mancha de la que hablaba en el primer párrafo: ‘Los idiotas’. Una película absurda, con una historia ridícula, de mal gusto y con toques incluso pornográficos. Una película cuya única preocupación parece ser escandalizar y mostrar constantemente el micrófono por la parte superior de la imagen como para decir “mira qué originales e innovadores somos”. Así como ‘Celebración’ de Thomas Vinterberg es una gran ejemplo de lo que una película del Dogma 95 debería ser, ‘Los idiotas’ es todo lo contrario.

Tras este despropósito von Trier llegó con la que para mí es su mejor película hasta la fecha: ‘Bailar en la oscuridad’. Una de las historias más angustiosas, emotivas y triste que jamás he visto. Si el espectador no tiene ningún prejuicio respecto a las escenas musicales, es muy probable que esta película termine por tocarle en lo más profundo. No suelo ser muy dado a puntuar películas con un 10, pero en este caso es totalmente merecido. Y al igual que pasara con Emily Watson en ‘Rompiendo las olas’, también hay que hacer especial mención al gran trabajo realizado por Björk en el papel protagonista.

A continuación nos encontramos con ‘Dogville’, una de las películas más originales de von Trier. Aunque el escenario pueda resultar tremendamente chocante en un primer momento, una vez te acostumbras a él te sumerges sin ningún problema en la historia. Una historia que se va tornando cada vez más y más oscura hasta desembocar en un final completamente devastador (no hay ninguna duda de que esa era la intención de von Trier en todo momento).

Sobre ‘Manderlay’ poco se puede decir. Secuela de ‘Dogville’, mismo concepto, menos sorprendente y con un final menos impactante. Aunque no por eso deja de ser una película de un nivel realmente bueno.

‘El jefe de todo esto’ es la primera incursión de von Trier en el género de comedia. Una película simpática y agradable de ver, pero que no llega a tener nada que la haga especial ni diferente.

La siguiente de la lista es ‘Anticristo’. Una de las cintas más polémicas de von Trier y con razón. Una película con una gran fotografía y un prólogo portentoso, pero en la que es imposible obviar el festival de escenas desagradables (rozando incluso lo gore) con las que el director busca “deleitar” al espectador. Es probable que si von Trier se hubiera moderado un poco el resultado final habría sido bastante mejor.

Y para finalizar vamos con otra película de von Trier que me dejó muy buen sabor de boca: ‘Melancolía’. Pretendo hablar más en profundidad de esta película en un artículo aparte, así que no me extenderé demasiado. ‘Melancolía’ tiene una historia dividida en dos partes, ambas excelentes y con un final que muy pocos podrían imaginar al comenzar de ver la película. Además, tiene uno de los trabajos de fotografía más impresionantes que he visto.

En resumidas cuentas podemos decir que Lars von Trier es un director capaz de lo mejor (‘Bailar en la oscuridad’) y de lo peor (‘Los idiotas’). Veremos con qué versión nos encontramos cuando su próxima película (‘La ninfómana’) llegue a nuestras pantallas.

Hardy

Bandas Sonoras de Película II

Mucho tiempo después me he decidido por fin a hacer la segunda recopilación de "Bandas Sonoras de Película". En esta ocasión no he escogido ninguna banda sonora de películas americanas, más que nada por variar un poco y darle un toque de color al artículo. No me voy a extender mucho más, tan solo añadir mi intención de no dejar que pase tanto tiempo hasta que publique el próximo "Bandas Sonoras de Película III" como ha pasado en esta ocasión.

Pasemos pues a lo realmente importante. Las melodías que he decidido destacar por todo lo que le aportan a sus respectivas películas. Cada una de ellas es una auténtica delicia para los oídos.

El camino a casa


Cinema Paradiso


Lazos de guerra


Good bye, Lenin!


My Sassy Girl


Despedidas


Las vidas posibles de Mr.Nobody


Hardy

Crítica de 'Blue Valentine'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

La verdad es que me ha sorprendido mucho que una película de la calidad de ‘Blue Valentine’ tardara tanto en llegar a los cines españoles. Me es muy difícil comprender que una película que incluso le valió a Michelle Williams una nominación al Óscar a mejor actriz, se haya estrenado dos años más tarde. Pero bueno, supongo que habrá que agradecer que al menos no se quedara al otro lado del charco.

Respecto a la película solo puedo decir que me ha encantado. Una historia de amor con una carga dramática muy considerable, contada con un realismo que impresiona y sin ningún tipo de edulcorante. Pero sin duda su punto fuerte se encuentra en las interpretaciones ofrecidas por Ryan Gosling y Michelle Williams, las cuales podrían resumirse simplemente como “sobresalientes”.

