Hablando de... James Cameron

El nombre de James Cameron siempre va irremediablemente asociado a espectaculares efectos especiales y películas realizadas por todo lo alto, sin escatimar en gastos. Es un director que cuida muchísimo el apartado técnico y que nos ha dejado algunas películas claves en la historia del séptimo arte.

Empecemos hablando de ‘Terminator’. Toda una revolución en el género de ciencia-ficción, con una historia sorprendente y original y con unos efectos especiales que (para tratarse de 1984) resultaron tan impresionantes como innovadores. Es cierto que el paso de los años no le hace ningún favor a los efectos especiales de ‘Terminator’, pero en su momento fueron algo excepcional.

Posteriormente Cameron se enfrentó una tarea nada sencilla: Llevar a cabo la secuela de la aclamadísima ‘Alien, el octavo pasajero’. Cameron decidió darle un estilo propio a la película, dejando un poco de lado esa atmósfera claustrofóbica de su predecesora y orientándola más hacia la acción, sin por ello perder la esencia de la saga. Un resultado más que notable para una película a la que le habían dejado el listón muy alto.

A continuación viene la que seguramente sea la película que más desapercibida pasa en la filmografía de James Cameron: ‘Abyss’. Y la verdad es que es una lástima ya que es una película de ciencia-ficción fascinante. A pesar de su larga duración logra mantener la intriga y el interés en todo momento. Además, que la historia transcurra en el fondo del mar hace que se cree una atmósfera que resulta tan asfixiante como atractiva. La única pega quizás sea esa moraleja final tan trillada y repetida en tantas películas.

Aunque muchas veces se dice que “segundas partes nunca fueron buenas”, Cameron tiró esta expresión por tierra con ‘Terminator 2: el juicio final’. Todo un referente del cine de ciencia-ficción y una película clave dentro de la historia del género. Con unos efectos especiales que volvieron a ser revolucionarios en su momento y que, a diferencia de lo que sucediera con su predecesora, no se han visto demasiado perjudicados por el paso del tiempo. Una película que terminó siendo superior en todas los aspectos a una primera parte realmente buena y que dejó una enorme cantidad de momentos míticos para el recuerdo.

‘Mentiras arriesgadas’ es sin lugar a dudas la película más divertida que James Cameron ha hecho hasta la fecha. Un film de acción disparatado y con un punto de humor que encaja a la perfección con la historia. Lo cierto es que es difícil encontrar un momento de esta película donde el espectador pueda llegar a aburrirse. Y como era de esperar cuenta con unos efectos especiales de bandera que nos brindan escenas tan memorables como la del Harrier volando por completo un puente con sus misiles.

Llegamos ahora a la película con la que James Cameron reventó los Óscar de 1998 llevándose 11 estatuillas: ‘Titanic’. Con un presupuesto estratosférico Cameron logró recrear a la perfección la dramática historia del transatlántico más grande jamás construído. Una vez más, los efectos especiales fueron el auténtico punto fuerte de la película. Tengo que decir que a pesar de lo impresionante del resultado obtenido, ‘Titanic’ nunca me ha parecido la mejor película de Cameron.

Y para terminar hablemos de la película de Cameron que más división de opiniones ha provocado: ‘Avatar’. Mientras que algunos ven en ella un remake moderno de ‘Pocahontas’, otros ven una película de ciencia-ficción trepidante y técnicamente perfecta. Si tuviera que escoger un grupo en el que incluirme seguramente sería el segundo. No voy a negar lo poco innovadora que es la historia de ‘Avatar’ y la cantidad de tópicos que tiene, pero creo que en su haber tiene muchas cosas buenas. Y es innegable que como espectáculo cinematográfico, ‘Avatar’ es una experiencia realmente gratificante.

James Cameron es un director que con cada una de sus películas siempre nos asegura entretenimiento y espectaculares efectos especiales. Es cierto que en algunas casos la historia que acompaña puede ser más acertada que en otros, pero en líneas generales sus películas siempre mantienen unos mínimos de calidad bastante altos. Y eso hoy en día no es nada fácil de conseguir.

Hardy

Crítica de 'Trance'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Llevaba mucho tiempo queriendo ver el último trabajo de Danny Boyle. La estética de la película y así como su reparto hacían presagiar que sería un título como mínimo de notable. Sin embargo tras haberla visto la sensación que queda en mi es de ligera decepción, similar a la que tuve tras terminar de ver ‘Sunshine’. Nuevamente estamos ante una gran cantidad de recursos que no terminan de brillar como debieran por culpa de una historia que no logra mantener el ritmo de una manera medianamente constante.

Los primeros compases de la película son frenéticos, con un ritmo altísimo. Ante nuestros ojos vemos cómo se suceden escenas dinámicas, frescas y con mucha energía, las cuales nos hacen pensar que nuestras expectativas iban a cumplirse sin problemas. Lamentablemente, tras este portentoso prólogo la historia pierde algo de fuelle.

Hay que decir que la estética de la película, su música, la originalidad de sus planos y la impresionante fotografía son una constante a lo largo de la cinta, y sin duda son su mejor activo. En todo momento la película mantiene un nivel extremadamente alto en el aspecto técnico. El problema es que el guión no logra mantiene esa misma regularidad y fiabilidad.

Notamos ese primer “frenazo” en el ritmo de la historia con la aparición de Elizabeth. Escenas un tanto forzadas en las que un grupo de criminales se prestan sin demasiado problemas a participar en todos los experimentos propuestos por la terapeuta (deben ser los criminales más abiertos de mente de toda la historia del cine). Algo que termina por resultar hasta cómico y muy alejado de la realidad.

La historia de amor entre Elizabeth y Franck no deja de ser curiosa también. Metida con calzador y muy poco coherente en su desarrollo. No hay que olvidar que hay un momento en el que Franck no tiene ningún problema en dejar a Elizabeth sola con el resto de su banda, sabiendo que acabará siendo violada casi con total seguridad (de hecho tiene que ser Simon quien entre a salvarla). Una manera un tanto extraña de mostrar afecto por parte de Franck.

Pero aparte de todo esto Danny Boyle vuelve a pecar del mismo defecto que en ‘Sunshine’ y termina estropeando la historia con un exceso de truculencia que no venía demasiado a cuento. Cabezas seccionadas que hablan o disparos a los genitales en primer plano son algunas de las lindezas con las que nos deleita el director británico.

Con el desenlace algunas cosas que hasta el momento nos parecían absurdas (como la facilidad con la que Elizabeth decide involucrarse con una banda de criminales) cobran sentido. Y lo cierto es que el desenlace no está nada mal y tiene además un grado de sorpresa considerable. Finalmente vemos como los diferentes elementos de la historia terminan cuadrando (de un modo un poco rebuscado, sí, pero al menos todo parece estar en su sitio). Sin embargo, cerrar correctamente la historia y encajar todas las piezas del puzzle no es suficiente como para olvidar los defectos comentados en los párrafos anteriores.

Un punto que me gustaría comentar para acabar es que si el espectador es una persona que no cree demasiado en temas de hipnosis, sugestión, etc. difícilmente va a tragar la historia de ‘Trance’ y es muy probable que toda la película en su conjunto le parezca completamente ridícula.

Lo mejor: Técnicamente es una película excelente.
Lo peor: Algunas partes del guión y el exceso de violencia.

Nota: 6/10

Hardy

Cinéfilos Viajeros: Dinamarca

Seguimos con ‘Cinéfilos Viajeros’ y en esta ocasión vamos a viajar hasta Dinamarca, un país repleto de descubrimientos cinematográficos y que cuenta con títulos de mucha calidad. Directores como Lars von Trier, Thomas Vinterberg o Susanne Bier y actores de la talla de Mads Mikkelsen son los principales referentes de un país que cada vez va ganando más relevancia en el mundo del cine. Tengo que decir que en esta ocasión la elección de las cinco películas no ha sido sencilla, ya que se han tenido que quedar fuera títulos como ‘Celebración’, ‘Dogville’, ‘Hermanos’, ‘Después de la boda’ o ‘Un asunto real’. Pero lamentablemente todos no caben.

1 - Bailar en la oscuridad

En primer lugar tenemos una de mis películas favoritas: ‘Bailar en la oscuridad’. Una película dirigida por Lars von Trier que cuenta el drama de Selma, una mujer que está perdiendo la vista y que lucha para que su hijo no tenga que pasar por lo mismo. Una historia dura y angustiosa que no deja a ningún espectador indiferente. Además, la mezcla de drama y musical que en un primer momento puede parecer algo extraña termina dando un resultado excelente.

2 - Melancolía

Lars von Trier ocupa también el segundo lugar gracias a ‘Melancolía’. Película sobresaliente en el apartado visual, con una fotografía impactante y cargada de muchísima belleza. Cuenta además con una historia en la que se hace una radiografía de la depresión muy detallada y minuciosa. Las interpretaciones de Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg son otro de los puntos fuertes de la película.

3 - En un mundo mejor

A continuación tenemos la cinta de Susanne Bier ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa en el año 2010. En esta película se nos cuenta la historia de Elías y Christian, dos jóvenes con conflictos familiares que afectan directamente a su manera de comportarse. El film tiene un nivel excelente en el apartado técnico, con una fotografía bastante cuidada y unos planos que hacen que el visionado de la película sea una experiencia realmente agradable.

4 - Rompiendo las olas

En el cuarto lugar nos encontramos nuevamente con una película de Lars von Trier: ‘Rompiendo las olas’. Película interpretada por una magnífica Emily Watson, la cual recibió una nominación al Óscar a mejor actriz por su espléndido trabajo. Su desgarradora interpretación dando vida a Bess, una mujer que vive en una comunidad extremadamente puritana, es de largo lo mejor de la película.

5 - La caza

Y para finalizar tenemos una película dirigida por Thomas Vinterberg y protagonizada por el que seguramente sea el mejor actor de Dinamarca: Mads Mikkelsen. ‘La caza’ nos cuenta la historia de Lucas, un hombre divorciado que es acusado de abusar de una menor en la guardería donde trabaja. Película muy intensa en la que Mikkelsen da un recital interpretativo fantástico.

Hardy

Crítica de 'Sin nombre'

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Siempre es de agradecer encontrarse con una película que desprenda autenticidad y realismo por los cuatro costados. ‘Sin Nombre’, el primer largometraje de Cary Joji Fukunaga, nos ofrece exactamente eso y en grandes cantidades. Un debut muy prometedor de Fukunaga, quien posteriormente confirmaría su buen hacer tras la cámara con el estreno de ‘Jane Eyre’.

Lo primero que llama la atención nada más empezar a ver la película es su excelente ambientación. La manera tan genuina con la que se nos muestra la vida en los barrios bajos de una localidad de México hace que por momentos casi pudiéramos pensar que estamos viendo un documental de investigación en lugar de una historia de ficción.
Personalmente me ha parecido fascinante el nivel de detalle con el que se muestran las costumbres y la cultura de los miembros de la Mara Salvatrucha. Su manera de hablar, sus gestos, sus rituales, sus creencias,... todo está plasmado con un cuidado realmente excepcional. Tengo que reconocer que me he quedado con ganas de descubrir más películas que toquen esta misma temática.

