Hablando de... Darren Aronofsky

Hoy toca hablar del que es en mi opinión uno de los directores más prometedores y con más futuro de la actualidad: Darren Aronofsky. Y es que a pesar de tener un filmografía más que contrastada con grandes títulos a sus espaldas, su carrera comenzó hace relativamente no mucho tiempo (en el año 1998), y todo hace indicar que aún tiene muchísimo que aportar al mundo al cine.

La andadura cinematográfica de Aronofsky comenzó con la película ‘Pi, fe en el caos’. Una película con mucha fuerza visual y que considero un viaje muy bien plasmado al interior de una mente enferma y obsesionada. Todo ese surrealismo que impregna a la película no son más que la visión del mundo a través de los ojos de un hombre trastornado. Sin embargo, el argumento que acompaña a la película no me convenció para nada (Todo el tema de la secta judía me pareció exagerado y alejado de la realidad).

A continuación llegó ‘Réquiem por un sueño’, la película que supuso el gran salto en la carrera de Aronofsky y con la que se hizo un hueco en el mundo de Hollywood. Una historia dura, directa, desgarradora y que no duda en hacer uso de toda la crudeza que sea necesaria para mostrar la progresiva autodestrucción que va experimentando una pareja incapaz de controlar su adicción a las drogas. Acompañada de la inconfundible banda sonora de Clint Mansell (quien acompaña a Aronofsky en todos sus proyectos), ‘Réquiem por un sueño’ terminó por convertirse en una película de culto y de visionado obligatorio para todo amante del cine.

Por su parte, ‘La fuente de la vida’ probablemente sea el trabajo de Aronofsky que mayor división de opiniones ha generado. El surrealismo tan extremo que se muestra en algunos momentos hace que mucha gente considere esta película demasiado pretenciosa, confusa y sin sentido. Pero personalmente no comparto esas críticas que ha recibido esta película. Es cierto que las escenas de Hugh Jackman que no tienen lugar en el presente pueden resultar demasiado chocantes para el espectador, pero según mi interpretación tienen su sentido. Las escenas en que vemos a Hugh Jackman como un conquistador del siglo XVI no son más que una representación de la novela que estaba escribiendo Izzi, mientras que las escenas de Jackman en el espacio son la representación del último capítulo de la historia que Tom escribió para completar el libro de Izzi. Igual no es la explicación más correcta pero es como yo interpreté lo que iba sucediendo en pantalla.

De ‘La fuente de la vida’ hay dos aspectos fundamentales que me gustaría destacar. por un lado el apartado técnico y lo impresionante que resultan algunos de sus planos (especialmente en la recta final). Y también me parece un aspecto clave de la película la magistral banda sonora de Clint Mansell (de todos los trabajos suyos que he escuchado, el de esta película ha sido el que más me ha gustado con diferencia).

Con ‘El luchador’ Aronofsky deja de lado todo el surrealismo y el ambiente onírico para centrarse en una historia cargada del realismo más puro. Un Mickey Rourke en estado de gracia es sin lugar a dudas el punto fuerte de esta película. Sobre él recae todo el peso de la trama, y hace un trabajo espléndido dando vida a ese luchador profesional al que la vida ha machacado tan duramente.

Y por último llegamos a ‘Cisne negro’. En esta ocasión volvemos a encontrarnos con un personaje atormentado, de esos que tan bien sabe dibujar Aronofsky. Natalie Portman interpreta de manera brillante a Nina, una joven bailarina obsesionada con lograr el papel protagonista en ‘El lago de los cisnes’. Me resultó especialmente interesante ver la atmósfera tan opresiva y asfixiante a la que la madre de Nina (una bailarina retirada y cargada de frustraciones) somete a su hija. Una atmósfera que es el principal desencadenante del deterioro que la salud mental de Nina va experimentando a lo largo de la película. Dicho deterioro, al igual que pasa en otras películas de Aronofsky, está plasmado de un modo realmente talentoso. Aunque eso sí, hay que reconocer que en esta ocasión hay alguna escena que puede pecar de ser un poco retorcida.