La película va alternando entre dos épocas de una misma relación, buscando mostrarnos simultáneamente dos realidades completamente opuestas. Por un lado se nos muestra toda la calidez y ternura de una relación que empieza a florecer, con todas las ilusiones, promesas y sueños que ello conlleva. Mientras que por el otro lado se nos muestra la decadencia de una relación que ha terminado volviéndose terriblemente fría y vacía, en la que la rutina del día a día y el peso de la vida familiar han terminado por destruir cualquier rastro de la pasión que una vez hubo. Una relación que sigue con vida única y exclusivamente por el amor que ambos padres sienten hacia su hija.

En los primeros años de relación, Gosling y Williams nos dejan unas interpretaciones encantadoras. Asistimos al romance de dos jóvenes que logran transmitirnos una cercanía y una dulzura realmente fascinante. Pero es sin duda durante los años de decadencia de la relación donde asistimos a un auténtico espectáculo interpretativo. A medida que va aumentado el deterioro de la relación, también aumenta la intensidad de unas escenas que terminan siendo auténtico oro cinematográfico. Más concretamente, escenas tan emotivas como en la que Cindy anuncia a Dean su intención de terminar con la relación es el más claro ejemplo del talento que atesoran ambos actores. Una escena que desprende auténtico realismo por los cuatro costados.

En resumen, ‘Blue Valentine’ es una película altamente recomendable que cuenta con dos actores en estado de gracia. Una completa e impactante radiografía de la evolución que puede llegar a experimentar una relación con el paso de los años. La única que pega que puede llegar a tener es que es probable que deje a más de uno con ganas de seguir soltero durante mucho mucho tiempo...

Lo mejor: Las interpretaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams
Lo peor: --

Nota: 8,5/10

Hardy

Hablando de... Zhang Yimou

He decidido comenzar una nueva serie de artículos en los que comentar mis experiencias respecto a lo que llevo visto de determinados directores, actores o incluso sagas cinematográficas. Y qué mejor manera de empezar que con uno de mis directores predilectos: Zhang Yimou. Yimou siempre me ha parecido un director que logra mantener unos mínimos de calidad realmente altos en todas sus películas. Un director meticuloso y detallista que ofrece una películas que pueden presumir de tener una fotografía realmente impresionante.

Para mantener un cierto orden iré comentando las películas que he visto de Yimou de manera cronológica, por lo que comenzaré con ‘La linterna roja’. La película narra la historia de una mujer joven que se convierte en una de las concubinas de un hombre rico durante la era de los señores de la guerra. Una historia con una excelente ambientación y en la que ya se nota la predilección de Yimou por el uso de unos colores vivos en gran parte de sus escenas. También es de destacar el esfuerzo de la película en recrear hasta el más mínimo detalle concerniente a la vida de las concubinas y todas las costumbres y ceremonias que las rodeaban. Sin ser una de las películas de Yimou que más me ha gustado, es una cinta de una calidad innegable.

Avanzando en su filmografía llegamos a una de sus películas que mejor sabor me han dejado: ‘¡Vivir!’. Un auténtico recorrido por la Revolución Cultural, vista a través de los ojos de una familia humilde que hace todo lo que está en su mano para ir sobreviviendo de la mejor manera posible. Una historia muy humana y cada vez más conmovedora conforme va acercándose al desenlace.

A continuación tenemos ‘Ni uno menos’. Esta es quizás la película de Yimou que menos me ha convencido. A pesar de que muchas de sus películas se caracterizan por unos personajes femeninos con una gran fortaleza, muy bien construidos y que llegan muy fácilmente al espectador, en este caso no llegué a empatizar en ningún momento con el personaje de Wei Minzhi. Además, el tener una recta final no tan emotiva como cabría esperar tampoco ayuda demasiado a la hora de dejar un mejor sabor de boca.

Y llegamos ahora a la que es sin duda mi película favorita de Zhang Yimou (seguida muy de cerca por ‘Las flores de la guerra’). Hablo de ‘El camino a casa’. Una historia de amor ambientada en la China rural, tan sencilla y cálida que inunda al espectador con sus buenas sensaciones. Una banda sonora magistral, una fotografía fantástica y una recta final increíblemente emotiva completan el abanico de virtudes de una película que todo amante del cine debería ver.

Pasamos ahora al Yimou más visual y a las películas donde más remarca ese uso de los colores tan llamativo y que tanta vida le da a cada escena. En este grupo incluiría: ‘Hero’, ‘La casa de las dagas voladoras’ y ‘La maldición de la flor dorada’. Películas que son un auténtico espectáculo visual y toda una invitación a dejarse llevar por la fantasía y la magia que las impregna.

Vamos a ir concluyendo hablando de sus dos películas más recientes. En primer lugar tenemos ‘Amor bajo el espino blanco’. Una humilde y tierna historia de amor que, sin llegar al nivel de ‘El camino a casa’, tiene un nivel realmente alto y unas interpretaciones sobrecogedoras.