Pero la película no se centra únicamente en hablarnos de toda la violencia que se genera alrededor de la Mara Salvatrucha. Paralelamente a esta historia vemos también cómo se desarrolla otra trama en la que se nos muestra el drama de la inmigración y los sacrificios que tiene que realizar una familia que persigue su sueño de tener una vida mejor. Asistimos a este drama de una manera muy cercana, sin prisas, viendo con calma cada una de las etapas de su viaje.

A nivel argumental, el único “pero” que le pongo a la película es lo poco convincente que resulta la historia de amor entre los dos jóvenes. Un amor difícil de explicar que surge de una manera un tanto apresurada y forzada. Me resulta bastante complicado digerir que de buenas a primeras Sayra deje atrás a su familia para marcharse con un ex-miembro de la mara al que ha conocido hace un par de días. No estoy seguro de que el hecho de que Willy matara al hombre que intentaba violar a Sayra sea suficiente como para que la joven quede tan perdidamente enamorada de él.

En lo que al apartado técnico se refiere hay que hacer una especial mención a la fotografía de la película (la cual por cierto le valió un premio en el Festival de Sundance). Planos trabajados con mucho mimo y cargados de talento hacen que el visionado de la película sea una experiencia realmente agradable.

Para terminar sólo queda recomendar el visionado de ‘Sin Nombre’, una película que parece arrancada de la vida real y que sin duda merece la pena ver. Eso sí, para el espectador de España puede resultar algo difícil de entender debido a la manera de hablar y al vocabulario tan autóctono que se utiliza. En mi caso que la película tuviera subtítulos en inglés incrustados fue de bastante ayuda.

Lo mejor: La manera tan detallada de mostrar a la Mara Salvatrucha.
Lo peor: La poco convincente historia de amor.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Frankenweenie'

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‘Frankenweenie’ es un film de Tim Burton basado en el cortometraje del mismo nombre realizado por el propio Burton en 1984. La película nos cuenta la historia del experimento científico que lleva a cabo el joven Victor para hacer resucitar a su adorado perro Sparky. A diferencia de la película original, que era un proyecto live-action, Burton decidió utilizar para esta nueva versión animación stop motion.

El principal problema que le encuentro a este película es que tiene una historia que cuadraba perfecta en la duración del cortometraje. Sin embargo, a la hora de alargar su duración hasta las 90 minutos ha sido necesario incluir demasiado relleno en la historia. Relleno que por otra parte no me parece muy acertado todo sea dicho de paso.

Mientras que la historia original giraba únicamente en torno a Victor y su proceso para devolver la vida a Sparky, en este largometraje Burton decidió dar especial protagonismo a los compañeros de clase de Victor. Se dedican muchos minutos a la competición entre los alumnos por ganar el concurso de ciencias, y en mi opinión se desvirtúa un poco el espíritu de la película cuando todos los jóvenes comienzan a resucitar a sus respectivas mascotas.

Todo el fragmento de la película en el que las criaturas resucitadas atacan la feria me ha parecido innecesario. No creo que a una historia como la de ‘Frankenweenie’ le hiciera falta ese tipo de acción fantástica. Pero bueno, puedo entender que Burton considerara que la película debía un tener un trozo así para entretener a los más pequeños.

En lo que a la historia entre Victor y Sparky se refiere sigue resultando bastante emotiva, pero al estar más diluida entre tramas de poco interés pierde la fuerza que tenía en el corto, donde se encontraba todo mucho más concentrado.

Por su parte, la estética de la película sigue siendo excelente y es sin duda lo más interesante de la película. Tiene un look muy llamativo y cuidado, y cuenta con un diseño de personajes que lleva el sello de Tim Burton grabado en la frente.

En resumen, ‘Frankenweenie’ es una historia que en mi opinión encajaba perfectamente en la duración de un cortometraje y que al dar el salto al largometraje no ha sabido cómo rellenar esos minutos extras. Esto provoca que el resultado final no vaya más allá de una simple película de entretenimiento más.

Lo mejor: La estética de la película.
Lo peor: Los nuevos añadidos a la historia.

Nota: 6/10

Hardy

Canciones de película

Dado que he ido recopilando a lo largo de varios artículos diferentes bandas sonoras que han llamado mi atención, he considerado que no podía faltar además una recopilación de esas canciones emblemáticas que están en la memoria común de todos los aficionados al cine. En esta primera edición he escogido cinco canciones que seguro que todo el mundo ha escuchado alguna vez.

Righteous Brothers - “Unchained Melody” (Ghost)


B.J. Thomas - “Raindrops keep fallin’ on my head” (Dos hombres y un destino)


Bill Medley & Jennifer Warnes - “Time of my life” (Dirty Dancing)


Limahl - “The NeverEnding Story” (La historia interminable)


Whitney Houston - “I will always love you” (El guardaespaldas)


Hardy

Oh no..., ¿por qué tenías que aparecer en esta película?

Hoy me apetecía comentar algo diferente, y me he decidido por hacer una pequeña selección de algunos de esos actores y actrices que nada más verlos en un reparto me hacen pensar “puff, ¿no podían haber escogido a otro?”. Actores y actrices que hacen que una pereza incontrolable me invada a la hora de ver sus películas, haciendo que las retrase todo lo posible hasta que no tengo nada más para ver. No esperéis ver ningún tipo de razonamiento lógico en este artículo, ni ninguna explicación medianamente argumentada. Es una recopilación de algunas de mis fobias cinematográficas, ni más ni menos. Es probable que me haya algunos actores en el tintero, pero de ser así ya aparecerán en futuras ediciones. Sin más dilación pasemos a hablar de los “afortunados” miembros de esta lista.

Eddie Murphy

El hombre que protagonizara películas como la trilogía de ‘Superdetective en Hollywood’, ‘Límite: 48 horas’, ‘El negociador’, etc. parece que se propuso como reto lanzarse de cabeza a todos los bodrios que le pusieran por delante. Y la verdad es que lo llevó al pie de la letra, porque su determinación le ha llevado a tener una filmografía repleta de lamentables películas “infantiles” (aunque dudo que ni los niños se las traguen) de la talla de: ‘Pluto Nash’, ‘Papá canguro’, ‘La mansión encantada’, ‘Norbit’, ‘Atrapado en un pirado’,... y la lista sigue y sigue. Un cómico completamente desfasado que no ha sabido aceptar que su tiempo de éxito hace mucho que se acabó.

Adam Sandler

Adam Sandler es sin duda un digno rival para Eddie Murphy en la lucha por el primer puesto de esta infame lista. Sólo han habido dos películas de Adam Sandler que considero aceptables: ‘Click’ y ‘Little Nicky’. Pero aún incluso en esas dos películas me sorprende bastante que un actor tan limitado y mediocre haya cosechado tanto éxito. Un actor “cómico” cuyo humor se reduce a ese “caca, culo, pis” que tanto furor causa en un sector del público norteamericano. Si por mi fuera Adam Sandler recibiría un Razzie honorífico cada año.

Will Ferrell

No lo soporto. No me hace la más mínima gracia y encima en Estados Unidos se le tiene como un cómico de un grandísimo talento. Un actor permanentemente abonado a la sobreactuación y uno de los mejores ejemplos de ese cine tonto y absurdo que tanto furor causa entre los norteamericanos. Normalmente, cada vez que veo a Will Ferrell en el reparto de una película huyo de ella como el fuego.

Jesse Eisenberg

No sé si fue por lo repelente que me pareció su personaje en ‘La red social’, pero lo cierto es que desde entonces he desarrollado un rechazo bastante grande hacia este actor. Es ver ese rostro soso e inexpresivo en el cartel de una película e inmediatamente pensar “vale, ¿qué otras cosas tengo para ver?”. ‘Bienvenidos a Zombieland’ ha sido la única película donde no me ha chirriado y he podido tolerarlo. Pero bueno, es joven y tiene tiempo para hacerme cambiar de opinión.

Antonio Banderas

Creo que la única película en la que he logrado creerme a Antonio Banderas fue ‘Desperado’ (y quizás ‘La piel que habito’). De resto en la gran mayoría de películas que le he visto siempre me ha parecido que está fuera de lugar, que no termina de encajar con el resto de elementos de la película. No es que me parezca mal actor, pero tiene la mala costumbre de sacarme de la película.

Brendan Fraser

A pesar de participar en la que es una de mis películas favoritas (Crash), la presencia de Brendan Fraser en un reparto siempre me echa para atrás. Sus papeles simplones en películas como ‘George de la jungla’, ‘Dudley de la montaña’, ‘Al diablo con el diablo’ o incluso la trilogía de ‘La momia’ son una losa demasiado pesada que dudo que este actor logre quitarse de encima.

John Cusack

Este sea quizás el caso más extraño de toda la lista, y cuya fobia me resulta más complicada de explicar. John Cusack ha participado en películas bastante interesantes como ‘Identidad’, ‘La delgada línea roja’, ‘El jurado’, ‘Balas sobre Broadway’. Pero sin embargo él como actor nunca ha logrado transmitirme nada, y por ello sus películas nunca me atraen de manera especial para ponerme a verlas.

Penelope Cruz

El “honor” de ser la primera actriz de la lista va para Penelope Cruz. De verdad que me sorprende la buena consideración que tiene esta mujer en Estados Unidos, cuando cada vez que la veo en una película lo primero que pienso es “ostras, pero que mala es actuando”. De hecho creo que su trabajo únicamente me ha parecido aceptable en las películas que he visto de Almodóvar donde sale ella.

Jennifer López

Con Jennifer López me pasa algo muy similar a lo que me pasa con Antonio Banderas. Me es muy difícil creérmela en cualquier papel que haga y eso a la larga termina siendo una carga muy pesada para la película. El ejemplo más reciente fue ‘Parker’, donde no dejaba de verla fuera de lugar en todo momento. Creo que le irá mucho mejor si se dedica de manera exclusiva al mundo de la canción.

Hardy

Hablando de... Brad Pitt

Desde el artículo de Jessica Chastain no había vuelto a dedicar esta sección a un actor, así que hoy vamos a hablar de uno de los pesos pesados de Hollywood: Brad Pitt. Uno de los mejores ejemplos de cómo se debe llevar una carrera para no quedarte con la etiqueta de “guaperas” que tanto daño puede hacer a un actor una vez que alcanza su madurez.

Brad Pitt se fue dando a conocer en Hollywood con proyectos realmente interesantes. No hablo de películas simplemente populares, sino de películas que además tenían una calidad más que notable. Películas tan emblemáticas como ‘Leyendas de pasión’, ‘Entrevista con el vampiro’ o ‘12 monos’ le situaron de inmediato en el panorama cinematográfico. Películas en las que a pesar de su juventud ya encarnaba a personajes realmente interesantes.