No hay duda de que Aronofsky es un director que nunca deja indiferente con sus trabajos. Nos guste más o nos guste menos, cada vez que vemos una película suya sabemos que estamos ante una historia que nos va a dejar algún tipo de huella. Personalmente estoy impaciente por ver lo que Aronofsky nos ofrecerá en su próximo trabajo: ‘Noah’.

Hardy

Crítica de 'Ruby Sparks'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

‘Ruby Sparks’ es una de esas películas que para poder disfrutarlas como es debido es necesario que nos olvidemos del realismo durante un par de horas y dejemos volar nuestra imaginación. Debemos ser conscientes en todo momento de que estamos ante una película en la que cosas imposibles pueden suceder sin que se nos dé ninguna explicación aparente. Es un caso similar al de ‘The Jacket’ por ejemplo, en donde veíamos a un Adrien Brody que de buenas a primeras podía viajar en el tiempo y en ningún momento se nos daba un por qué.

A la hora de hablar de la historia podríamos decir que estamos ante una de esas comedias románticas que busca ser algo más y añadir algo nuevo al género. Nos encontramos con un componente dramático superior a lo que solemos encontrarnos en películas de este estilo. Además, tanto la banda sonora como el trabajo de fotografía hacen que el conjunto de la película suba varios niveles.

Respecto a la idea de traer a la vida un personaje salido de la mente del protagonista me parece bastante original y acertada. Dejando a un lado la inverosimilitud del hecho en sí (como recomendaba en el primer párrafo), lo cierto es que es un concepto tremendamente romántico. Materializar en el mundo real una chica que hemos concebido en nuestra imaginación, con toda la perfección (a priori) que ello conlleva es un punto de partida la mar de interesante.

En lo que a Calvin se refiere no resulta muy complicado empatizar con él dada su forma de ser, aunque tengo la sensación de que hubiera sido mejor si hubiera omitido la parte de ser un escritor de éxito. No me parece demasiado convincente ver a un hombre que se siente solo e incapaz de relacionarse con nadie mientras tiene multitud de mujeres que van detrás de él debido a su fama. Un escritor con talento pero desconocido hubiera sido en mi opinión más apropiado para esta película.

Me gustaría también destacar el trabajo de Zoe Kazan, quien personalmente tengo que decir que ha sido todo un descubrimiento. Una chica que encaja perfectamente en el papel, que transmite muchísima dulzura y que saca un gran partido a esa belleza tan natural que posee. Para mí ella es sin lugar a dudas el punto fuerte de esta película.

También quisiera hacer una mención al tono tan oscuro que va cogiendo la trama en la recta final, algo que tengo que decir que me sorprendió bastante (para bien). En especial la escena en la que Calvin revela a Ruby su origen y la va forzando a hacer movimientos contra su voluntad me resultó bastante intensa e inquietante. Muy buen trabajo a la hora de plasmar una situación que poco a poco ha ido llegando al límite y ha terminado por explotar.

Por todo esto ‘Ruby Sparks’ me parece una película altamente recomendable. No tengo ninguna duda de que todo aquel se deje llevar por la magia de la historia sin hacer preguntas va a disfrutar bastante viéndola.

Lo mejor: Zoe Kazan.
Lo peor: Algunos momentos no resultan todo lo emotivos que podrían ser.

Nota: 7/10

Hardy

Hablando de... Tim Burton

Siempre he visto a Tim Burton como un director de dos caras, cuyas películas divido en dos grandes grupos. Por un lado están las películas que considero de nivel alto, con una estética tremendamente llamativa, una fotografía realmente buena y una historia mágica. Y por el otro lado están esas películas excesivamente bizarras y con una historia un tanto absurda que Burton regala de tanto en tanto.

Empezaré hablando de ‘Bitelchús’. Una película considerada un clásico y una película de culto para muchos. Sin embargo, tengo que decir que yo la vi hace relativamente poco tiempo y la verdad es que ha envejecido realmente mal. Imagino que en su momento los efectos especiales de esta película llamaría mucho la atención, pero más de 20 años después creo que se ha quedado demasiado desfasada. Puede que en parte también sea culpa mía por haberla visto tan tarde.

