Hablando de... Darren Aronofsky

Hoy toca hablar del que es en mi opinión uno de los directores más prometedores y con más futuro de la actualidad: Darren Aronofsky. Y es que a pesar de tener un filmografía más que contrastada con grandes títulos a sus espaldas, su carrera comenzó hace relativamente no mucho tiempo (en el año 1998), y todo hace indicar que aún tiene muchísimo que aportar al mundo al cine.

La andadura cinematográfica de Aronofsky comenzó con la película ‘Pi, fe en el caos’. Una película con mucha fuerza visual y que considero un viaje muy bien plasmado al interior de una mente enferma y obsesionada. Todo ese surrealismo que impregna a la película no son más que la visión del mundo a través de los ojos de un hombre trastornado. Sin embargo, el argumento que acompaña a la película no me convenció para nada (Todo el tema de la secta judía me pareció exagerado y alejado de la realidad).

A continuación llegó ‘Réquiem por un sueño’, la película que supuso el gran salto en la carrera de Aronofsky y con la que se hizo un hueco en el mundo de Hollywood. Una historia dura, directa, desgarradora y que no duda en hacer uso de toda la crudeza que sea necesaria para mostrar la progresiva autodestrucción que va experimentando una pareja incapaz de controlar su adicción a las drogas. Acompañada de la inconfundible banda sonora de Clint Mansell (quien acompaña a Aronofsky en todos sus proyectos), ‘Réquiem por un sueño’ terminó por convertirse en una película de culto y de visionado obligatorio para todo amante del cine.

Por su parte, ‘La fuente de la vida’ probablemente sea el trabajo de Aronofsky que mayor división de opiniones ha generado. El surrealismo tan extremo que se muestra en algunos momentos hace que mucha gente considere esta película demasiado pretenciosa, confusa y sin sentido. Pero personalmente no comparto esas críticas que ha recibido esta película. Es cierto que las escenas de Hugh Jackman que no tienen lugar en el presente pueden resultar demasiado chocantes para el espectador, pero según mi interpretación tienen su sentido. Las escenas en que vemos a Hugh Jackman como un conquistador del siglo XVI no son más que una representación de la novela que estaba escribiendo Izzi, mientras que las escenas de Jackman en el espacio son la representación del último capítulo de la historia que Tom escribió para completar el libro de Izzi. Igual no es la explicación más correcta pero es como yo interpreté lo que iba sucediendo en pantalla.

De ‘La fuente de la vida’ hay dos aspectos fundamentales que me gustaría destacar. por un lado el apartado técnico y lo impresionante que resultan algunos de sus planos (especialmente en la recta final). Y también me parece un aspecto clave de la película la magistral banda sonora de Clint Mansell (de todos los trabajos suyos que he escuchado, el de esta película ha sido el que más me ha gustado con diferencia).

Con ‘El luchador’ Aronofsky deja de lado todo el surrealismo y el ambiente onírico para centrarse en una historia cargada del realismo más puro. Un Mickey Rourke en estado de gracia es sin lugar a dudas el punto fuerte de esta película. Sobre él recae todo el peso de la trama, y hace un trabajo espléndido dando vida a ese luchador profesional al que la vida ha machacado tan duramente.

Y por último llegamos a ‘Cisne negro’. En esta ocasión volvemos a encontrarnos con un personaje atormentado, de esos que tan bien sabe dibujar Aronofsky. Natalie Portman interpreta de manera brillante a Nina, una joven bailarina obsesionada con lograr el papel protagonista en ‘El lago de los cisnes’. Me resultó especialmente interesante ver la atmósfera tan opresiva y asfixiante a la que la madre de Nina (una bailarina retirada y cargada de frustraciones) somete a su hija. Una atmósfera que es el principal desencadenante del deterioro que la salud mental de Nina va experimentando a lo largo de la película. Dicho deterioro, al igual que pasa en otras películas de Aronofsky, está plasmado de un modo realmente talentoso. Aunque eso sí, hay que reconocer que en esta ocasión hay alguna escena que puede pecar de ser un poco retorcida.