Esta etapa de su carrera culminaría participando en una película de culto como ‘Seven’. A las órdenes de David Fincher encarnó a un detective encargado de investigar una serie de grotescos asesinatos. Pitt no había mostrado aún su potencial como actor, pero dejaba claro que era un actor al que había que tener muy en cuenta.

En los años siguientes asistiríamos a la etapa en la que quizás se explotó más la faceta de “niño bonito” de Brad Pitt. Películas como ‘La sombra del diablo’, ‘Siete años en el Tibet’ y o ‘¿Conoces a Joe Black?’ mostraban al Pitt de aspecto más angelical. Un camino peligroso para cualquier actor el encasillarse en este tipo de papeles.

Pero de nuevo David Fincher apareció en el camino del actor y cambió radicalmente la imagen que se tenía de él en los últimos años. Con un look completamente opuesto al de películas anteriores y con un personaje extravagante y atrevido con el que por fin podía lucirse, Pitt dio en ‘El club de la lucha’ una de las mejores interpretaciones de su carrera. El personaje de Tyler Durden terminó por convertirse en todo un icono cinematográfico gracias a su personalidad, su magnetismo y a la tremenda fuerza que transmitía cada vez que aparecía en pantalla.

Tampoco hay que olvidar en estos años su excepcional papel secundario en la película ‘Snatch, cerdos y diamantes’. Un personaje un tanto excéntrico que es sin duda uno de los mayores atractivos de la película, mostrando además el buen hacer de Pitt en un registro más cómico.

Tras ‘El club de la lucha’ llegaron sus años más comerciales. Brad Pitt era ya toda una estrella en Hollywood y protagonizaba algunas de las películas más taquilleras de la cartelera. ‘Troya’, ‘Sr. y Sra. Smith’ y la trilogía formada por ‘Ocean’s Eleven’, ‘Ocean’s Twelve’ y ‘Ocean’s Thirteen’ son las películas más significativas de este tramo de su carrera. Películas donde destacaba más por su carisma que por la propia interpretación en sí.

Llegamos ahora a la etapa más madura de Brad Pitt, en la que nos encontramos películas como ‘Babel’, ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’, ‘El curioso caso de Benjamin Button’, ‘El árbol de la vida’, ‘Moneyball’ o ‘Mátalos suavemente’. Películas menos comerciales pero mucho más serias y en las que unos personajes más profundos y con mucho más contenido permitieron a Brad Pitt consagrarse como uno de los principales referentes interpretativos de la actualidad.

Y por último no quiero terminar el artículo sin nombrar dos interpretaciones bastante peculiares: ‘Quemar después de leer’ y ‘Malditos bastardos’. Dos personajes únicos, diferentes y divertidos que son el mejor ejemplo de la variedad de registros que posee este actor.

En resumen, considero a Brad Pitt un actor de un talento innegable, tremendamente polifacético y que en líneas generales ha tenido bastante buen ojo a la hora de escoger los personajes que deseaba interpretar. Me pregunto si el Óscar a mejor actor se le seguirá resistiendo durante mucho más tiempo.

Hardy

Crítica de 'Golpe de efecto'

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El pensamiento con el que uno se queda tras terminar de ver ‘Golpe de efecto’ es que resulta extraño encontrarse una historia tan del montón en una película protagonizada por Clint Eastwood. Pero esto tiene una explicación bastante sencilla y es que, a diferencia de las últimas películas protagonizadas por Eastwood, ‘Golpe de efecto’ no está dirigida por él. No quiere decir que el director haga un mal trabajo, pero el resultado obtenido es muchísimo más convencional que el que habríamos visto si el propio Eastwood se hubiera puesto tras la cámara.

Lo primero que me ha llamado poderosamente la atención en esta película es lo terriblemente evidentes que resultan determinados personajes. Esto provoca que la historia sea excesivamente previsible y resulte demasiado fácil ir telegrafiando todo lo que va a ir sucediendo.

Por un lado tenemos a Phillip, el desalmado empleado que desprecia y ridiculiza la manera tradicional de ojear jugadores y que desea automatizar todo el proceso. Un personaje sin escrúpulos que recuerda en todo momento que no tiene ningún problema en pisar a quien haga falta para llegar a donde quiere. No es muy difícil imaginar que el personaje de Phillip no va a terminar bien esta historia.

Aún más evidente es el caso de Bo Gendry. La futura estrella que todos los equipos están siguiendo y que ya en la primera escena demuestra, del modo más obvio posible, que es un arrogante y un cretino. Lo primero que escuchamos de este chico es una conversación hablando de cuánto dinero va a ganar y con cuántas señoritas se va a acostar, para luego pedir una bolsa al chico de los cacahuetes y dejársela sin pagar (por si no había quedado claro que era el “malo”). Uno de los mejores ejemplos de que el trabajo que han hecho en esta película a la hora de construir algunos secundarios es realmente mediocre.

Y por supuesto está Rigo, el chico de los cacahuetes. Un chaval de familia humilde, educado, que usa frases tan encantadoras como “solo es un juego” y que resulta ser un lanzador excelente. Evidentemente podemos ver a un kilómetro de distancia que este chico es quien va a llevarse el contrato millonario (humillando de paso a Gendry ante la prensa).

Hasta con un personaje como el de Amy Adams (la cual en mi opinión es de lo mejor que tiene la película todo sea dicho de paso) podemos más o menos intuir cómo va a acabar. Una abogada que apenas tiene tiempo para vivir, con un trabajo muy poco agradecido y que en todo momento deja ver que su auténtica pasión es el baseball. Pues como era de esperar renuncia a su puesto en el buffet de abogados y se deja entrever que va a tener un trabajo ligado al baseball.

Podría seguir hablando de los defectos de los personajes secundarios, pero creo que con esta muestra es más que suficiente. Dejando esto a un lado tampoco hay mucho más que decir de la película. Una historia que gira en torno a la vejez de Gus y su lucha por demostrar que su experiencia y su sabiduría aún pueden ser de mucha utilidad. Tiene uno de esos finales tan propios de las comedias, donde en un par de escenas los “malos” reciben su merecido mientras que para los protagonistas todo termina saliendo a pedir de boca. Es una película que resulta agradable de ver, sí, pero que está plagada de demasiados tópicos cinematográficos.

Lo mejor: El trabajo de Amy Adams.
Lo peor: Lo obvios que son algunos personajes secundarios.

Nota: 6/10

Hardy

Cinéfilos Viajeros: Alemania

Arranca una nueva serie de artículos, y en esta ocasión nos vamos a ir de viaje por el mundo. Y es que la finalidad de estos artículos será abrir una pequeña ventana al cine de una gran variedad de países. Para ello se escogerán cinco películas que personalmente considere destacadas y recomendables de cada una de esos países. Y para este primer artículo he decidido comenzar por Alemania. ¿Por qué Alemania?, bueno, ¿y por qué no?.

1 - Good bye, Lenin!

En el primer lugar de la lista nos encontramos con ‘Good bye, Lenin!’. Película que nos cuenta la la inspiradora historia de Alex, un joven que hará todo lo posible para que su madre (una mujer de profundas convicciones comunistas que acaba de despertar de un coma) no se entere de que el Muro de Berlín y la Alemania que conocía han desaparecido mientras estaba dormida. Entre los principales atractivos de esta película podemos destacar las interpretaciones de Daniel Brühl y Katrin Saß, así como la sublime banda sonora de Yann Tiersen.

2 - La ola

En ‘La ola’ presenciamos un fascinante experimento sociológico basado en hechos reales. El profesor de instituto Rainer Wenger trata de demostrar a sus alumnos que sería posible repetir errores del pasado y volver a implantar un régimen totalitario en la sociedad actual. Sin duda lo más interesante de esta película es ver cómo se van desarrollando los hechos y cómo van alcanzando cada vez mayor magnitud.

3 - El experimento

En el tercer lugar tenemos otro experimento sociológico que al igual que ‘La ola’ también está basado en hechos reales. Se trata de un proyecto en el que durante dos semanas se busca estudiar el comportamiento agresivo en un ambiente carcelario simulado. A los veinte participantes se les asigna el papel de guardianes (ocho) o prisioneros (doce). Como pasara en ‘La ola’, el punto fuerte de esta película está en el desarrollo de los hechos. Toda una reflexión sobre la naturaleza humana y sobre lo peligroso que puede ser el hombre cuando dispone de poder.

4 - La vida de los otros

No podía faltar en esta lista la ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa en el año 2006. ‘La vida de los otros’ nos cuenta la historia de Gerd Wiesler, un oficial del servicio de inteligencia y espionaje de la Stasi al cual le encomiendan espiar a la pareja formada por el prestigioso escritor Georg Dreyman y la popular actriz Christa-Maria Sieland. Una película visualmente elegante, que cuenta con un guión sólido y muy bien construido.

5 - El hundimiento

Y para cerrar la lista tenemos ‘El hundimiento’, donde se nos narran los últimos días en la vida de Adolf Hitler. Una película que se centra fundamentalmente en el personaje y deja en un segundo plano el tema bélico. Un retrato bastante cercano, riguroso y detallado de la figura del dictador y de sus más allegados. Si hay algo que destaca en esta película de manera especial es la excepcional interpretación de Bruno Ganz. Simplemente colosal.

Hardy

Crítica de 'Spring Breakers'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Como nueve de cada diez médicos recomiendan cada cierto tiempo despellejar una película en un artículo para descargar tensiones, voy a aprovechar lo fácil que me lo ha puesto ‘Spring Breakers’ y no voy a dejar pasar esta oportunidad. Si eres una persona a la que esta película le agradó lo más mínimo te recomiendo encarecidamente dejar de leer a partir de aquí, porque tengo la sensación de que no te va a gustar demasiado lo que viene a continuación.

Pero antes de empezar a “triturar” la película hablemos de lo bueno que tiene (que no es mucho, pero siempre hay algo).

En lo que al apartado técnico se refiere la película está bastante bien trabajada. Tiene una fotografía bastante personal y llamativa que le da una estética muy interesante al film. La banda sonora también está bien escogida y transmite mucha fuerza y mucho ritmo (es una pena que esté malgastada en escenas tan poco acertadas). Y por qué no decirlo, James Franco está a un nivel muy bueno en su papel. Da vida a un personaje que rebosa personalidad y carisma, dando un toque de color que es muy de agradecer entre tanto personaje mediocre.

Y dicho esto, ahora sí podemos pasar a comentar todo lo que no me ha gustado de ‘Spring Breakers’.

Empecemos por las protagonistas: cuatro petardas a cada cual más detestable. Personajes simples y vacíos que por mucha reflexión filosófica que les hagan recitar no llegan a resultar ni remotamente creíbles. Hay que reconocerle cierto mérito a esta película, porque no es fácil que el espectador acabe deseando de una manera tan ferviente un final lo más desagradable posible para sus protagonistas.