Luego pasamos al que para mí es el mejor tramo en la carrera de Burton, y ese es el período que comprende ‘Batman’, ‘Eduardo Manostijeras’, ‘Batman vuelve’ y ‘Ed Wood’. Películas en las que nos encontramos con personajes realmente inolvidables y en las que Burton saca lo mejor de sí mismo.
Es cierto que el ‘Batman’ de Nolan ha sido algo espectacular dentro del género de superhéroes, pero el trabajo de Burton en su momento me pareció digno de elogio. La estética gótica de Burton encajó perfectamente con la atmósfera oscura de ‘Batman’. Y si a eso le sumanos actuaciones tan memorables como la de Jack Nicholson o la de Danny DeVito, pues tenemos un conjunto realmente suculento.

‘Eduardo Manostijeras’ por su parte me parece el mejor trabajo realizado por Burton hasta la fecha. Tiene una historia única, unos decorados y unas caracterizaciones excelentes y una banda sonora deliciosa. Además es una película cargada de sensibilidad, que compagina la ternura con momentos algo más tenebrosos. Tengo que reconocer que el final de la película siempre me ha parecido una maravilla.

Después de este período tan brillante de Burton llegó una de las películas que menos me ha gustado de su filmografía: ‘Mars Attacks!’. Es cierto que la vi hace muchísimo tiempo y quizás si ahora la viera de nuevo mi opinión sobre ella podría cambiar levemente (tampoco mucho). Pero cuando la vi me pareció una película completamente ridícula, con momentos realmente absurdos y que desperdiciaba un reparto cargado de nombres conocidos. Quizás algún día me anime a darle un segundo visionado, para ver si mi visión sobre ella cambia o no.
Algo similar me sucede con su remake de ‘El planeta de los simios’. Ha pasado mucho tiempo desde que la vi y prácticamente lo único que recuerdo es la sensación de insatisfacción que me dejó.

Tras ‘Mars Attacks!’, Burton retomó su buen pulso con ‘Sleepy Hollow’. Una ambientación fantástica y una historia cargada de misterio que engancha de principio a fin son las principales virtudes de este film. Sin ser uno de sus mejores trabajos es una película bastante notable.

Turno ahora para la que tras ‘Eduardo Manostijeras’ me parece la mejor película de Burton: ‘Big Fish’. Una película donde Burton deja aflorar toda la magia y la fantasía que lleva en su interior, creando un mundo de ensueño. Tiene una fotografía realmente espectacular, y artísticamente es una película brillante. Además, al igual que ‘Eduardo Manostijeras’, cuenta con un gran final para cerrar la historia (aunque quizás este me parezca algo más emotivo). Ni siquiera la elección de Ewan McGregor (el cual no es santo de mi devoción) para el papel protagonista enturbió el resultado final.

De este punto en adelante (a partir de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’) únicamente voy a destacar ‘Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet’. Un musical con grandes canciones, muy buenas interpretaciones y que al igual que ‘Sleepy Hollows’ cuenta con una ambientación excelente.

‘Charlie en la fábrica de chocolate’, ‘Alicia en el país de las maravillas’ y ‘Sombras tenebrosas’ me parecen todas ellas películas muy vistosas pero con historias bastante normalitas (en el caso de ‘Sombras tenebrosas’ la historia no me pareció normalita, directamente me pareció cutre). Todas ellas son películas para entretener durante el rato que las ves y luego olvidarlas al poco tiempo.

En definitiva Tim Burton es un director con un estilo único e inconfundible, pero un tanto irregular. Es capaz tanto de sacar una película brillante e inolvidable como de sacar una película con una historia realmente mediocre. Espero que sus futuros trabajos acaben englobados en el primer grupo de películas.