Y por último llegamos a la película que más cerca está de rivalizar con ‘El camino a casa’ por el título de “mi película favorita de Yimou”. Hablo de ‘Las flores de la guerra’. Una película que tiene la peculiaridad de estar protagonizada por un actor occidental de renombre como es Christian Bale. Una emotiva, intensa y angustiosa historia sobre un grupo de personas que luchan por sobrevivir a la Masacre de Nankín. Una producción técnicamente brillante y con unos minutos finales estremecedores que mantienen al espectador pegado al asiento.

Es cierto que algunos espectadores pueden llegar a pensar que en el cine de Yimou está demasiado presente tanto la temática de la Revolución Cultural como la de la vida en la China rural. Pero es lo que Yimou mejor conoce y lo que ha vivido, y personalmente veo lógico que aproveche todo ese conocimiento. Además, si algo logra este director es que cada una de sus historias tenga una riqueza de contenidos tan abundante que resulte única y en ningún momento nos dé la sensación de que estamos viendo algo que ya hemos visto. Es sin duda uno de los directores cuyos proyectos espero con más ganas.

Hardy

Crítica de 'El atlas de las nubes (Cloud Atlas)'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Hay un aspecto de esta película que resulta clave a la hora de saber si al espectador le va a gustar ‘El Atlas de las Nubes’ o no. Si al espectador no le choca el hecho de que los actores interpreten diferentes personajes en cada una de las historias hay muchas probabilidades de que la película le acabe gustando. Si por el contrario no es capaz de sobreponerse a este hecho, es muy probable que la película le termine pareciendo larga y ridícula. Y así es ‘El Atlas de las Nubes’, una película que o te encanta o detestas. Sin término medio. Yo por mi parte me tengo que incluir en el grupo de aquellos a los que les ha encantado.

‘El Atlas de las Nubes’ nos cuenta diferentes historias que van transcurriendo en diferentes épocas que van desde 1849 hasta alcanzar el año 2321. Sin duda todo un viaje que nos irá llevando a lo largo del tiempo durante las casi tres horas que dura la película (tres horas que en mi caso se me hicieron muy cortas todo sea dicho).

Su punto fuerte, como no podía ser de otra forma en una película de los Hermanos Wachowski, es el apartado visual. La película está pensada para impresionar al espectador, para que sus planos y sus paisajes resulten lo más espectacular posible. Y a diferencia de lo que se pudiera pensar, el espectáculo visual no se reduce únicamente a las historias que transcurren en el futuro ni mucho menos (ya que por ejemplo en ‘El Diario del Pacífico de Adam Ewing’ nos encontramos con planos realmente fascinantes).

En lo que al contenido de las historias se refiere si hay que comentar algunas cosas. En primer lugar es que, como suele ser habitual en este tipo de películas de historias cruzadas, algunas tramas terminan teniendo más peso y despertando más el interés que otras. En concreto las dos historias que transcurren en el futuro destacan bastante por encima del resto y son las que seguramente concentrarán más la atención del espectador (aunque también hay que admitir que tienen el factor ciencia-ficción a su favor). Pero hubiera sido de agradecer que las historias hubieran estado un poco más equilibradas en ese aspecto).

Otro tema del que me gustaría hablar del poco interés que despierta la historia de ‘El Horrible Calvario de Timothy Cavendish’). Entiendo que no todas las historias pueden salirte excelentes, pero no deberían dejar que el nivel de la película bajara tanto durante los minutos que dedican a esta historia. Y para colmo de males transcurre en el 2012, una época a la que se le podría haber sacado mucho más jugo.

También me gustaría destacar el maquillaje de la película. Y es que aunque algunas caracterizaciones parezcan un poco “caricaturescas” (como la de Hugo Weaving transformado en la enfermera Noakes), hay otras de las cuales no nos daremos cuenta ni identificaremos al actor hasta que no veamos en los créditos finales el papel que interpretó cada actor en cada historia. Y hay que reconocer que en algunos casos sorprende y mucho el fantástico trabajo de maquillaje realizado.

En resumen, ‘El Atlas de las Nubes’ es todo un espectáculo para la vista concebido para el deleite y entretenimiento del espectador. Si además al espectador no le supone un problema el “baile” de actores en las diferentes épocas, es muy probable que termine disfrutando mucho con el contenido de las historias. Si no es el caso, lo más seguro es que las casi tres horas de duración se le terminen haciendo muy largas.

Lo mejor: El apartado visual. Unos paisajes y unos efectos especiales espectaculares.
Lo peor: El Horrible Calvario de Timothy Cavendish

Nota: 8/10

Hardy