Nos encontramos con un grupo de crías consentidas, cuya mayor preocupación es conseguir dinero para poder ir a las vacaciones de primavera. Podría parecer algo tremendamente banal, pero para ellas por lo visto no lo es. De hecho para ponerle remedio deciden robar una cafetería. Si, se ve que al director le parece algo normal que tres universitarias decidan de buenas a primeras cometer un delito para poder irse de vacaciones.

Una vez llegan a Florida asistimos a una sucesión de interminables escenas de música, sexo, drogas, alcohol y desfase. Un cóctel bastante cutre que se nos intenta vender como algo con un cierto significado trascendental en la vida de las jóvenes. En especial el personaje interpretado por Selena Gómez resulta muy muy gracioso. Cada dos por tres con sus reflexiones baratas, como si lo que estuviera viviendo fuera una experiencia trascendental y no una fiesta plagada de gente con más hormonas que sentido común. También es gracioso que intenten pintarla como una joven cándida e inocente cuando en la mayoría de escenas no demuestra ser muy diferente de las otras tres insensatas que la acompañan.

Luego aparece James Franco, quien hace más llevadero el visionado de la película ya que así el peso de la trama no recae exclusivamente en las cuatro jóvenes. Sin embargo, en esta fase vemos otra vuelta de tuerca que el director ve como normal. Tres de las cuatro universitarias se ven instantáneamente atraídas por un delincuente y por todo el mundillo que le rodea, y no dudan un instante en dejar atrás sus vidas para ser las “compinches” de este macarra interpretado por James Franco. Pero bueno, a estas alturas de película ya habremos llegado a un punto en el que nos esperamos cualquier cosa.

Pero aún quedaba el cierre a tan desafortunado ejercicio cinematográfico. Franco y las dos chicas que quedaban aún con él deciden ir a la mansión de Archie para acabar con él. En esta escena me parece acertado el final para el personaje interpretado por Franco. Rápido, inesperado y que no parece muy alejado de lo que podría suceder en la realidad. Sin embargo, las dos universitarias de repente se convierten en Butch Cassidy y Sundance Kid y empiezan a eliminar a todos los que hay en la mansión con una puntería y una precisión digna del mejor asesino profesional. Completamente ridículo y un broche digno de este despropósito llamado “Spring Breakers”.

Podría entrar mucho más detalle sobre los defectos de esta película, pero me quedaría un artículo excesivamente largo y tampoco es cuestión. Por ello, voy a terminarlo recomendado simplemente no ver este película a no ser que no tengamos absolutamente nada mejor que hacer con nuestro tiempo. Porque una cosa es querer hacer una crítica sobre la juventud actual y su falta de valores, y otra muy diferente montar este exagerado festival bizarro que no tiene ni pies ni cabeza.

Lo mejor: La fotografía.
Lo peor: Las protagonistas y el guión.

Nota: 3/10

Hardy

Hablando de... Christopher Nolan

Es difícil pensar en la actualidad en un director cuyos proyectos despierten más expectación que los de Christopher Nolan. Su trabajo tanto en la nueva trilogía de ‘Batman’ como en ‘Origen’ ha hecho que su nombre se asocie inmediatamente con auténticos bombazos en la taquilla. A pesar de tener una filmografía relativamente corta, cuenta con algunos trabajos que son considerados auténticas películas de culto.

Tengo pendiente ver ‘Following’, así que comenzaré por la película con la que Nolan llamó y con mucha fuerza a la puerta de Hollywood. Por supuesto hablo de ‘Memento’. Una película única e irrepetible, con una estructura innovadora como no se ha visto en mucho tiempo (no quiero entrar más en detalle para no chafar la sorpresa a futuros espectadores). Además cuenta con un guión excelente en el que se nos cuenta la historia de Leonard, un hombre que padece un extraño tipo de amnesia la cual le impide crear nuevos recuerdos. A pesar de tener otras películas que me han encantado tengo que reconocer que no hay ningún film de Nolan que me haya fascinado tanto como ‘Memento’.

Siguiendo su filmografía nos encontramos con ‘Insomnio’. Un thriller más que correcto con dos interpretaciones de nivel como son las de Al Pacino y Robin Williams. A pesar de que todo lo que rodea al insomnio del detective Dormer es bastante interesante desde un punto de vista psicológico, como thriller la película no termina de destacarse de otras del género tanto como cabría esperar. Por ello, ‘Insomnio’ es la película más discreta de toda la carrera de Nolan.

A continuación Nolan se hizo cargo del reboot de la saga de ‘Batman’. Una trilogía que terminaría por ponerle en lo más alto de Hollywood. Comenzó con ‘Batman Begins’, una película realmente innovadora en lo que a la manera de concebir una película de superhéroes se refiere. Buscando enfocarla del modo más realista y adulto posible, Nolan puso la semilla para la que sería una de las franquicias más exitosas de la historia. Un reparto formidable y una trama absorbente fueron los puntos fuertes de esta primera parte de la saga.

La siguiente película en su lista de ‘El truco final’. Esta película siempre he considerado que es, junto con ‘Memento’ y ‘Origen’, uno de los films de Nolan con un guión más elaborado y sorprendente. Un reparto comandado por Christian Bale y Hugh Jackman nos cuenta la historia de dos magos del siglo XIX que mantienen una feroz competición por alcanzar la fama. Lo mejor de esta película es sin duda su final, sorprendente como pocos que recuerde.

A partir de este punto Nolan comenzó a reventar las salas de cine con cada uno de sus trabajos. Superproducciones con un presupuesto estratosférico y unos efectos especiales que dejaban con la boca abierta a todos los espectadores. Empezó con ‘El caballero Oscuro’, la tan esperada secuela de ‘Batman Begins’. Una película con un ritmo frenético, cargada de acción y con algunas secuencias realmente impresionantes. Además contaba con un reparto aún más impresionante que el de ‘Batman Begins’, el cual estaba comandado por un Heath Ledger soberbio en el papel del Joker. Hay que reconocer que Nolan ha estado especialmente inspirado a la hora de dar forma a los villanos de esta saga. Tanto con Ra's Al Ghul en ‘Batman Begins’, el Joker en ‘El caballero oscuro’ y Bane en ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’ ha logrado crear personajes que simplemente se comen la pantalla en cada escena.

‘Origen’ fue la siguiente superproducción con la que Nolan decidió asombrar al gran público. Además en esta ocasión la película venía acompañada de un guión que rivalizaba en complejidad con el de ‘Memento’. ‘Origen’ nos cuenta la historia de un grupo de personas expertas en el arte de entrar en el sueño de otros y apropiarse de sus secretos. Espectaculares efectos especiales y secuencias increíbles fueron otras de las virtudes de esta película la cual, como viene siendo habitual en los recientes trabajos de Nolan, contaba con un reparto formidable.

Y finalmente llegó el cierre a la trilogía de ‘Batman’ con ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’. Una película tremendamente entretenida y visualmente magnífica, con escenas tan espectaculares como la de la explosión en el estadio. Sin embargo, en esta ocasión el guión de la película estaba sorprendentemente lleno de agujeros y muy lejos del nivel que Nolan suele ofrecer. Pero bueno, también hay que tener en cuenta que el listón había quedado demasiado alto con ‘El caballero oscuro’.

Para terminar sólo añadir que, aunque disfruto enormemente con las superproducciones de Nolan, echo de menos que de vez en cuando no nos ofrezca algún trabajo como fueron ‘Memento’ o el ‘El truco final’. Películas con menos presupuesto, menos efectos especiales y centradas completamente en la complejidad de sus historias. De momento ya tenemos en el horizonte el que será su próximo trabajo: ‘Interstellar’.

Hardy

Hablando de... Quentin Tarantino

Es probable que con este artículo pueda herir algunas sensibilidades, ya que soy consciente de que Tarantino es uno de los directores mejor considerados por el público. Pero lo cierto es que en mi caso, mis opiniones sobre sus películas han sido bastante irregulares. Han habido películas que me han encantado, pero luego hay otras que me han parecido simplemente “entretenidas”.

Pero bueno, empecemos a repasar sus trabajos desde el principio.

Comencemos con ‘Reservoir Dogs’. El primer largometraje de Tarantino que ha terminado por convertirse en una película de culto, recordada en gran parte por la célebre escena de Michael Madsen. Con unos diálogos excelentes, en los que se empieza a ver un estilo muy marcado. Una historia con un reparto realmente llamativo y una concepción bastante original. Sin embargo al querer rodar toda la película prácticamente en un único escenario provoca que haya cosas que no queden todo lo claras que deberían, ya que hubieran quedado mucho mejor explicadas con una escena que mostrara lo sucedido durante el atraco. Aún así, ‘Reservoir Dogs’ es una gran película de visionado casi obligatorio.

Llegamos ahora al que para mí es sin ninguna duda el punto álgido en la carrera de Tarantino: ‘Pulp Fiction’. Una película redonda de principio a fin, con una inmensa cantidad de escenas memorables que han terminado por convertirse en historia del cine (Jules recitando ese famoso fragmento ficticio de la biblia, el baile entre Vincent y Mia, la escena de Marsellus Wallace y Butch en la tienda de antigüedades, la aparición del Señor Lobo,...). Una película en la que Tarantino termina de pulir su “sello” en lo que a diálogos se refiere y en la que nos ofrece un guión fascinante que brilla en parte gracias al trabajo de un reparto estelar.

Tras ‘Pulp Fiction’ nos encontramos en su filmografía con ‘Jackie Brown’. Una película que siempre ha pasado relativamente desapercibida en la carrera de Tarantino. Una película que no impresiona tanto como ‘Reservoir Dogs’ o ‘Pulp Fiction’ ni tiene tanta trascendencia, pero que aún así tiene un reparto bastante notable y una historia interesante y más que correcta.

El siguiente seguramente sea el primer punto discordante con la opinión general respecto a Tarantino. Hablo de ‘Kill Bill Vol.1’ y ‘Kill Bill Vol.2’. Dos películas consideradas de culto para muchísima gente y que a mí, aunque resulte extraño, simplemente me parecieron vistosas y entretenidas. Es cierto que son películas diferentes y que tienen unos personajes muy llamativos y con muchísima personalidad, pero a mí me parecieron en cierto modo las películas más bizarras de Tarantino. Dos películas en las que se deja llevar por un frenesí sangriento que a mí personalmente nunca me ha agradado ver en el cine.

De ‘Death Proof’ no hay mucho que decir. Una película sencillita para pasar un rato de entretenimiento y poca cosa más. Un trabajo que da la sensación que Tarantino hizo para disfrutar más que para otra cosa.

La siguiente en la lista es ‘Malditos Bastardos’. En este caso Tarantino sí que me dejó satisfecho. Un gran reparto y personajes emblemáticos son las principales bazas de esta película. Con un Brad Pitt comandando un reparto formado por nombres tan notables como Christoph Waltz, Diane Kruger, Michael Fassbender o Daniel Brühl. Es cierto que tiene puntos un tanto extravagantes e incluso cómicos, pero no desentonan demasiado con el tono general de la película.