No hay duda de que Aronofsky es un director que nunca deja indiferente con sus trabajos. Nos guste más o nos guste menos, cada vez que vemos una película suya sabemos que estamos ante una historia que nos va a dejar algún tipo de huella. Personalmente estoy impaciente por ver lo que Aronofsky nos ofrecerá en su próximo trabajo: ‘Noah’.

Hardy

Crítica de 'Ruby Sparks'

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‘Ruby Sparks’ es una de esas películas que para poder disfrutarlas como es debido es necesario que nos olvidemos del realismo durante un par de horas y dejemos volar nuestra imaginación. Debemos ser conscientes en todo momento de que estamos ante una película en la que cosas imposibles pueden suceder sin que se nos dé ninguna explicación aparente. Es un caso similar al de ‘The Jacket’ por ejemplo, en donde veíamos a un Adrien Brody que de buenas a primeras podía viajar en el tiempo y en ningún momento se nos daba un por qué.

A la hora de hablar de la historia podríamos decir que estamos ante una de esas comedias románticas que busca ser algo más y añadir algo nuevo al género. Nos encontramos con un componente dramático superior a lo que solemos encontrarnos en películas de este estilo. Además, tanto la banda sonora como el trabajo de fotografía hacen que el conjunto de la película suba varios niveles.

Respecto a la idea de traer a la vida un personaje salido de la mente del protagonista me parece bastante original y acertada. Dejando a un lado la inverosimilitud del hecho en sí (como recomendaba en el primer párrafo), lo cierto es que es un concepto tremendamente romántico. Materializar en el mundo real una chica que hemos concebido en nuestra imaginación, con toda la perfección (a priori) que ello conlleva es un punto de partida la mar de interesante.

En lo que a Calvin se refiere no resulta muy complicado empatizar con él dada su forma de ser, aunque tengo la sensación de que hubiera sido mejor si hubiera omitido la parte de ser un escritor de éxito. No me parece demasiado convincente ver a un hombre que se siente solo e incapaz de relacionarse con nadie mientras tiene multitud de mujeres que van detrás de él debido a su fama. Un escritor con talento pero desconocido hubiera sido en mi opinión más apropiado para esta película.

Me gustaría también destacar el trabajo de Zoe Kazan, quien personalmente tengo que decir que ha sido todo un descubrimiento. Una chica que encaja perfectamente en el papel, que transmite muchísima dulzura y que saca un gran partido a esa belleza tan natural que posee. Para mí ella es sin lugar a dudas el punto fuerte de esta película.

También quisiera hacer una mención al tono tan oscuro que va cogiendo la trama en la recta final, algo que tengo que decir que me sorprendió bastante (para bien). En especial la escena en la que Calvin revela a Ruby su origen y la va forzando a hacer movimientos contra su voluntad me resultó bastante intensa e inquietante. Muy buen trabajo a la hora de plasmar una situación que poco a poco ha ido llegando al límite y ha terminado por explotar.

Por todo esto ‘Ruby Sparks’ me parece una película altamente recomendable. No tengo ninguna duda de que todo aquel se deje llevar por la magia de la historia sin hacer preguntas va a disfrutar bastante viéndola.

Lo mejor: Zoe Kazan.
Lo peor: Algunos momentos no resultan todo lo emotivos que podrían ser.

Nota: 7/10

Hardy

Hablando de... Tim Burton

Siempre he visto a Tim Burton como un director de dos caras, cuyas películas divido en dos grandes grupos. Por un lado están las películas que considero de nivel alto, con una estética tremendamente llamativa, una fotografía realmente buena y una historia mágica. Y por el otro lado están esas películas excesivamente bizarras y con una historia un tanto absurda que Burton regala de tanto en tanto.