Hardy

Crítica de 'Melancolía'

ATENCIÓN, ESTE ARTÍCULO PUEDE CONTENER SPOILERS DE LA PELÍCULA

Cuando hablamos de ‘Melancolía’ seguramente estamos hablando de la película más espectacular de Lars von Trier en lo que a efectos especiales y fotografía se refiere. El prólogo con el que se nos presenta la película es de una belleza y de una calidad cinematográfica increíble, con planos realmente impresionantes que a priori asumimos como una licencia artística del autor y no como algo que tenga relación con la historia. Más adelante descubrimos que estábamos totalmente equivocados.

‘Melancolía’ es una película dividida en dos partes muy claras y que terminan siendo muy diferentes. Por un lado tenemos una primera parte centrada en Justine (Kirsten Dunst). En este fragmento de la historia asistimos a la fiesta posterior a la boda entre Justine y Michael. En un principio todo parece normal pero poco a poco vamos viendo como el comportamiento de Justine empieza a resultar algo extraño. Lo que en un principio parecía una celebración normal y corriente termina siendo una perfecta y detallada radiografía de lo que significa padecer una depresión. Vemos a una joven incapaz de contener la tristeza que lleva en su interior, que se esfuerza en vano por mostrarse sociable y alegre ante sus allegados y que termina prefiriendo quedarse a solas donde nadie pueda verla. Esta primera parte de la película creo que son los mejores minutos interpretativos de toda la carrera de Kirsten Dunst.

Durante estos minutos hay dos cosas que quisiera destacar. Por un lado el papel que juegan Claire y John, como esos familiares preocupados por el comportamiento de Justine y que, aunque ponen todo de su parte (especialmente Claire), no consiguen averiguar la manera de ayudarla. Y por otro lado el papel de Gaby, la madre de Justine y Claire. Un personaje realmente oscuro y que a todas luces parece ser la rama de la familia por la que le ha llegado a Justine esa personalidad depresiva.

Pasamos ahora a la segunda parte de la película, la cual está centrada en Claire. En un principio parece que la historia va a continuar narrando los esfuerzos de Claire por ayudar a su hermana a superar la depresión, pero poco a poco la trama va tomando un camino muy diferente.

A medida que pasan los minutos vamos descubriendo en Claire un terrible y primitivo miedo hacia el planeta “Melancolía”, el cual puede verse en el cielo. Comenzamos a ver su obsesión con dicho planeta y cómo le aterra la posibilidad de que impacte contra la Tierra. No puede parar de mirarlo cada día y de buscar información con conclusiones catastrofistas, mientras que su marido trata de tranquilizarla y eliminar esas ideas de su cabeza. Hay que hacer una especial mención a Charlotte Gainsbourg y a su trabajo en esta parte del film, donde logra transmitir toda esa angustia y todo ese miedo que atormentan a su personaje.

Y llegamos a la tan inesperada recta final, donde la peor pesadilla de Claire se vuelve realidad y poco a poco el planeta “Melancolía” se va viendo más y más grande en el firmamento. En este trozo de la historia hay dos aspectos que llamaron mucho mi atención. Por un lado está el sorprendente suicidio de John, el cual decide quitarse la vida sin avisar a su familia de lo que iba a suceder, dejándolos solos ante el desastre que se avecinaba. Una decisión que no deja en muy buen lugar la naturaleza humana.
El otro aspecto que me resultó bastante interesante fue la sensación de aislamiento y soledad que se transmite durante los minutos finales. La familia se ha quedado sola e incomunicada en la mansión y el espectador no recibe ningún tipo de información de lo que está sucediendo en el exterior ni de cómo se está viviendo en la ciudad el inminente apocalipsis. Únicamente nos queda esperar a que llegue ese fatal desenlace. Un desenlace que deja al espectador desolado y que requiere de varios minutos para terminar de digerirlo.

Hay que reconocer que si algo no se le puede echar en cara a ‘Melancolía’ es que sea previsible. Y es que me atrevería a decir que muy pocos entre el público fueron capaces de imaginar cómo terminaría la historia tras ver los primeros minutos. Pero ‘Melancolía’ no es sólo una película con un guión sorprendente, es mucho más. Visualmente es una maravilla, y además cuenta con dos actrices especialmente inspiradas como son Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. La verdad es que espero y deseo que von Trier mantenga este buen nivel en sus próximos trabajos.