Y para terminar vamos con el segundo punto discordante en la filmografía de Tarantino: ‘Django desencadenado’. Con esta película he tenido la sensación demasiado a menudo de que Tarantino no se estaba tomando demasiado en serio la historia. Tiene un toque cómico que, a diferencia de lo que pasaba en ‘Malditos Bastardos’, no ha terminado de encajarme en esta película (lo siento, la escena de las capuchas no me hizo gracia. De hecho me pareció innecesariamente larga). Es cierto que tiene interpretaciones muy potentes como la de Leonardo DiCaprio, la de Christoph Waltz o la de Samuel L. Jackson, pero en mi opinión la historia no acompaña como debería.

No hay duda de que todo cinéfilo que se precie debe haber visto todas y cada una de las películas de Tarantino, pero personalmente creo que ya hemos visto lo mejor de Tarantino y me sorprendería volver a ver algo al nivel de ‘Pulp Fiction’. Aún así espero que el tiempo me quite la razón en este aspecto.

Hardy

Crítica de 'Buscando un amigo para el fin del mundo'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Tengo que reconocer que en un primer momento la fórmula de ‘Buscando un amigo para el fin del mundo’ no me convencía demasiado. Ambientar una comedia romántica en una historia sobre el fin del mundo me parecía una mezcla de géneros no muy acertada. Por suerte, el paso de los minutos terminó por demostrarme que estaba equivocado.

Los primeros minutos de la película sin embargo no hicieron más que incrementar mis sospechas de que me encontraba ante un posible experimento fallido. No dejaba de ver escenas cómicas que no terminaban de cuajar, como si se encontraran fuera de lugar. No es un género sencillo el de la comedia dramática y más aún con el trasfondo tan extremo en el que se desenvuelve la historia.

Durante esos minutos había una idea que se repetía constantemente en mi cabeza: “Es una pena que no hayan decidido hacer un drama con esta temática”. Y eso es algo que mantengo aún habiéndome quedado bastante satisfecho con el resultado final de esta película. Hay bastantes aspectos de esta historia que serían muy interesantes de desarrollar en profundidad en un drama donde se pueda mostrar toda la angustia desde un punto de vista más global. Explorando con más detalle esos últimos días en los que no existen barreras morales, en los que muchas personas deciden hacer cosas que nunca se habían atrevido a hacer por miedo a las consecuencias que les pudieran acarrear en un futuro que ahora es inexistente.

Volviendo a la película en sí, tengo que decir que tras esos minutos iniciales de duda por mi parte apareció en pantalla el factor que iba a demostrarme lo equivocado que estaba: Keira Knightley. No sé si es que siento especial debilidad por ella, pero siempre la he considerado una actriz como la copa de un pino. Siempre encuentra la manera de destacar por encima del conjunto sin importar cuál sea la temática, y por supuesto esta película no iba a ser una excepción. Keira encarna a un personaje tierno, vulnerable y al que resulta muy difícil no terminar adorando. Un personaje que va mejorando según avanza la historia de amor entre Penny y Dodge.

La trama va ganando en seriedad y emotividad conforme va pasando el tiempo, algo que es muy de agradecer. Momentos de comedia no muy afortunados como la parada en “Friendly’s” van dejando lugar a escenas más intensas, que es lo que en realidad esperamos dada la magnitud del desastre que se avecina. Es en esos momentos en los que podemos disfrutar de la mejor Keira Knightley.

Y para terminar voy a hablar del que es en mi opinión el tema más delicado de la película: el final. Es cierto que es un final que deja muy desinflado al espectador, pero no se puede decir que la directora haya hecho trampas en ese aspecto. Durante toda la película se nos va dejando claro que el meteorito va a impactar contra la Tierra y que la última esperanza de salvación ha fracasado. En todo momento somos conscientes de que la forma en la que acaba la película es la más probable de todas, pero aún así seguimos manteniendo la esperanza de que pase algo que permita a los dos protagonistas prolongar su historia de amor. Ese es el motivo por el que el desenlace termina golpeando tan duramente, porque nos resistimos a creer que no vaya a haber un final feliz. Pero bueno, la triste realidad es que no siempre va a estar el Bruce Willis de turno para salvar la situación en el último momento.

Lo mejor: El trabajo de Keira Knightley.
Lo peor: Los toques de comedia en la historia.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'Lars y una chica de verdad'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Cuando uno lee la sinopsis de ‘Lars y una chica de verdad’ lo primero que se le viene a la cabeza es que se encuentra ante una comedia con un punto de partida algo cuestionable. ¿Un chico que comienza una relación con una muñeca de plástico mientras todo el mundo le sigue la corriente?. Parece a priori una idea un tanto extravagante. Pero en esta ocasión, y como suele pasar muchas otras veces, las apariencias engañan.

Tras su fachada de comedia con un personaje tan “peculiar” como el de Lars, se esconde un drama muy bien trabajado. En un primer momento pensamos que Lars es simplemente un hombre algo antisocial y extremadamente tímido, pero nada más lejos de la realidad. Poco a poco vamos descubriendo como en realidad es un hombre que ha tenido una infancia realmente complicada. Su madre murió al darle a la luz y él se quedó a vivir con su padre, el cual estaba sumido en una profunda tristeza (y tampoco sería de extrañar que el padre en cierto modo culpara al hijo de lo sucedido, como pasa por ejemplo con Tywin y Tyrion en ‘Game of Thrones’). Vemos pues que el camino que ha llevado a Lars a ser como es no ha sido precisamente agradable.

Las escenas más interesantes de la película en mi opinión son sin duda las que comparten Lars y la doctora Dagmar. Es en estas escenas donde descubrimos cosas importantísimas sobre Lars. Vemos como en su interior esconde un miedo atroz ante el embarazo de Karin, el cual le recuerda cómo perdió a su madre. A Lars le resulta imposible no pensar en que quizás el desenlace podría ser el mismo, y eso le aterra. También vemos como tiene una especie de temor al contacto físico, el cual llega a causarle dolor (en realidad el motivo de este trastorno nunca queda demasiado claro). Cuando llegamos a este punto de la película nos queda bastante claro que lo que estamos viendo no tiene mucho de comedia.

Me gustaría destacar el que considero el punto fuerte de esta película: la interpretación llevada a cabo por Ryan Gosling. Sus gestos, sus movimientos, sus tics... absolutamente todo encaja a la perfección con lo que se busca transmitir con el personaje de Lars. Empieza a ser algo bastante común el ver a Gosling luciendo de manera especial en una película.

Por ponerle algún “pero” a la película podemos hablar de algunos de esos momentos excesivamente idílicos que tiene. Entiendo que el círculo más cercano a Lars ponga todo de su parte para seguirle la corriente, pero eso de que todo el pueblo se esfuerce por ayudar en la recuperación de Lars es algo que por desgracia únicamente puede pasar en una película.

Respecto a la historia de amor entre Lars y Margo poco se puede decir. Es realmente bonita, de eso no hay duda, pero también es rematadamente previsible. El espectador puede ir anticipando sin demasiada dificultad todo lo que va a ir sucediendo entre la pareja. Aunque bueno, entiendo que dado el tono general de la película el desenlace no podía ser muy diferente.

Personalmente ‘Lars y una chica de verdad’ ha sido una grata sorpresa. Me esperaba una comedia romántica algo por encima de la media y finalmente me he encontrado con una historia llena de contenido y con una carga dramática considerable. Sin llegar a ser una joya, es una película que sin duda merece la pena ver.

Lo mejor: La interpretación de Ryan Gosling.
Lo peor: Algunos momentos resultan un tanto previsibles.

Nota: 7/10

Hardy

Crítica de 'El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook)'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Antes de ver ‘El lado bueno de las cosas’ había leído cosas realmente prometedoras sobre ella. La cantidad de buenas referencias así como el número de nominaciones y premios que iba acumulando hacía presagiar que estaba ante una nueva vuelta tuerca y algo completamente novedoso dentro del género de la comedia romántica. Pero tras haberla visto no puedo quitarme de encima la sensación de “pues no me parece tan diferente de otras películas del género”.

Y es que si eliminas a Jennifer Lawrence de la película (que es quien creo que le aporta algo diferente a la historia), lo que queda son elementos que hemos visto decenas de veces en otras comedias románticas. Con esto no digo que no me parezca una buena película, ya que la considero una película bastante notable dentro de su género. Pero sí que creo que es una película un tanto “sobrenominada”, y que con las nominaciones a sus dos protagonistas principales habría tenido suficiente.

Pero empecemos por los aspectos positivos, y creo que en primer lugar habría que hablar como es obvio de Jennifer Lawrence. Una actriz que a pesar de su juventud ya atesora buenos papeles a sus espaldas (como ‘Winter’s Bone’ o ‘Lejos de la tierra quemada’) y que ha encontrado en ‘El lado bueno de las cosas’ el que quizás haya sido su papel más intenso y expresivo hasta la fecha. Respecto a su nominación al Óscar a mejor actriz la considero más que justa, aunque no tanto su victoria ya que creo que hubieron actrices que ofrecieron actuaciones con mucho más peso en sus respectivas películas.

Por otra parte creo que merece la pena destacar también el papel de Bradley Cooper. Un personaje realmente interesante al que creo que le ha sacado mucho jugo y que le ha permitido lucir lo suficiente como para llevarse la nominación al Óscar a mejor actor.

Respecto a los aspectos que no me han apasionado tanto de la película, empezaré hablando del papel que juega la familia de Pat en la película. Todo lo relacionado con las supersticiones en los partidos de los Eagles y las apuestas no me ha terminado de convencer. Me ha parecido un tanto artificial y alejado de la realidad.

El desenlace es algo que tampoco me ha agradado demasiado. Es la parte de la película donde quizás he visto salir más a flote una gran cantidad de clichés repetidos hasta la saciedad en este tipo de películas. Todo lo que va a suceder desde que comienza el certamen de baile es rematadamente previsible.

En resumen, ‘El lado bueno de las cosas’ es una comedia romántica bastante buena, muy bien interpretada, pero que no se diferencia tanto de otras películas del género como podríamos pensar en un principio.

Lo mejor: La interpretación de Jennifer Lawrence.
Lo peor: Una recta final muy típica y previsible.

Nota: 6/10

Hardy

Crítica de 'To the Wonder'

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Llevaba ya tiempo con ganas de ver el nuevo trabajo de Terrence Malick. A diferencia de lo que me pasó con ‘El árbol de la vida’, en esta ocasión sabía exactamente lo que me iba a encontrar y qué tipo de película iba a ver. Tengo que decir que a pesar de todas las críticas que ha recibido ‘El árbol de la vida’ a mi me dejó bastante satisfecho, por lo que mis expectativas con ‘to the Wonder’ eran relativamente altas.