Empezaré hablando de ‘Bitelchús’. Una película considerada un clásico y una película de culto para muchos. Sin embargo, tengo que decir que yo la vi hace relativamente poco tiempo y la verdad es que ha envejecido realmente mal. Imagino que en su momento los efectos especiales de esta película llamaría mucho la atención, pero más de 20 años después creo que se ha quedado demasiado desfasada. Puede que en parte también sea culpa mía por haberla visto tan tarde.

Luego pasamos al que para mí es el mejor tramo en la carrera de Burton, y ese es el período que comprende ‘Batman’, ‘Eduardo Manostijeras’, ‘Batman vuelve’ y ‘Ed Wood’. Películas en las que nos encontramos con personajes realmente inolvidables y en las que Burton saca lo mejor de sí mismo.
Es cierto que el ‘Batman’ de Nolan ha sido algo espectacular dentro del género de superhéroes, pero el trabajo de Burton en su momento me pareció digno de elogio. La estética gótica de Burton encajó perfectamente con la atmósfera oscura de ‘Batman’. Y si a eso le sumanos actuaciones tan memorables como la de Jack Nicholson o la de Danny DeVito, pues tenemos un conjunto realmente suculento.

‘Eduardo Manostijeras’ por su parte me parece el mejor trabajo realizado por Burton hasta la fecha. Tiene una historia única, unos decorados y unas caracterizaciones excelentes y una banda sonora deliciosa. Además es una película cargada de sensibilidad, que compagina la ternura con momentos algo más tenebrosos. Tengo que reconocer que el final de la película siempre me ha parecido una maravilla.

Después de este período tan brillante de Burton llegó una de las películas que menos me ha gustado de su filmografía: ‘Mars Attacks!’. Es cierto que la vi hace muchísimo tiempo y quizás si ahora la viera de nuevo mi opinión sobre ella podría cambiar levemente (tampoco mucho). Pero cuando la vi me pareció una película completamente ridícula, con momentos realmente absurdos y que desperdiciaba un reparto cargado de nombres conocidos. Quizás algún día me anime a darle un segundo visionado, para ver si mi visión sobre ella cambia o no.
Algo similar me sucede con su remake de ‘El planeta de los simios’. Ha pasado mucho tiempo desde que la vi y prácticamente lo único que recuerdo es la sensación de insatisfacción que me dejó.

Tras ‘Mars Attacks!’, Burton retomó su buen pulso con ‘Sleepy Hollow’. Una ambientación fantástica y una historia cargada de misterio que engancha de principio a fin son las principales virtudes de este film. Sin ser uno de sus mejores trabajos es una película bastante notable.

Turno ahora para la que tras ‘Eduardo Manostijeras’ me parece la mejor película de Burton: ‘Big Fish’. Una película donde Burton deja aflorar toda la magia y la fantasía que lleva en su interior, creando un mundo de ensueño. Tiene una fotografía realmente espectacular, y artísticamente es una película brillante. Además, al igual que ‘Eduardo Manostijeras’, cuenta con un gran final para cerrar la historia (aunque quizás este me parezca algo más emotivo). Ni siquiera la elección de Ewan McGregor (el cual no es santo de mi devoción) para el papel protagonista enturbió el resultado final.

De este punto en adelante (a partir de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’) únicamente voy a destacar ‘Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet’. Un musical con grandes canciones, muy buenas interpretaciones y que al igual que ‘Sleepy Hollows’ cuenta con una ambientación excelente.

‘Charlie en la fábrica de chocolate’, ‘Alicia en el país de las maravillas’ y ‘Sombras tenebrosas’ me parecen todas ellas películas muy vistosas pero con historias bastante normalitas (en el caso de ‘Sombras tenebrosas’ la historia no me pareció normalita, directamente me pareció cutre). Todas ellas son películas para entretener durante el rato que las ves y luego olvidarlas al poco tiempo.