Lo mejor: Las dos interpretaciones principales y el apartado visual.
Lo peor: --

Nota: 8/10

Hardy

Hablando de... Paul Thomas Anderson

Con Paul Thomas Anderson estamos ante un director con un ritmo de producción bajo (en la última década únicamente ha estrenado dos largometrajes), pero que siempre se asegura de que lo poco que va sacando tenga unos mínimos de calidad realmente altos. Un director de grandes historias y al que le gusta dar una especial relevancia al trabajo interpretativo en sus películas.

Comenzaré hablando de ‘Boogie Nights’, el trabajo con el que el nombre de Paul Thomas Anderson comenzaba a sonar. Una película de historias cruzadas ambientada en el mundo del cine porno durante los años 70 y 80. No hay duda de que tocaba una temática arriesgada y delicada, pero el resultado obtenido fue realmente bueno. Un gran reparto y una historia llevada con buen pulso fueron los puntos fuertes de ‘Boogie Nights’. Tengo que decir que siempre he sentido especial predilección por las películas de historias cruzadas, lo cual fue un punto a su favor también.

Dos años más tarde, Anderson repitió fórmula con el que es en mi opinión su mejor trabajo hasta la fecha: ‘Magnolia’. Un nuevo drama de historias cruzadas protagonizado por un reparto aún más amplio e impresionante que el de ‘Boogie Nights’ y en el que Tom Cruise estuvo especialmente brillante. En esta ocasión la película no se ambientaba en un entorno en particular, sino que nos narraba la vida de un variado grupo de personas y las conexiones que se producían entre ellos. Un trabajo realmente brillante que, a pesar de su duración de 3 horas, se me terminó haciendo corto dado el ritmo tan alto que se mantiene durante toda la película.

Avanzamos ahora casi 10 años para llegar a la siguiente película con la que Anderson se ganó la admiración del público y la crítica: ‘Pozos de Ambición’. Una película que se apoya fundamentalmente en la colosal interpretación de Daniel Day-Lewis (interpretación que posteriormente le valdría un Óscar al mejor actor principal). Sólo por ver la evolución de su personaje y la magistral recta final del mismo, ya merece la pena ver esta película. Personalmente tengo que decir que el ritmo de la historia me pareció excesivamente lento lo que, dada su duración, podría provocar que en conjunto pudiera resultar una película algo pesada de ver.

Y finalmente llegamos a ‘The Master’, una película que pasó extrañamente desapercibida por los Óscars de 2012. Me sorprendió tanto el no verla entre las nominadas a mejor película como el no ver a Paul Thomas Anderson entre los nominados a mejor director. Sin embargo, la Academia sí que reconoció el excepcional trabajo llevado a cabo por el trío protagonista (Phoenix-Hoffman-Adams) y premió a cada uno de ellos con una nominación al Óscar.
La película, al igual que pasara con ‘Pozos de Ambición’, gira alrededor de las interpretaciones. Más allá de la trama, la cual también es interesante por la temática que toca, lo que realmente da a la película el valor que tiene son sus actores. En especial quisiera destacar el papel de Joaquin Phoenix, quien se confirma como uno de los actores de nuestra generación. Escenas como la tanda de preguntas que Lancaster realiza a Freddie demuestran todo el talento que atesora este actor. La verdad es que me extrañó que su nombre no sonara con más fuerza en la pugna por el Óscar a mejor actor principal.

¿Y qué es lo siguiente que tiene para ofrecer Paul Thomas Anderson’. Pues de momento para 2014 tenemos anunciada ‘Inherent Vice’. Un thriller que de momento tiene confirmados a Joaquin Phoenix y Charlize Theron. La sola presencia de Joaquin Phoenix en el reparto ya es motivo suficiente para creer que nos encontraremos ante otra película de altos vuelos.

Hardy