La película en sí es increíblemente similar a ‘El árbol de la vida’, con una excepción: la historia de ‘To the Wonder’ no tiene ni la misma fuerza ni nos transmite en ningún momento esa sensación de estar viendo algo profundo y trascendental. Lo único que nos queda una vez terminada la película es el pensamiento de que tan sólo hemos visto una historia de amor algo pomposa y pretenciosa.

Una de las cosas que menos me ha gustado de ‘To the Wonder’ es la falta de coherencia entre sus escenas. Sé que es un poco aventurado decir esto en una película de Malick, pero por ejemplo en ‘El árbol de la vida’ se mantenía una línea mucho más clara en las relaciones de la familia O’Brien. Por su parte, en ‘To the Wonder’, se salta alegremente de los momentos más edulcorados a las discusiones frías y distantes sin que lleguemos a percibir qué es lo que ha sucedido entre medias. Por momentos casi parece que estemos ante una película protagonizada por dos personas con un trastorno bipolar bastante serio.

En lo que al reparto se refiere únicamente voy a destacar el trabajo de Olga Kurylenko. Al igual que le sucediera a Jessica Chastain, Kurylenko ha sabido aprovechar el mimo con el que Malick construye a sus personajes femeninos para dar lo mejor de sí misma. Tanto en las escenas más dramáticas como en las escenas más alegres y juguetonas ha logrado destacar y brillar con luz propia.

La elección de Ben Affleck para esta película no me convencía demasiado desde un principio, y tras haber visto la película me reafirmo en esta opinión. No sé si quizás era la intención de Malick que su personaje resultara tan soso y anodino, pero lo cierto es que en ningún momento llega a conectar con el espectador.

En lo que a Rachel McAdams se refiere creo que cumple bastante bien en su papel, ya que el principal problema con su personaje en realidad no es culpa suya. Cuando se nos presenta la historia de amor entre Neil y Jane a modo de flashback una de las primeras cosas que podemos pensar es que esa trama tendrá alguna relevancia en el presente. Sin embargo esto no es así, ya que el personaje de Jane no vuelve a aparecer en toda la película ni se le vuelve a nombrar. Únicamente se le dedican esos minutos, los cuales si lo pensamos fríamente no aportan demasiado a la trama principal.

Aunque sin duda el caso más grave creo que es el de Javier Bardem. Tras acabar de ver la película se me quedó la siguiente pregunta en la cabeza: “¿Qué pintaba su personaje en esta película?”. Y la única respuesta que encuentro es que simplemente está ahí para aportar esa connotación religiosa tan propia de Malick. Su interacción con el resto de personajes es mínima y la mayoría de sus intervenciones son simplemente para recitar frases relacionadas con la fe y la religión.

Pero no se puede terminar un artículo sobre ‘To the Wonder’ sin hablar de su mayor virtud. La fotografía de la película es simplemente magnífica y llena de imágenes realmente hermosas (aunque en algunos planos nos recuerde demasiado a ‘El árbol de la vida’). No cabe duda de que Malick tiene un talento especial para convertir una película en toda una poesía audiovisual cargada de ternura y belleza.

Lo mejor: La fotografía.
Lo peor: El desarrollo tan irregular de la historia.

Nota: 6/10

Hardy

Especial Día de la Madre

Hoy me apetecía escribir algo diferente, y aprovechando que es el día de la madre me ha parecido apropiado hacer una recopilación de esas madres de la gran pantalla que nos han conmovido con sus historias. Como habían muchas candidatas y no quería que me quedara una lista excesivamente larga me he quedado con las cinco interpretaciones que más me han gustado. Dicho esto, empecemos con las elegidas.

Sally Field - 'Forrest Gump'

A pesar de no estar demasiado presente durante gran parte de la película, Sally Field merece estar incluida en la lista aunque sea únicamente por los minutos ofrecidos en la recta final y la imborrable escena en la que Forrest va a visitar a su madre enferma. Una de las escenas más emotivas entre una madre y su hijo que he tenido el placer de ver.

Katrin Saß - 'Good bye, Lenin!'

Katrin Saß y su trabajo interpretando a Christiane Kerner no podían faltar en esta lista.Y es que en esta película somos testigos de una historia realmente hermosa en la que un hijo está dispuesto a hacer lo que sea necesario para preservar la salud de su madre. Resulta conmovedora la mirada tan llena de orgullo que Christiane dedica a su hijo en una de las últimas escenas de la película.

Brenda Fricker - 'Mi pie izquierdo'

Este papel seguramente sea el mayor ejemplo de "madre coraje" que he visto en una película. Brenda Fricker interpreta a la madre de Christy Brown, un hombre que vivió toda su vida aquejado de una parálisis cerebral. Ella cuidó de él cada día, enfrentándose a todas las dificultades que supone hacerse cargo de un hombre completamente dependiente. Una mujer fuerte como pocas y que siempre estuvo al lado de su hijo.

Ruth Nelson - 'Despertares'

Su papel seguramente sea el más secundario de todos los nombrados, pero eso no es un impedimento a la hora de disfrutar de toda la ternura de esas escenas donde vemos a una entregada madre cuidando con mimo y cariño de su hijo enfermo de encefalitis letárgica.

Björk - 'Bailar en la oscuridad'

Es difícil explicar la inclusión de Björk en su papel de Selma Jezkova en esta lista sin desvelar el desenlace de la película. Por ello me limitaré a decir que su personaje demuestra lo lejos que está dispuesta a llegar una madre con tal de asegurar el bienestar de su hijo.

Hardy

Bandas Sonoras de Película III

Como había prometido, la nueva de edición de “Bandas Sonoras de Película” no iba a tardar tanto en llegar como su predecesora. Y aquí estoy nuevamente con una selección de melodías bastante interesante. Desde algunas reconocibles por todo el mundo (como la de ‘El piano’) a otras que pasan algo más desapercibidas (como la de ‘Las horas’). Aún así, todas ellas son minutos musicales de gran calidad.

Eduardo Manostijeras

Siempre a tu lado (Hachiko)

El piano

Deseando amar

Origen

Las horas

La joven del agua

Hardy

Hablando de... Darren Aronofsky

Hoy toca hablar del que es en mi opinión uno de los directores más prometedores y con más futuro de la actualidad: Darren Aronofsky. Y es que a pesar de tener un filmografía más que contrastada con grandes títulos a sus espaldas, su carrera comenzó hace relativamente no mucho tiempo (en el año 1998), y todo hace indicar que aún tiene muchísimo que aportar al mundo al cine.

La andadura cinematográfica de Aronofsky comenzó con la película ‘Pi, fe en el caos’. Una película con mucha fuerza visual y que considero un viaje muy bien plasmado al interior de una mente enferma y obsesionada. Todo ese surrealismo que impregna a la película no son más que la visión del mundo a través de los ojos de un hombre trastornado. Sin embargo, el argumento que acompaña a la película no me convenció para nada (Todo el tema de la secta judía me pareció exagerado y alejado de la realidad).

A continuación llegó ‘Réquiem por un sueño’, la película que supuso el gran salto en la carrera de Aronofsky y con la que se hizo un hueco en el mundo de Hollywood. Una historia dura, directa, desgarradora y que no duda en hacer uso de toda la crudeza que sea necesaria para mostrar la progresiva autodestrucción que va experimentando una pareja incapaz de controlar su adicción a las drogas. Acompañada de la inconfundible banda sonora de Clint Mansell (quien acompaña a Aronofsky en todos sus proyectos), ‘Réquiem por un sueño’ terminó por convertirse en una película de culto y de visionado obligatorio para todo amante del cine.

Por su parte, ‘La fuente de la vida’ probablemente sea el trabajo de Aronofsky que mayor división de opiniones ha generado. El surrealismo tan extremo que se muestra en algunos momentos hace que mucha gente considere esta película demasiado pretenciosa, confusa y sin sentido. Pero personalmente no comparto esas críticas que ha recibido esta película. Es cierto que las escenas de Hugh Jackman que no tienen lugar en el presente pueden resultar demasiado chocantes para el espectador, pero según mi interpretación tienen su sentido. Las escenas en que vemos a Hugh Jackman como un conquistador del siglo XVI no son más que una representación de la novela que estaba escribiendo Izzi, mientras que las escenas de Jackman en el espacio son la representación del último capítulo de la historia que Tom escribió para completar el libro de Izzi. Igual no es la explicación más correcta pero es como yo interpreté lo que iba sucediendo en pantalla.

De ‘La fuente de la vida’ hay dos aspectos fundamentales que me gustaría destacar. por un lado el apartado técnico y lo impresionante que resultan algunos de sus planos (especialmente en la recta final). Y también me parece un aspecto clave de la película la magistral banda sonora de Clint Mansell (de todos los trabajos suyos que he escuchado, el de esta película ha sido el que más me ha gustado con diferencia).

Con ‘El luchador’ Aronofsky deja de lado todo el surrealismo y el ambiente onírico para centrarse en una historia cargada del realismo más puro. Un Mickey Rourke en estado de gracia es sin lugar a dudas el punto fuerte de esta película. Sobre él recae todo el peso de la trama, y hace un trabajo espléndido dando vida a ese luchador profesional al que la vida ha machacado tan duramente.

Y por último llegamos a ‘Cisne negro’. En esta ocasión volvemos a encontrarnos con un personaje atormentado, de esos que tan bien sabe dibujar Aronofsky. Natalie Portman interpreta de manera brillante a Nina, una joven bailarina obsesionada con lograr el papel protagonista en ‘El lago de los cisnes’. Me resultó especialmente interesante ver la atmósfera tan opresiva y asfixiante a la que la madre de Nina (una bailarina retirada y cargada de frustraciones) somete a su hija. Una atmósfera que es el principal desencadenante del deterioro que la salud mental de Nina va experimentando a lo largo de la película. Dicho deterioro, al igual que pasa en otras películas de Aronofsky, está plasmado de un modo realmente talentoso. Aunque eso sí, hay que reconocer que en esta ocasión hay alguna escena que puede pecar de ser un poco retorcida.

No hay duda de que Aronofsky es un director que nunca deja indiferente con sus trabajos. Nos guste más o nos guste menos, cada vez que vemos una película suya sabemos que estamos ante una historia que nos va a dejar algún tipo de huella. Personalmente estoy impaciente por ver lo que Aronofsky nos ofrecerá en su próximo trabajo: ‘Noah’.

Hardy

Crítica de 'Ruby Sparks'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

‘Ruby Sparks’ es una de esas películas que para poder disfrutarlas como es debido es necesario que nos olvidemos del realismo durante un par de horas y dejemos volar nuestra imaginación. Debemos ser conscientes en todo momento de que estamos ante una película en la que cosas imposibles pueden suceder sin que se nos dé ninguna explicación aparente. Es un caso similar al de ‘The Jacket’ por ejemplo, en donde veíamos a un Adrien Brody que de buenas a primeras podía viajar en el tiempo y en ningún momento se nos daba un por qué.