En definitiva Tim Burton es un director con un estilo único e inconfundible, pero un tanto irregular. Es capaz tanto de sacar una película brillante e inolvidable como de sacar una película con una historia realmente mediocre. Espero que sus futuros trabajos acaben englobados en el primer grupo de películas.

Hardy

Crítica de 'Melancolía'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Cuando hablamos de ‘Melancolía’ seguramente estamos hablando de la película más espectacular de Lars von Trier en lo que a efectos especiales y fotografía se refiere. El prólogo con el que se nos presenta la película es de una belleza y de una calidad cinematográfica increíble, con planos realmente impresionantes que a priori asumimos como una licencia artística del autor y no como algo que tenga relación con la historia. Más adelante descubrimos que estábamos totalmente equivocados.

‘Melancolía’ es una película dividida en dos partes muy claras y que terminan siendo muy diferentes. Por un lado tenemos una primera parte centrada en Justine (Kirsten Dunst). En este fragmento de la historia asistimos a la fiesta posterior a la boda entre Justine y Michael. En un principio todo parece normal pero poco a poco vamos viendo como el comportamiento de Justine empieza a resultar algo extraño. Lo que en un principio parecía una celebración normal y corriente termina siendo una perfecta y detallada radiografía de lo que significa padecer una depresión. Vemos a una joven incapaz de contener la tristeza que lleva en su interior, que se esfuerza en vano por mostrarse sociable y alegre ante sus allegados y que termina prefiriendo quedarse a solas donde nadie pueda verla. Esta primera parte de la película creo que son los mejores minutos interpretativos de toda la carrera de Kirsten Dunst.

Durante estos minutos hay dos cosas que quisiera destacar. Por un lado el papel que juegan Claire y John, como esos familiares preocupados por el comportamiento de Justine y que, aunque ponen todo de su parte (especialmente Claire), no consiguen averiguar la manera de ayudarla. Y por otro lado el papel de Gaby, la madre de Justine y Claire. Un personaje realmente oscuro y que a todas luces parece ser la rama de la familia por la que le ha llegado a Justine esa personalidad depresiva.

Pasamos ahora a la segunda parte de la película, la cual está centrada en Claire. En un principio parece que la historia va a continuar narrando los esfuerzos de Claire por ayudar a su hermana a superar la depresión, pero poco a poco la trama va tomando un camino muy diferente.

A medida que pasan los minutos vamos descubriendo en Claire un terrible y primitivo miedo hacia el planeta “Melancolía”, el cual puede verse en el cielo. Comenzamos a ver su obsesión con dicho planeta y cómo le aterra la posibilidad de que impacte contra la Tierra. No puede parar de mirarlo cada día y de buscar información con conclusiones catastrofistas, mientras que su marido trata de tranquilizarla y eliminar esas ideas de su cabeza. Hay que hacer una especial mención a Charlotte Gainsbourg y a su trabajo en esta parte del film, donde logra transmitir toda esa angustia y todo ese miedo que atormentan a su personaje.

Y llegamos a la tan inesperada recta final, donde la peor pesadilla de Claire se vuelve realidad y poco a poco el planeta “Melancolía” se va viendo más y más grande en el firmamento. En este trozo de la historia hay dos aspectos que llamaron mucho mi atención. Por un lado está el sorprendente suicidio de John, el cual decide quitarse la vida sin avisar a su familia de lo que iba a suceder, dejándolos solos ante el desastre que se avecinaba. Una decisión que no deja en muy buen lugar la naturaleza humana.
El otro aspecto que me resultó bastante interesante fue la sensación de aislamiento y soledad que se transmite durante los minutos finales. La familia se ha quedado sola e incomunicada en la mansión y el espectador no recibe ningún tipo de información de lo que está sucediendo en el exterior ni de cómo se está viviendo en la ciudad el inminente apocalipsis. Únicamente nos queda esperar a que llegue ese fatal desenlace. Un desenlace que deja al espectador desolado y que requiere de varios minutos para terminar de digerirlo.

Hay que reconocer que si algo no se le puede echar en cara a ‘Melancolía’ es que sea previsible. Y es que me atrevería a decir que muy pocos entre el público fueron capaces de imaginar cómo terminaría la historia tras ver los primeros minutos. Pero ‘Melancolía’ no es sólo una película con un guión sorprendente, es mucho más. Visualmente es una maravilla, y además cuenta con dos actrices especialmente inspiradas como son Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. La verdad es que espero y deseo que von Trier mantenga este buen nivel en sus próximos trabajos.

Lo mejor: Las dos interpretaciones principales y el apartado visual.
Lo peor: --

Nota: 8/10

Hardy

Hablando de... Paul Thomas Anderson

Con Paul Thomas Anderson estamos ante un director con un ritmo de producción bajo (en la última década únicamente ha estrenado dos largometrajes), pero que siempre se asegura de que lo poco que va sacando tenga unos mínimos de calidad realmente altos. Un director de grandes historias y al que le gusta dar una especial relevancia al trabajo interpretativo en sus películas.

Comenzaré hablando de ‘Boogie Nights’, el trabajo con el que el nombre de Paul Thomas Anderson comenzaba a sonar. Una película de historias cruzadas ambientada en el mundo del cine porno durante los años 70 y 80. No hay duda de que tocaba una temática arriesgada y delicada, pero el resultado obtenido fue realmente bueno. Un gran reparto y una historia llevada con buen pulso fueron los puntos fuertes de ‘Boogie Nights’. Tengo que decir que siempre he sentido especial predilección por las películas de historias cruzadas, lo cual fue un punto a su favor también.

Dos años más tarde, Anderson repitió fórmula con el que es en mi opinión su mejor trabajo hasta la fecha: ‘Magnolia’. Un nuevo drama de historias cruzadas protagonizado por un reparto aún más amplio e impresionante que el de ‘Boogie Nights’ y en el que Tom Cruise estuvo especialmente brillante. En esta ocasión la película no se ambientaba en un entorno en particular, sino que nos narraba la vida de un variado grupo de personas y las conexiones que se producían entre ellos. Un trabajo realmente brillante que, a pesar de su duración de 3 horas, se me terminó haciendo corto dado el ritmo tan alto que se mantiene durante toda la película.

Avanzamos ahora casi 10 años para llegar a la siguiente película con la que Anderson se ganó la admiración del público y la crítica: ‘Pozos de Ambición’. Una película que se apoya fundamentalmente en la colosal interpretación de Daniel Day-Lewis (interpretación que posteriormente le valdría un Óscar al mejor actor principal). Sólo por ver la evolución de su personaje y la magistral recta final del mismo, ya merece la pena ver esta película. Personalmente tengo que decir que el ritmo de la historia me pareció excesivamente lento lo que, dada su duración, podría provocar que en conjunto pudiera resultar una película algo pesada de ver.

Y finalmente llegamos a ‘The Master’, una película que pasó extrañamente desapercibida por los Óscars de 2012. Me sorprendió tanto el no verla entre las nominadas a mejor película como el no ver a Paul Thomas Anderson entre los nominados a mejor director. Sin embargo, la Academia sí que reconoció el excepcional trabajo llevado a cabo por el trío protagonista (Phoenix-Hoffman-Adams) y premió a cada uno de ellos con una nominación al Óscar.
La película, al igual que pasara con ‘Pozos de Ambición’, gira alrededor de las interpretaciones. Más allá de la trama, la cual también es interesante por la temática que toca, lo que realmente da a la película el valor que tiene son sus actores. En especial quisiera destacar el papel de Joaquin Phoenix, quien se confirma como uno de los actores de nuestra generación. Escenas como la tanda de preguntas que Lancaster realiza a Freddie demuestran todo el talento que atesora este actor. La verdad es que me extrañó que su nombre no sonara con más fuerza en la pugna por el Óscar a mejor actor principal.