A la hora de hablar de la historia podríamos decir que estamos ante una de esas comedias románticas que busca ser algo más y añadir algo nuevo al género. Nos encontramos con un componente dramático superior a lo que solemos encontrarnos en películas de este estilo. Además, tanto la banda sonora como el trabajo de fotografía hacen que el conjunto de la película suba varios niveles.

Respecto a la idea de traer a la vida un personaje salido de la mente del protagonista me parece bastante original y acertada. Dejando a un lado la inverosimilitud del hecho en sí (como recomendaba en el primer párrafo), lo cierto es que es un concepto tremendamente romántico. Materializar en el mundo real una chica que hemos concebido en nuestra imaginación, con toda la perfección (a priori) que ello conlleva es un punto de partida la mar de interesante.

En lo que a Calvin se refiere no resulta muy complicado empatizar con él dada su forma de ser, aunque tengo la sensación de que hubiera sido mejor si hubiera omitido la parte de ser un escritor de éxito. No me parece demasiado convincente ver a un hombre que se siente solo e incapaz de relacionarse con nadie mientras tiene multitud de mujeres que van detrás de él debido a su fama. Un escritor con talento pero desconocido hubiera sido en mi opinión más apropiado para esta película.

Me gustaría también destacar el trabajo de Zoe Kazan, quien personalmente tengo que decir que ha sido todo un descubrimiento. Una chica que encaja perfectamente en el papel, que transmite muchísima dulzura y que saca un gran partido a esa belleza tan natural que posee. Para mí ella es sin lugar a dudas el punto fuerte de esta película.

También quisiera hacer una mención al tono tan oscuro que va cogiendo la trama en la recta final, algo que tengo que decir que me sorprendió bastante (para bien). En especial la escena en la que Calvin revela a Ruby su origen y la va forzando a hacer movimientos contra su voluntad me resultó bastante intensa e inquietante. Muy buen trabajo a la hora de plasmar una situación que poco a poco ha ido llegando al límite y ha terminado por explotar.

Por todo esto ‘Ruby Sparks’ me parece una película altamente recomendable. No tengo ninguna duda de que todo aquel se deje llevar por la magia de la historia sin hacer preguntas va a disfrutar bastante viéndola.

Lo mejor: Zoe Kazan.
Lo peor: Algunos momentos no resultan todo lo emotivos que podrían ser.

Nota: 7/10

Hardy

Hablando de... Tim Burton

Siempre he visto a Tim Burton como un director de dos caras, cuyas películas divido en dos grandes grupos. Por un lado están las películas que considero de nivel alto, con una estética tremendamente llamativa, una fotografía realmente buena y una historia mágica. Y por el otro lado están esas películas excesivamente bizarras y con una historia un tanto absurda que Burton regala de tanto en tanto.

Empezaré hablando de ‘Bitelchús’. Una película considerada un clásico y una película de culto para muchos. Sin embargo, tengo que decir que yo la vi hace relativamente poco tiempo y la verdad es que ha envejecido realmente mal. Imagino que en su momento los efectos especiales de esta película llamaría mucho la atención, pero más de 20 años después creo que se ha quedado demasiado desfasada. Puede que en parte también sea culpa mía por haberla visto tan tarde.

Luego pasamos al que para mí es el mejor tramo en la carrera de Burton, y ese es el período que comprende ‘Batman’, ‘Eduardo Manostijeras’, ‘Batman vuelve’ y ‘Ed Wood’. Películas en las que nos encontramos con personajes realmente inolvidables y en las que Burton saca lo mejor de sí mismo.
Es cierto que el ‘Batman’ de Nolan ha sido algo espectacular dentro del género de superhéroes, pero el trabajo de Burton en su momento me pareció digno de elogio. La estética gótica de Burton encajó perfectamente con la atmósfera oscura de ‘Batman’. Y si a eso le sumanos actuaciones tan memorables como la de Jack Nicholson o la de Danny DeVito, pues tenemos un conjunto realmente suculento.

‘Eduardo Manostijeras’ por su parte me parece el mejor trabajo realizado por Burton hasta la fecha. Tiene una historia única, unos decorados y unas caracterizaciones excelentes y una banda sonora deliciosa. Además es una película cargada de sensibilidad, que compagina la ternura con momentos algo más tenebrosos. Tengo que reconocer que el final de la película siempre me ha parecido una maravilla.

Después de este período tan brillante de Burton llegó una de las películas que menos me ha gustado de su filmografía: ‘Mars Attacks!’. Es cierto que la vi hace muchísimo tiempo y quizás si ahora la viera de nuevo mi opinión sobre ella podría cambiar levemente (tampoco mucho). Pero cuando la vi me pareció una película completamente ridícula, con momentos realmente absurdos y que desperdiciaba un reparto cargado de nombres conocidos. Quizás algún día me anime a darle un segundo visionado, para ver si mi visión sobre ella cambia o no.
Algo similar me sucede con su remake de ‘El planeta de los simios’. Ha pasado mucho tiempo desde que la vi y prácticamente lo único que recuerdo es la sensación de insatisfacción que me dejó.

Tras ‘Mars Attacks!’, Burton retomó su buen pulso con ‘Sleepy Hollow’. Una ambientación fantástica y una historia cargada de misterio que engancha de principio a fin son las principales virtudes de este film. Sin ser uno de sus mejores trabajos es una película bastante notable.

Turno ahora para la que tras ‘Eduardo Manostijeras’ me parece la mejor película de Burton: ‘Big Fish’. Una película donde Burton deja aflorar toda la magia y la fantasía que lleva en su interior, creando un mundo de ensueño. Tiene una fotografía realmente espectacular, y artísticamente es una película brillante. Además, al igual que ‘Eduardo Manostijeras’, cuenta con un gran final para cerrar la historia (aunque quizás este me parezca algo más emotivo). Ni siquiera la elección de Ewan McGregor (el cual no es santo de mi devoción) para el papel protagonista enturbió el resultado final.

De este punto en adelante (a partir de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’) únicamente voy a destacar ‘Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet’. Un musical con grandes canciones, muy buenas interpretaciones y que al igual que ‘Sleepy Hollows’ cuenta con una ambientación excelente.

‘Charlie en la fábrica de chocolate’, ‘Alicia en el país de las maravillas’ y ‘Sombras tenebrosas’ me parecen todas ellas películas muy vistosas pero con historias bastante normalitas (en el caso de ‘Sombras tenebrosas’ la historia no me pareció normalita, directamente me pareció cutre). Todas ellas son películas para entretener durante el rato que las ves y luego olvidarlas al poco tiempo.

En definitiva Tim Burton es un director con un estilo único e inconfundible, pero un tanto irregular. Es capaz tanto de sacar una película brillante e inolvidable como de sacar una película con una historia realmente mediocre. Espero que sus futuros trabajos acaben englobados en el primer grupo de películas.

Hardy

Crítica de 'Melancolía'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Cuando hablamos de ‘Melancolía’ seguramente estamos hablando de la película más espectacular de Lars von Trier en lo que a efectos especiales y fotografía se refiere. El prólogo con el que se nos presenta la película es de una belleza y de una calidad cinematográfica increíble, con planos realmente impresionantes que a priori asumimos como una licencia artística del autor y no como algo que tenga relación con la historia. Más adelante descubrimos que estábamos totalmente equivocados.

‘Melancolía’ es una película dividida en dos partes muy claras y que terminan siendo muy diferentes. Por un lado tenemos una primera parte centrada en Justine (Kirsten Dunst). En este fragmento de la historia asistimos a la fiesta posterior a la boda entre Justine y Michael. En un principio todo parece normal pero poco a poco vamos viendo como el comportamiento de Justine empieza a resultar algo extraño. Lo que en un principio parecía una celebración normal y corriente termina siendo una perfecta y detallada radiografía de lo que significa padecer una depresión. Vemos a una joven incapaz de contener la tristeza que lleva en su interior, que se esfuerza en vano por mostrarse sociable y alegre ante sus allegados y que termina prefiriendo quedarse a solas donde nadie pueda verla. Esta primera parte de la película creo que son los mejores minutos interpretativos de toda la carrera de Kirsten Dunst.

Durante estos minutos hay dos cosas que quisiera destacar. Por un lado el papel que juegan Claire y John, como esos familiares preocupados por el comportamiento de Justine y que, aunque ponen todo de su parte (especialmente Claire), no consiguen averiguar la manera de ayudarla. Y por otro lado el papel de Gaby, la madre de Justine y Claire. Un personaje realmente oscuro y que a todas luces parece ser la rama de la familia por la que le ha llegado a Justine esa personalidad depresiva.

Pasamos ahora a la segunda parte de la película, la cual está centrada en Claire. En un principio parece que la historia va a continuar narrando los esfuerzos de Claire por ayudar a su hermana a superar la depresión, pero poco a poco la trama va tomando un camino muy diferente.

A medida que pasan los minutos vamos descubriendo en Claire un terrible y primitivo miedo hacia el planeta “Melancolía”, el cual puede verse en el cielo. Comenzamos a ver su obsesión con dicho planeta y cómo le aterra la posibilidad de que impacte contra la Tierra. No puede parar de mirarlo cada día y de buscar información con conclusiones catastrofistas, mientras que su marido trata de tranquilizarla y eliminar esas ideas de su cabeza. Hay que hacer una especial mención a Charlotte Gainsbourg y a su trabajo en esta parte del film, donde logra transmitir toda esa angustia y todo ese miedo que atormentan a su personaje.

Y llegamos a la tan inesperada recta final, donde la peor pesadilla de Claire se vuelve realidad y poco a poco el planeta “Melancolía” se va viendo más y más grande en el firmamento. En este trozo de la historia hay dos aspectos que llamaron mucho mi atención. Por un lado está el sorprendente suicidio de John, el cual decide quitarse la vida sin avisar a su familia de lo que iba a suceder, dejándolos solos ante el desastre que se avecinaba. Una decisión que no deja en muy buen lugar la naturaleza humana.
El otro aspecto que me resultó bastante interesante fue la sensación de aislamiento y soledad que se transmite durante los minutos finales. La familia se ha quedado sola e incomunicada en la mansión y el espectador no recibe ningún tipo de información de lo que está sucediendo en el exterior ni de cómo se está viviendo en la ciudad el inminente apocalipsis. Únicamente nos queda esperar a que llegue ese fatal desenlace. Un desenlace que deja al espectador desolado y que requiere de varios minutos para terminar de digerirlo.

Hay que reconocer que si algo no se le puede echar en cara a ‘Melancolía’ es que sea previsible. Y es que me atrevería a decir que muy pocos entre el público fueron capaces de imaginar cómo terminaría la historia tras ver los primeros minutos. Pero ‘Melancolía’ no es sólo una película con un guión sorprendente, es mucho más. Visualmente es una maravilla, y además cuenta con dos actrices especialmente inspiradas como son Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. La verdad es que espero y deseo que von Trier mantenga este buen nivel en sus próximos trabajos.