¿Y qué es lo siguiente que tiene para ofrecer Paul Thomas Anderson’. Pues de momento para 2014 tenemos anunciada ‘Inherent Vice’. Un thriller que de momento tiene confirmados a Joaquin Phoenix y Charlize Theron. La sola presencia de Joaquin Phoenix en el reparto ya es motivo suficiente para creer que nos encontraremos ante otra película de altos vuelos.

Hardy

Crítica de 'El Hobbit'

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Al igual que mucha gente, yo también esperaba ‘El Hobbit’ con gran impaciencia. Lo cierto es que tenía unas ganas increíbles de volver a ver una historia ambientada en la Tierra Media, con toda la épica y la magia que ello conlleva. Tras haberla visto tengo que decir que me he quedado satisfecho pero sólo a medias.

La ambientación sigue siendo majestuosa y los paisajes de Nueva Zelanda continúan siendo todo un deleite para el espectador. La historia, aunque más floja que la de la saga de ‘El Señor de los Anillos’, te engancha y te mantiene entretenido durante las casi tres horas de duración. Pero aún con todo esto, la sensación que te deja la película es que podría haber dado algo más. Igual es que ‘El Señor de los Anillos’ dejó el listón demasiado alto, pero lo cierto es que ‘El Hobbit’ te deja con la sensación de que algo no terminaba de estar del todo afinado.

El principal problema que tiene ‘El Hobbit’ es el carácter infantil tan marcado que tiene. Tengo entendido que eso es algo que le viene impuesto por el libro, pero a la hora de hacer una adaptación tú puedes jugar un poco con el tono que le das a la misma. Puedes optar por mantenerte rigurosamente fiel al libro, pero deberías ser consciente de que una película ambientada en el mismo universo que ‘El Señor de los Anillos’ va a atraer a un público muy amplio, y no únicamente a los más pequeños de la casa.

Con esto no digo que ‘El Señor de los Anillos’ no tuviera esos momentos más “ligeros”, que los tiene, pero es que en ‘El Hobbit’ son demasiado abundantes y demasiado largos. Como ejemplos de esto que digo tenemos: la escena de los trolls preparando la cena, la aparición del Gran Trasgo y el juego de las adivinanzas entre Bilbo y Gollum. Escenas que tienen una duración excesiva y que te recuerdan con insistencia que estás viendo una película orientada a un público infantil.
A todo esto hay que sumar, además, el personaje de Radagast el Pardo. Él seguramente sea el mayor exponente de los defectos de esta película. Un personaje al que resulta imposible tomarse en serio, que va por ahí en un trineo tirado por conejos y dejando claro en cada escena que está ahí para acentuar el carácter cómico de la película.

En líneas generales podría decir que ‘El Hobbit’ es una película que va dando una de cal y una de arena. Te da una escena emocionante, cargada de acción trepidante y con unos planos espectaculares para a continuación pasar a una escena de las que podríamos considerar “chistosas” que se encarga de eliminar todo el subidón.

Pero bueno, aún con todo esto ‘El Hobbit’ sigue siendo un espectáculo cinematográfico que se disfruta bastante y que sin duda merece la pena ver. A pesar de sus defectos, veo difícil que resulte aburrida para todo aquel que disfrutara con la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’. Yo personalmente tengo bastantes ganas de ver todo lo que nos va a traer esta saga en sus dos próximas películas. Eso sí, espero que en ellas podamos ver una puesta en escena algo más adulta.

Lo mejor: La ambientación y los efectos especiales.
Lo peor: El tono infantil de la historia.

Nota: 7/10

Hardy

Peticiones de un nostálgico

Este artículo lo voy a dedicar a un tema muy particular. Hay directores que por una u otra razón en un determinado momento han cambiado el rumbo de sus carreras y se han lanzado a hacer un tipo de cine diferente al que nos tenían acostumbrados. Independientemente de si las nuevas películas son buenas o no tan buenas, me es imposible no sentir algo de nostalgia al recordar los antiguos trabajos de estos directores. Puede que con la explicación no haya quedado del todo claro la temática que voy a tratar, pero con los nombres que voy a poner creo que se entenderá por dónde van los tiros.

Empezaré hablando del primer nombre que se me vino a la cabeza cuando pensé en este artículo: Guy Ritchie. El director británico comenzó su carrera de manera realmente brillante. ‘Lock & Stock’ y ‘Snatch, cerdos y diamantes’ son dos películas con un estilo único e inconfundible. Películas con un guión, un ritmo y unos diálogos que le aseguraron a Ritchie el éxito más rotundo.

En 2008 Ritchie siguió con la temática que tan buenos resultados le había dado y sacó ‘RocknRolla’. Una película que sin ser tan sorprendente ni tan redonda como las otras dos, seguía teniendo un nivel realmente bueno. Además, el final de la película nos daba a entender que podríamos disfrutar de una secuela (el propio Ritchie afirmó que su intención era hacer una trilogía).

Pero en 2009 Ritchie comenzó a trabajar en las películas de ‘Sherlock Holmes’. Películas con las que ha estado ocupado hasta el día de hoy. Antes que nada quiero dejar claro que me gustan las dos películas de ‘Sherlock Holmes’. Son muy entretenidas, con una estética muy llamativa y con un Robert Downey Jr. soberbio. Aún así, sería de agradecer que en un futuro próximo Ritchie se decidiera a sacar una de esas comedias negras sobre criminales a las que tan bien les tiene cogido el punto. Continuar con la saga ‘RocknRolla’ no sería una mala idea.

Otro caso similar al de Ritchie es el de Michael Bay. Es cierto que no estamos hablando de un director que ofrezca películas de altísimo nivel, pero hay que reconocer que Bay sí que garantizaba un cine de acción trepidante y de calidad. Películas como ‘Dos policías rebeldes’ (I y II), ‘Armageddon’, ‘La isla’ y sobre todo ‘La Roca’ son películas que ofrecen el mejor de los entretenimientos para el espectador que busca un rato de distracción.

Sin embargo, Bay decidió dejar de lado ese cine tan agradecido por parte del público para enfrascarse en una interminable saga de ‘Transformers’. Una saga que, dicho sea de paso, considero muy pero que muy prescindible. Sí, son películas con muy buenos efectos especiales pero argumentalmente son un completo desastre. Menos mal que ahora con ‘Pain & Gain’ por lo menos vamos a ver algo diferente por parte de Bay.

También me parece adecuado hacer una breve mención en este artículo a James Cameron. El director de cintas como ‘Terminator’, ‘Aliens: el regreso’, ‘Terminator 2’ o ‘Mentiras arriesgadas’ y que en el nuevo milenio únicamente nos ha ofrecido ‘Avatar’. Aunque en este caso no es pedirle tanto que vuelva de vez en cuando a sus orígenes sino que no pase una cantidad tan exagerada de tiempo entre un proyecto suyo y el siguiente.

El último caso que voy a comentar es el menos preocupante de todos, ya que adoro las películas que este director ha hecho recientemente. Hablo de Christopher Nolan. Es todo un espectáculo para la vista ver el despliegue técnico que hace Nolan en películas como ‘Origen’ o la saga de ‘Batman’. Pero me es imposible no sentir una especie de nostalgia al recordar historias como la de ‘Memento’ o ‘El truco final’. En este caso me gustaría que por supuesto Nolan continuara haciendo esas superproducciones tan espectaculares, pero sería de agradecer que intercalara cada cierto tiempo algún proyecto más “sencillo” donde todo girara alrededor del guión.

En resumen, está claro que para un director es bueno reinventarse y aventurarse en nuevos géneros cinematográficos. Pero cuando en tus inicios has tenido un estilo muy marcado que te ha llevado a lo más alto es un detalle que de vez en cuando des a tu público una pequeña ración de aquello que les hizo interesarse por ti en un primer momento.