Lo mejor: Las dos interpretaciones principales y el apartado visual.
Lo peor: --

Nota: 8/10

Hardy

Hablando de... Paul Thomas Anderson

Con Paul Thomas Anderson estamos ante un director con un ritmo de producción bajo (en la última década únicamente ha estrenado dos largometrajes), pero que siempre se asegura de que lo poco que va sacando tenga unos mínimos de calidad realmente altos. Un director de grandes historias y al que le gusta dar una especial relevancia al trabajo interpretativo en sus películas.

Comenzaré hablando de ‘Boogie Nights’, el trabajo con el que el nombre de Paul Thomas Anderson comenzaba a sonar. Una película de historias cruzadas ambientada en el mundo del cine porno durante los años 70 y 80. No hay duda de que tocaba una temática arriesgada y delicada, pero el resultado obtenido fue realmente bueno. Un gran reparto y una historia llevada con buen pulso fueron los puntos fuertes de ‘Boogie Nights’. Tengo que decir que siempre he sentido especial predilección por las películas de historias cruzadas, lo cual fue un punto a su favor también.

Dos años más tarde, Anderson repitió fórmula con el que es en mi opinión su mejor trabajo hasta la fecha: ‘Magnolia’. Un nuevo drama de historias cruzadas protagonizado por un reparto aún más amplio e impresionante que el de ‘Boogie Nights’ y en el que Tom Cruise estuvo especialmente brillante. En esta ocasión la película no se ambientaba en un entorno en particular, sino que nos narraba la vida de un variado grupo de personas y las conexiones que se producían entre ellos. Un trabajo realmente brillante que, a pesar de su duración de 3 horas, se me terminó haciendo corto dado el ritmo tan alto que se mantiene durante toda la película.

Avanzamos ahora casi 10 años para llegar a la siguiente película con la que Anderson se ganó la admiración del público y la crítica: ‘Pozos de Ambición’. Una película que se apoya fundamentalmente en la colosal interpretación de Daniel Day-Lewis (interpretación que posteriormente le valdría un Óscar al mejor actor principal). Sólo por ver la evolución de su personaje y la magistral recta final del mismo, ya merece la pena ver esta película. Personalmente tengo que decir que el ritmo de la historia me pareció excesivamente lento lo que, dada su duración, podría provocar que en conjunto pudiera resultar una película algo pesada de ver.

Y finalmente llegamos a ‘The Master’, una película que pasó extrañamente desapercibida por los Óscars de 2012. Me sorprendió tanto el no verla entre las nominadas a mejor película como el no ver a Paul Thomas Anderson entre los nominados a mejor director. Sin embargo, la Academia sí que reconoció el excepcional trabajo llevado a cabo por el trío protagonista (Phoenix-Hoffman-Adams) y premió a cada uno de ellos con una nominación al Óscar.
La película, al igual que pasara con ‘Pozos de Ambición’, gira alrededor de las interpretaciones. Más allá de la trama, la cual también es interesante por la temática que toca, lo que realmente da a la película el valor que tiene son sus actores. En especial quisiera destacar el papel de Joaquin Phoenix, quien se confirma como uno de los actores de nuestra generación. Escenas como la tanda de preguntas que Lancaster realiza a Freddie demuestran todo el talento que atesora este actor. La verdad es que me extrañó que su nombre no sonara con más fuerza en la pugna por el Óscar a mejor actor principal.

¿Y qué es lo siguiente que tiene para ofrecer Paul Thomas Anderson’. Pues de momento para 2014 tenemos anunciada ‘Inherent Vice’. Un thriller que de momento tiene confirmados a Joaquin Phoenix y Charlize Theron. La sola presencia de Joaquin Phoenix en el reparto ya es motivo suficiente para creer que nos encontraremos ante otra película de altos vuelos.

Hardy

Crítica de 'El Hobbit'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Al igual que mucha gente, yo también esperaba ‘El Hobbit’ con gran impaciencia. Lo cierto es que tenía unas ganas increíbles de volver a ver una historia ambientada en la Tierra Media, con toda la épica y la magia que ello conlleva. Tras haberla visto tengo que decir que me he quedado satisfecho pero sólo a medias.

La ambientación sigue siendo majestuosa y los paisajes de Nueva Zelanda continúan siendo todo un deleite para el espectador. La historia, aunque más floja que la de la saga de ‘El Señor de los Anillos’, te engancha y te mantiene entretenido durante las casi tres horas de duración. Pero aún con todo esto, la sensación que te deja la película es que podría haber dado algo más. Igual es que ‘El Señor de los Anillos’ dejó el listón demasiado alto, pero lo cierto es que ‘El Hobbit’ te deja con la sensación de que algo no terminaba de estar del todo afinado.

El principal problema que tiene ‘El Hobbit’ es el carácter infantil tan marcado que tiene. Tengo entendido que eso es algo que le viene impuesto por el libro, pero a la hora de hacer una adaptación tú puedes jugar un poco con el tono que le das a la misma. Puedes optar por mantenerte rigurosamente fiel al libro, pero deberías ser consciente de que una película ambientada en el mismo universo que ‘El Señor de los Anillos’ va a atraer a un público muy amplio, y no únicamente a los más pequeños de la casa.

Con esto no digo que ‘El Señor de los Anillos’ no tuviera esos momentos más “ligeros”, que los tiene, pero es que en ‘El Hobbit’ son demasiado abundantes y demasiado largos. Como ejemplos de esto que digo tenemos: la escena de los trolls preparando la cena, la aparición del Gran Trasgo y el juego de las adivinanzas entre Bilbo y Gollum. Escenas que tienen una duración excesiva y que te recuerdan con insistencia que estás viendo una película orientada a un público infantil.
A todo esto hay que sumar, además, el personaje de Radagast el Pardo. Él seguramente sea el mayor exponente de los defectos de esta película. Un personaje al que resulta imposible tomarse en serio, que va por ahí en un trineo tirado por conejos y dejando claro en cada escena que está ahí para acentuar el carácter cómico de la película.

En líneas generales podría decir que ‘El Hobbit’ es una película que va dando una de cal y una de arena. Te da una escena emocionante, cargada de acción trepidante y con unos planos espectaculares para a continuación pasar a una escena de las que podríamos considerar “chistosas” que se encarga de eliminar todo el subidón.

Pero bueno, aún con todo esto ‘El Hobbit’ sigue siendo un espectáculo cinematográfico que se disfruta bastante y que sin duda merece la pena ver. A pesar de sus defectos, veo difícil que resulte aburrida para todo aquel que disfrutara con la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’. Yo personalmente tengo bastantes ganas de ver todo lo que nos va a traer esta saga en sus dos próximas películas. Eso sí, espero que en ellas podamos ver una puesta en escena algo más adulta.

Lo mejor: La ambientación y los efectos especiales.
Lo peor: El tono infantil de la historia.

Nota: 7/10

Hardy

Peticiones de un nostálgico

Este artículo lo voy a dedicar a un tema muy particular. Hay directores que por una u otra razón en un determinado momento han cambiado el rumbo de sus carreras y se han lanzado a hacer un tipo de cine diferente al que nos tenían acostumbrados. Independientemente de si las nuevas películas son buenas o no tan buenas, me es imposible no sentir algo de nostalgia al recordar los antiguos trabajos de estos directores. Puede que con la explicación no haya quedado del todo claro la temática que voy a tratar, pero con los nombres que voy a poner creo que se entenderá por dónde van los tiros.

Empezaré hablando del primer nombre que se me vino a la cabeza cuando pensé en este artículo: Guy Ritchie. El director británico comenzó su carrera de manera realmente brillante. ‘Lock & Stock’ y ‘Snatch, cerdos y diamantes’ son dos películas con un estilo único e inconfundible. Películas con un guión, un ritmo y unos diálogos que le aseguraron a Ritchie el éxito más rotundo.

En 2008 Ritchie siguió con la temática que tan buenos resultados le había dado y sacó ‘RocknRolla’. Una película que sin ser tan sorprendente ni tan redonda como las otras dos, seguía teniendo un nivel realmente bueno. Además, el final de la película nos daba a entender que podríamos disfrutar de una secuela (el propio Ritchie afirmó que su intención era hacer una trilogía).

Pero en 2009 Ritchie comenzó a trabajar en las películas de ‘Sherlock Holmes’. Películas con las que ha estado ocupado hasta el día de hoy. Antes que nada quiero dejar claro que me gustan las dos películas de ‘Sherlock Holmes’. Son muy entretenidas, con una estética muy llamativa y con un Robert Downey Jr. soberbio. Aún así, sería de agradecer que en un futuro próximo Ritchie se decidiera a sacar una de esas comedias negras sobre criminales a las que tan bien les tiene cogido el punto. Continuar con la saga ‘RocknRolla’ no sería una mala idea.

Otro caso similar al de Ritchie es el de Michael Bay. Es cierto que no estamos hablando de un director que ofrezca películas de altísimo nivel, pero hay que reconocer que Bay sí que garantizaba un cine de acción trepidante y de calidad. Películas como ‘Dos policías rebeldes’ (I y II), ‘Armageddon’, ‘La isla’ y sobre todo ‘La Roca’ son películas que ofrecen el mejor de los entretenimientos para el espectador que busca un rato de distracción.

Sin embargo, Bay decidió dejar de lado ese cine tan agradecido por parte del público para enfrascarse en una interminable saga de ‘Transformers’. Una saga que, dicho sea de paso, considero muy pero que muy prescindible. Sí, son películas con muy buenos efectos especiales pero argumentalmente son un completo desastre. Menos mal que ahora con ‘Pain & Gain’ por lo menos vamos a ver algo diferente por parte de Bay.

También me parece adecuado hacer una breve mención en este artículo a James Cameron. El director de cintas como ‘Terminator’, ‘Aliens: el regreso’, ‘Terminator 2’ o ‘Mentiras arriesgadas’ y que en el nuevo milenio únicamente nos ha ofrecido ‘Avatar’. Aunque en este caso no es pedirle tanto que vuelva de vez en cuando a sus orígenes sino que no pase una cantidad tan exagerada de tiempo entre un proyecto suyo y el siguiente.

El último caso que voy a comentar es el menos preocupante de todos, ya que adoro las películas que este director ha hecho recientemente. Hablo de Christopher Nolan. Es todo un espectáculo para la vista ver el despliegue técnico que hace Nolan en películas como ‘Origen’ o la saga de ‘Batman’. Pero me es imposible no sentir una especie de nostalgia al recordar historias como la de ‘Memento’ o ‘El truco final’. En este caso me gustaría que por supuesto Nolan continuara haciendo esas superproducciones tan espectaculares, pero sería de agradecer que intercalara cada cierto tiempo algún proyecto más “sencillo” donde todo girara alrededor del guión.

En resumen, está claro que para un director es bueno reinventarse y aventurarse en nuevos géneros cinematográficos. Pero cuando en tus inicios has tenido un estilo muy marcado que te ha llevado a lo más alto es un detalle que de vez en cuando des a tu público una pequeña ración de aquello que les hizo interesarse por ti en un primer momento.

Hardy