Hardy

Crítica de 'The Hunt (La caza)'

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Cuando uno empieza a ver ‘The Hunt’ sabe que va a encontrarse con un producto de calidad. Una película de Thomas Vinterberg, protagonizada por Mads Mikkelsen y premiada en diferentes certámenes (Cannes, Premios del Cine Europeo) es prácticamente sinónimo de éxito.

Otra de las cosas que podemos esperar al tratarse de un film de Vinterbeg es una historia dura e impactante, que toque algún tema delicado y no se corte a la hora de mostrar momentos incómodos para el espectador. Y así es, aunque en esta cinta Vinterberg no llega al nivel de crudeza mostrado por ejemplo en ‘Submarino’.

‘The Hunt’ es una película que ya desde los primeros minutos te hace sentir que algo realmente desagradable va a pasar, aunque no terminas de saber el qué. Vemos a un hombre que trabaja con niños, que juega y comparte tiempo con ellos. Desde ese momento podemos intuir que se avecina algo terrible. Sin embargo la trama avanza de un modo diferente al que podríamos esperar en un principio. No es el personaje de Mikkelsen el que desencadena el desastre, sino una niña que debido a su enfado con Lucas termina contando una mentira más grave de lo que su edad puede permitirle entender. Es a partir de este instante cuando empezaremos a notar la sensación más predominante de la película: la impotencia.

Uno de los motivos que nos hace sentir esa impotencia no es únicamente la injusta situación que Lucas se ve obligado a vivir, sino que en realidad no hay nadie a quien podamos culpar de ello. Por un lado tenemos a una niña que a pesar de actuar mal en un principio luego trata de arreglar la situación y contar la verdad, pero una vez sembrada la semilla de la duda resulta muy difícil hacer creer a su familia que todo había sido un invento. Y luego está la familia de Klara, la cual actúa como cualquier persona normal haría. Nosotros en nuestra condición de espectadores sabemos que Lucas es inocente pero desde el punto de vista de la familia es imposible llegar a saber la verdad sobre lo sucedido, por lo que la duda siempre quedará ahí.

A partir de ahí asistimos al paulatino rechazo que Lucas va experimentando por parte de todos sus allegados. Un proceso que, aunque es algo que hemos visto muchas veces, Vinterberg describe con ese realismo desgarrador que le caracteriza. En estos minutos donde vemos al mejor Mads Mikkelsen mostrando a un hombre cuya vida se va desmoronando poco a poco.

También habría que destacar el papel de Marcus, el hijo de Lucas. Un joven que a pesar de todo lo que se cuenta sigue creyendo en su padre y manteniéndose fiel a él. Su visita a la casa de la familia de Klara es sin ninguna duda su mejor momento interpretativamente hablando.

En la recta final asistimos a un salto temporal de un año, en el que todo ha vuelto a la normalidad y la inocencia de Lucas ha sido demostrada. Sin embargo vemos como las miradas furtivas de los asistentes a la celebración indican que eso no es del todo cierto. Lucas habrá podido demostrar su inocencia, pero para sus conocidos siempre quedará esa sombra de duda a su alrededor. Me parece una manera de cerrar la historia bastante correcta y sobre todo muy cercana a la realidad.

Por todo esto considero ‘The Hunt’ el mejor trabajo de Vinterberg desde ‘Celebración’. De hecho, personalmente ha sido la película del director danés que mejor sabor de boca me ha dejado. Esto no se debe únicamente a la fuerza que tiene la historia sino también a ese aspecto visual tan cuidado y al buen trabajo de fotografía. Una película que merece la pena ver sin duda alguna.

Lo mejor: La interpretación de Mads Mikkelsen.
Lo peor: Lo poco innovador del argumento.

Nota: 7,5/10

Hardy